TODO ES MUY RARO

"CONTORSIONISTA es un video de Joan Pueyo realizado en 1991  que mantiene su vigencia y demuestra el fuerte carácter de creatividad desplegada por este autor de reconocido prestigio internacional. Sus primeros trabajos mostrados en los años 80 tenían una fuerte incontinencia expresiva. ­Desde este video, Contorsionista, hasta su trabajo actual en el 2007, existe un orden nuevo que estructura  y equilibra su poética delirante, expresiva y orgiástica con una geometría calidoscópica, simétrica tal como puede verse  en este video. A través de un punto de vista frontal, estable y construc­tivo que recuerda alguna iconografía azteca, el artista va troceando las partes de unos cuerpos que dispone de modo magistral. Una carne troceada por el sacrificio virtual.  El video Contorsionista es, desde mi punto de vista, inseparable de la aportación volumétrica que contiene, porque es uno de los mejores ejemplos de reunión entre el espacio de la imagen videográfica con el espacio volumétrico de la escultura. La simetría y un constante movimiento de este video y esta escultura hacen que en esta ocasión unos pechos sean ojos, los ombligos sean bocas, los pies orejas, las bocas sexos dentro del orden regular del espacio que los contiene.No se trata aquí de profundizar en el complejo territorio de la justificación de los ritos sacrificiales pero creo que en la obra de Joan Pueyo se encuentran indicios de la vertiente más sublime del dolor.

El cantante Ramoncin siempre se ha caracterizado  por sus salidas de tono en todo tipo de programas de T.V o radio diciendo lo primero que le venía a la cabeza. Le he oído decir cosas fuertes y susceptibles de atentar a la sensibilida de las personas o las instituciones. De hecho ha convertido su actividad como polemista en su principal "actividad creativa". Ahora , tal como hacen todos los mediáticos, a la que pueden te empapelan y se ha despachado con una demanda millonaria a una página en la que hay un foro de libre expresión.

Leo en La Vanguardia digital de 25.9.07 lo siguiente: " "El titular de la página web Alasbarricadas.com , ha sido condenado por el juzgado número 44 de primera instancia de Madrid a pagar 6.000 euros por los insultos y comentarios lanzados contra el cantante José Ramón Julio Márquez, 'Ramoncín', en uno de los foros albergados por la citada web. La juez considera en su fallo que estas expresiones y la fotografía manipulada que se alojó en la página supusieron una "intromisión ilegítima en su derecho al honor". Los condenados anunciaron hoy que recurrirán la sentencia. Los comentarios recogidos en el fallo califican a Ramoncín de "escoria, grandísimo payaso, pedante, creído, farandulero" y otros términos malsonantes, y expresiones como "sólo siento no haber estado en el último festival que estuvo para descalabrarle".Además, se incluyó una fotografía en la que aparece con la cabeza cortada, lo que, según la juez, supone una "grave humillación y amenaza".Asimismo, el fallo asegura que tanto los comentarios como la fotografía se mantuvieron durante el plazo de interposición de la demanda, y, según la juez, fueron "más allá de lo que se considera crítica".  Paradójicamente, a la prensa constituida y oficial se le tolera todo tipo de expresiones  como las que realizó el crítico de arte Robert Hugues que estuvo recientemente de paso por Barcelona .Este crítico que suele ser tan polemista o más que Ramoncin se despacho con frases , que ocuparon los titulares de los periodicos más prestigiosos con expresiones como las siguientes: "Odio la Sagrada Familia", "Detesto el Macba y su colección de arte me parece aun más Horrible, lo de Ferran Adriá lo despacha rápido diciendo que es lo más parecido a una Tortura y  dice que en las bienales hay tanta Mierda que no viene de aquí, por último dice que un Pedo de Jaspers Johns se vende a precios millonarios. Todo el mundo acató y le rió las gracias. Ambos tienen, como se percibe en las fotografías ,el aplomo impertinente del que sabe que puede decir cualquier cosa en cualquier momento.

Me parece que una ventana de libertad, en la que actúa la autocensura, no puede ser el objetivo de los que temen perder sus privilegios de edición y por eso: "Los demandados argumentan que intentarán "organizarse contra los que, desde las gestoras de los derechos de autor o desde instituciones pisan la libertad" y concluyen que. "Estos supuestos defensores de la cultura, demuestran qué entienden por cultura: ¬", critican. "Por un uso libre de Internet, por una cultura libre". A ver que dicen los teóricos del medio, pero me temo que nos debemos preparar para los siguientes intentos institucionalistas de limitar la libertad, controlar el orden de los discursos y vigilar  la autogestión intelectual que supone manifestarse a través de la red.       

Familia 1

José Pantaleón es un buen amigo y pintor asturiano, de Oviedo(1955) que se impregnó del sentido de la pintura cuando estudió Bellas Artes en Sevilla. Norte y Sur. Dicen algunos que la geografía condiciona al arte y si esto es así José Pantaleón habrá vivido una experiencia sublime, como es trasladar el sentido luminoso del espacio y la figura, propios de la escuela sevillana, a las pluviosa brumas de las tierras asturianas. Todavía hoy en día se asocia la escuela de Bellas Artes de S .Isabel de Hungria de Sevilla, creada tras la guerra civil,  a un determinado modo de interpretar el realismo y la formación académica. Sevilla y rigor pictórico son términos que parecen ir unidos desde que naciera en esta ciudad  el señor del espacio :Velázquez. La pintora Carmen Laffon (1943) ,también alumna en S.Isabel, ha conseguido figurar entre los mejores nombres contemporáneos pese a hacer una obra de fundamentos clásicos, esa ambigüedad ha desconcertado a  la crítica que no sabe bien donde ubicarla, una obra en la que algunos críticos han visto: cotidianeidad, intensidad ambiental y misterio. A José Pantaleón le sucede lo mismo y lo que Laffon ha hecho con los objetos, mesas camilla, canastas con ropa blanca o máquinas de coser, José Pantaleón lo ha hecho con las personas y con una paleta más sobria. Sus colores están  influidos por las tonalidades de los artistas del norte que es más austera y en la que el color negro siempre tiene un lugar. Es un artista de fundamentos, figurativo, pero no academicista y dadas las licencias que otorga la posmodernidad ,no renuncia a la investigación constante, al cruce de estéticas diversas o contradictorias que a menudo le conducen a la  abstracción, como demuestra su trabajo como muralista en  la Universidad Carlos III de Madrid, en el Instituto Oftalmológico Fernández-Vega (Oviedo), en el Hotel Monumental Naranco (Oviedo), en los Juzgados de Colmenar Viejo (Madrid)  o el realizado en 2003 y situado en la Estación Central de Autobuses de Oviedo.

                                       Familia 2

José Pantaleón es un pintor realista que pinta lo que nadie ve, la dimensión oculta de la realidad, eso que solo es perceptible a seres de privilegio y lo consigue a través de un peculiar sentido proxémico del espacio. La palabrota se la inventó el antropólogo E.T.Hall cuando se dio cuenta que los seres humanos, como sucede en el mundo animal, tenemos unas fronteras espaciales invisibles que si se alteran o se cruzan crean tensión y conflicto. El domador de leones sabe que hay unos puntos ciegos, invisibles en su jaula y que si se descuida y los vulnera pueden ser letales. En los cuadros de Jose Pantaleón el espacio invisible habla y esta enfatizado por la dirección de la mirada de sus personajes, la mirada crea direccionalidad, tensiones  y si pudiéramos dibujar sobre sus cuadros, percibiríamos claramente esos entrecruzamientos espaciales que se dan en la situación de sus figuras. Hay en ellos una geometría latente que está administrada de un modo muy sutil y que nunca se impone como característica, pero que está. Eso hace que en algunas obras si las figuras se desvanecieran quedarían cercanas a la abstracción  de Richard Diebenkorn. (Familia  1). También en (Familia 2) y además con el privilegio del que ha pintado al Rey (2002) como Velázquez ,se ha permitido un guiño histórico y ha retratado con espejo lo que el espectador no podría ver, igual que en las Meninas. El misterio de lo artístico aparece en su obra por esa facultad de mencionar lo invisible, ese sentido relacional que afecta a todo grupo humano y mucho más a una familia.(Familia 3) El clima es silencioso, sin estridencias, pero con la calma tensa de lo que ha sucedido o puede suceder. Quizá con alguna ausencia querida o también en un clima muy relajado, casi risueño (Familia 4). Decir que un retratista es un buen observador del carácter de las personas es un tópico, pero es que José Pantaleón ejerce esa potestad desde el primer momento que te lo presentan, tras una entrada cordial y expresiva se dedica unos segundos a observar discretamente a mirar eso que los demás no ven y que le permite ser uno de los pintores de retratos más importante del país.  

            Familia 3    

                        Familia 4    

 En la presentación del video de Shannon Wright mencionaba su faceta más dura como guitarrista y he encontrado la versión eléctrica del tema que tocó más suavemente en el piano de Primavera Sound. Es este:

Al mirarme en tus ojos.2006.Acrílico sobre tela.160x195

MANTO PROTECTOR 

Javier Puértolas expone en www.galeriafidelbalaguer.com  hasta el 27 de Octubre, con  un título general : "Sota l´epidermis". Ya hace algún tiempo que vengo diciendo en foros y tertulias artísticas que la Iglesia católica debería recoger el testimonio del mecenazgo que ejerció durante tantos años y desplegar su manto protector sobre el arte contemporáneo, y que los jóvenes ,con menos prejuicios ideológicos que hace unos años ,deberían reclamar ese amparo. La iglesia ha hecho tímidos intentos parroquiales, casi siempre nefastos, de  hacer una vidriera o un Cristo crucificado con el lenguaje estilizado de lo pseudomoderno. No, me refiero a eso , sino a lo que valientemente han hecho en la abadía de Montserrat los monjes, al habilitar un espacio único destinado a hacer exposiciones de artistas que llevan una práctica activa y atrevida como en el caso de Javier Puértolas. 

En primer lugar hace un análisis de la etapa más instintiva del pintor diciendo que : "la pintura  le salía desde dentro, como la lava sale de un volcán en erupción" y que eso era consecuencia de una época convulsa en la que el mismo participó, cita desde Brassens a Mikel Laboa. Después continua su recorrido y opone la etapa anterior a una época más "urbanizada", menos salvaje en la que el artista transita desde la modernidad a la posmodernidad :"no era pura fuerza , ni grito, ni golpe de pincel gordo cargado de pasta pictórica sino un espectáculo eminentemente visual, un discurso ligado de formas y colores y con una forma de decir correcta y trabajada hasta el detalle".Reconociendo sus limitaciones, confiesa que su mundo sigue siendo el de la Biblia y los clásicos que:"constituyen mi patria espiritual" No obstante, continua:"No me siento extraño en el mundo en que vivo. Más bien me provoca simpatía y me divierte, y sobre todo me estimula intelectualmente a buscar respuestas siempre más ajustadas y a afinar la sensibilidad y el gusto por el arte en diálogo continuo con las nuevas propuestas artísticas. "Lo mejor de este escrito empieza ahora con las interpretaciones que el monje da de su visión de la obra. Reconoce un caos inicial que luego percibe como ordenado, reconoce su fascinación que le hace recorrer hasta el insomnio durante tres días y tres noches los cuadros de Puértolas una y otra vez, ve en ellos todo tipo de sugerencias muy bien descritas: desde tejidos orgánicos y vísceras hasta grafismos electrográficos o el mismísimo vientre de la ballena de Jonás.

Tengo la tentación de seguir transcribiendo fragmentos del texto, pero por su extensión, remito al lector al catálogo  y acabaré reconociendo el ejemplo de interés , curiosidad intelectual y sensible que despierta al que  lee este magnífico escrito sobre arte, para finalizar este Post. con sus palabras:

Los que sigan los avatares del Blog. y del Blogger recordaran una crónica dolorosa de pies que hize de la Primavera Sound. Ahora que estamos en las puertas del otoño quiero recordar la actuación impresionante de la cantante Shannon Wright tocando el piano con una melancolia que contrasta con su agresiva manera de tocar la guitarra. Siempre extraordinaria. Esa es su actuación en la sala de congresos del Forum de BCN.

Mi primer expediente 

Antes de explicar como me formé y como aprendí las artimañas  de mis enemigos, quiero explicar, ahora que empieza el curso y se están haciendo las obligadas reuniones de profesores, la gran ventura que me produjo ejecutar mi primer expediente.  Lo recuerdo como si fuera ayer. Bajaba caminando por la Rambla de Catalunya, estaba algo cansado después de pasar dos horas  mirando libros en La Central. Genuflexiones, alzamientos, brazos arriba, brazos abajo, otra vez de cuclillas Es el único ejercicio físico que me permito. Me senté en un banco para recuperarme y al poco rato vi venir dispuesto a sentarse junto a mí a una persona que me parecía conocida, si ,era Berni, mi viejo compañero de estudios en la escuela del señor Juncosa y que posteriormente fue también compañero de estudios de arte . Lo ví desgarbado, con el pelo revuelto y la ropa algo desgastada, aun llevaba las "menorquinas" en los pies. Ese signo inequívoco de algunos profesores  que no soporto y que indica su tendencia a que prosiga la ociosidad vacacional, en fin, una absurda protesta formal contra el "establihsment" antes de calzarse el zapato y los calcetines, tal como es debido.Sin que apenas  me diera tiempo a iniciar el protocolo de los encuentros casuales, como: "Hombre, tu eres Berni&." o algo así, me dijo :   -estoy desesperado-

.  

Sin mediar otra explicación me contó que acababa de salir de una reunión De Bachillerato Artístico en el instituto de secundaria en el que daba clase desde hacía más de veinte años. Eso ya empezó a interesarme. Me continuo diciendo que había explotado en la reunión de profesores y que no soportaba ni un minuto más esa situación.

 Berni se dedicaba a la enseñanza de la Historia del Arte en un mundo que yo  conocía bien porque antes de obtener  mi acta de inspector, me había dedicado a dar clases   a esos jóvenes poco predispuestos a hacer esfuerzo alguno para aprender. Vista su inquietud, y un poco por curiosidad profesional, le dije:   -"no sé, cuéntame"-.  No lo dudó ni un segundo y me empezó a contar que venía de  una de esas  reuniones convencionales que se hacían en el Instituto antes de empezar las clases, y que sirven para presentar los cambios horarios, la cuenta de resultados y la incorporación de nuevos compañeros,-hasta aquí todo me parecía correcto y normal, vamos, lo que debe hacerse,  Berni continuo su narración explicándome  que había dicho unas cosas terribles  y que había  tomado una actitud impropia de él , se sentía muy extraño consigo mismo, él , que había sido tan paciente en todos esos años. 

 Se imponía un: "y ¿que dijiste?.   - Pues, verás, se estaba haciendo una ronda de presentaciones del trabajo que cada uno de nosotros lleva a cabo en el Bachillerato artístico, las compañeras de Lengua Catalana, las de Lengua Castellana, las de Filosofía, las de Inglés, iban explicando de un modo altamente razonado, las claves de su trabajo, algunas indicaciones de método pedagógico, el éxito estadístico en aprobados o suspensos, su capacidad de dinamización y control de tantas hormonas juveniles desatadas.  -Yo iba asintiendo con la cabeza pues, como inspector, me parecía todo dentro de mi noción de la buenas maneras de la pedagogía. 

  Berni continuó diciendo :poco a poco iba llegando mi turno, y cuando llegó, dije en un tono airado, con gesto arrebatado al tiempo que la camisa me salía de los pantalones y el pelo se me agitaba:  Pues yo doy clase de una materia, la historia del arte, del arte no sé ni su origen, ni su fundamento, explico cosas de algo de lo que todo el mundo habla y  que nadie, ni yo mismo, conozco su causa.  Los alumnos que más me gustan son los que  acaban dejándonos, son los más inquietos, los que no nos soportan y en sus ojos veo brillar los destellos de la búsqueda de la creatividad y de lo desconocido.Se hizo un silencio tenso, en el que las miradas de reproche de mis compañeros se dirigían amenazantes hacia mí. Sólo me quedaba salir del Instituto, buscar aire fresco y aquí estoy, en este banco de la Rambla de Catalunya ,sentado contigo." 

 Yo, levanté de inmediato la palma de mi mano, como queriendo parar tamaño aluvión de improperios, al tiempo que le decía: has encontrado la horma de tu zapato, acompáñame a mi despacho oficial que está aquí cerca, soy inspector de enseñanzas artísticas y desde este mismo momento date por expedientado.   El azar me había puesto en bandeja mi primera ocasión para hacer justicia y expulsar al lobo del redil de las ovejas.     

Oriol Vilapuig (1964) inauguró ayer, día 14, en la Galería SIS de Sabadell la exposición "El "Flux de les Aparences" y estará hasta el 3 de Noviembre. Conozco a Oriol desde su época de formación  y siempre me ha llamado la atención su mirada traviesa , discreta y algo melancólica. Oriol confía más en las imágenes que en las palabras y eso lo hace  parco de expresión. Su fe icónica es absoluta,   es tan totalizadora que en el magnífico catálogo monográfico publicado por el Museu d´Art de  Sabadell en el 2003, sustituyó el convencional texto biográfico de reseñas sobre vida y exposiciones, por una foto de un rincón de su taller en el que se ven, colgados, entre otros: una vista aérea de Venecia , una foto de Samuel Beckett, Búster Keaton, un fotograma de "La pasión de Juana de Arco de Dreyer o Catherine Zeta-Jones, embarazada y recogiendo el Oscar junto a una imagen de Goethe en Italia. Un auténtico manifiesto identitario a través de la mirada.

 Oriol Vilapuig es radicalmente fenomenológico y eso le lleva a querer visualizarlo  todo,incluso sus lecturas. Un ejercicio intelectual y  nutricional que ejerce sobre: los "Essais" de Montaigne, (autor especialmente apreciado por este Bloger), o i Britten, Melville, Passolini, Lessing, Elliot, o Pavese ;en su obra  "Omnia Vincit Amor" de 1998,  todos ellos son engullidos , a través de una mirada que pasando por el corazón concluye en una gran defecación.   

El mundo  de los payasos aparece en su obra y enfrenta didáctica y trágicamente la sabiduría de  Bianco a  la procacidad ingenua de Augusto.Una dualidad que también aparece en su alusión al escultor griego Polícleto en su obra "La cama de Polícleto" de 1996, que me sugiere la gran querella de   la dualidad griega entre lo apolíneo y lo dionísiaco .El escultor griego de las formas perfectas y canónicas  duerme en su cama rígida, dura y geométrica, enfrentado a sus debilidades como un Augusto dionisíaco e infantil ,pleno de  ímpetu, fuerza vital , arrebato Impulsivo, instintivo y algo orgiástico.

Ver y Leer son las principales ocupaciones de este artista que a través del tránsito instestinal del oficio artístico sabe convertir estas actividades en  obras de alta calidad ejemplificadora que obliga al espectador a ver y a leer. Sus obras son jeroglíficos con respuesta en el alma o en la sensibilidad del que mira, siempre propone algo, siempre mueve a la reflexión y nos ilustra , pero , eso es a su vez virtud y vicio del arte , pues,  Oriol, llevado de su fe icónica, de su fenomenología militante debería crear en el espectador, no tanto interrogaciones y perplejidades intelectuales, sino contundencia sensible  a través de la Sagrada Forma.  

 

Los cines Verdi de Barcelona ofrecen muchas películas a la vez en sus mini-salas. Son tantas que en ocasiones ,si  uno se despista, puede ir dispuesto a ver una película con enigmas insondables sucedidos en la Bretaña Francesa (El Extraño) y en su lugar acabar viendo una tontada (Dos días en Paris).  Eso me ha pasado a mí hoy.

En esta comedieta protagonizada por dos jóvenes de treinta y cinco años el tema principal es ese, los afectos y desafectos en una relación  de pareja durante su estancia de dos días en Paris. Si acumulamos todos los datos que la película nos da a través de la joven pareja o de sus  padres o si sumamos nuestra propia experiencia y así sucesivamente la de todos nosotros, nos daremos cuenta de que hay una regularidad estereotipada de las relaciones humanas  que favorece su carácter predictivo. Le podemos dar la complejidad que queramos, podemos pensar que somos libres frente a la regularidad estadística pero: Todos somos iguales y siempre que pasa igual sucede lo mismo o como dice un amigo:

Lo más difícil para una galería de arte nueva es encontrar un hilo conductor de coherencia y ellos la tienen en grado máximo, no sólo por la procedencia de sus artistas, la geografía otorga trazos comunes a los artistas, sino por el especial sentido que los directores de la Galería tienen de lo que es el arte y sobre todo su sentido de la belleza. Como reconocimiento a su trabajo constante y por su lucha por sobrevivir en los mares embravecidos del arte contemporáneo, les dedico esta pequeña muestra musical.

Värttinä - Emoni ennen.

Unas doce mil personas infelices hemos asistido esta tarde del día 10 de Septiembre al Palau de San Jordi buscando remedio a nuestro mal. Tenzin Gyatso, XIV Dalai Lama pronunciaba una conferencia con el título: El Arte de la Felicidad y todos estábamos dispuestos a escuchar la receta del bálsamo por el módico precio de veinte euros.(12.000x20=240.000). Yo no confío mucho en estos encuentros multitudinarios para hablar de cosas tan íntimas como el desconcierto personal, la crisis o el desamparo o mucho menos la infelicidad, pero el azar puso en mis manos una entrada y la aproveché .A cambio me encontré con la mayor incertidumbre que ser humano pueda soportar. La organización había pensado en distribuir unos aparatitos radiofónicos(made in china) a través del los cuales podríamos escuchar los preciosos consejos del Dalai Lama, sea por un capricho tecnológico o un por un boicot del país constructor de los aparatos, ha sido imposible el seguimiento del acto de un modo adecuado. Como a menudo hago de un problema una virtud, se me ha ocurrido ir anotando algunas frases que con el correspondiente ruido de fritura radiofónica de fondo, iba oyendo entrecruzadamente con las sabias palabras del anfitrión. Todo eso aderezado por una pugna lingüística por hacer escuchar la traducción en catalán y en castellano, el lector puede imaginar que no se podía pedir  más confusión al evento.Fuí anotando algunas de las expresiones que acudían a mi sintonizador que por suerte o por desgracia iban coincidiendo con algunos consejos entrecortados sobre la felicidad. Por ejemplo, cuando como buen budista, el Dalai Lama aconsejaba no perder el mundo real de vista y mantener la mente apaciguada, se oía en las ondas: "ahora toca tener un buen jamón en casa",cuando hablaba del banal mundo de la sociedad de consumo y que eso no da la felicidad, se oía: podemos unificar todas sus deudas. Broken Finance(o algo así) ven una solución a su problema". Cuando hablaba de la mente: se oía: "cuando te dejas 50 en agua, agradeces que te den agua gratis" y cuando hablaba del placer de lo inmediato frente a las elucubraciones del futuro se oía : "disfrute hoy y no pague hasta el 2008". Cuando decía que  un individuo es feliz cuando encuentra calma mental, la radio contestaba: "hay que comprar los zapatos por la tarde que así los pies están más hinchados".Todo ello amenizado por los 40 principales, mucho ruido de fondo, y ya cuando pensaba que más era imposible ,llegó la apoteosis, ha sido hacia el final del acto cuando ha tocado los temas políticos comparando la situación del Tibet y una alusión a Catalunya, porque entonces  la radio comentaba la diferencia sobre la idea de nación española entre Mariano Rajoy y Blanco. Total que en un momento de lucidez, apague el traductor traidor y me dedique a mirar los gestos y la cara del Dalai Lama y entonces encontré algo de serenidad, porque lo cierto es que tiene una sonrisa encantadora.

Para Guillermo

. 

Entre los día 8 Septiembre a 30 Octubre en  la  Aliance Française  de Sabadell se puede ver la obra reciente del escultor Tom Carr  que con el título "del jardín imperfecto", muestra una parte del recorrido que inició en las galerias  Astarté,  Sala Maior  y Studio Franck Bordas de Paris. Tom Carr trabaja en formatos y proyectos siempre diferentes que van desde obras monumentales como su "Seed & Helix" que se encuentra en la sede principal de  la  Société Générale  en la Defense de Paris,  a proyectos de incidencia pública como: Project Principium  en la Illa Fantasia del Maresme  y otras obras que se pueden consultar en su página  http://web.mac.com/tomcarr1/       i  Web/footsteps/footsteps.html   

Los  trabajos que le dieron las primeras señas de identidad artística fueron  sus ensayos con la luz, las sombras y las proyecciones una etapa aun poco estudiada de este artista y que, desde mi punto de vista, contiene  aspectos muy interesantes y que  aún no han sido superados por su trabajo actual.Pudo verse indicios de esta etapa en  su instalación  "Cycle et coïncidence", que realizó en el Museé d'Art Moderne de Céret en el 2002.

Pensando, brevemente, en el título de la actual exposición, he encontrado la clave de porque me gustaba tanto su época de luces y sombras. El momento en el que se encuentra su trabajo es de una perfección extrema y por este motivo el título general de la exposición podría haber sido : de  el Jardín Perfecto. Es cierto que, como indica el magnífico escrito de Carme Miquel de Enero de 2007 el Jardín es muchas cosas y entre ellas, yo destaco las siguientes: dentro de su aparente control y simplicidad, el jardín puede ser un laberinto, un lugar donde todos los abismos del yo son posibles.----- la pulsión de lo escondido se revela, afirmando contundentemente su existencia. Me parece que Tom Carr ha ido arreglando y cuidando ese jardín hasta dominarlo absolutamente y camina por él con total seguridad y firmeza, lo mantiene pulcro.

Museo de Ceret. 2002  

 La ventaja de escribir directamente en un Blog. es que de repente se cruza una vieja historia, escuchada en algún sitio y deseas escribirla, eso mismo me acaba de pasar y es la siguiente: Un padre y un hijo están arreglando el jardín, las hojas de otoño caen incesantemente y el hijo es el encargado de recogerlas, una y otra vez realiza esa labor pulcra bajo la atenta mirada de su padre. Recoge todas las hojas, no queda ninguna y le dice a su padre: -Padre ya he acabado el trabajo-, el padre le contesta que continúe, que el jardín  aún no está perfecto, el hijo vuelve una y otra vez y la respuesta del padre siempre es la misma: aún no está perfecto, llegado un momento y cuando ya todo era limpieza absoluta,  el padre  llama  a su hijo y sin mediar explicación coge con las manos unas cuantas hojas del cesto y las vuelve a tirar por el jardín, diciendo: ahora si que está perfecto.  

Foto de Grupo

El año 1972  unos cuantos jóvenes tuvieron la suerte de coincidir en un tiempo y en un lugar. El momento fue de privilegio en la década de los años setenta en los que por una iniciativa de unos cuantos activistas culturales de la ciudad de Sabadell, se inició en la llamada Sala Tres de l´Acadèmia de Belles Arts , una serie de 56 exposiciones a lo largo de siete años de actividad, es decir, unas ocho exposiciones de promedio por temporada, que en el  gélido ambiente cultural de la época tenía mucho mérito. Paradójicamente, la aventura cultural acabó  en los últimos días de la dictadura, en 1979, cuando se auguraba la feliz aurora de la democracia.   

      Fragmento de obra pictórica de M.Duque

    Lista de obras-objeto-conceptuales de Benet Ferrer

 No voy a comentar ni en profundidad, ni en extensión esta exposición solo quiero enfatizar la naturalidad con la que convivían propuestas de signo muy diferente, en un momento en el que ,supuestamente, existía una batalla feroz entre los partidarios del objeto artístico y pictórico, con los partidarios de la conceptualización pura y dura.  

Un ejemplo similar de convivencia, se dio también en la Escola Eina de esos años en los que era entrañable observar la complacencia con la que Albert Ráfols Casamada, que es dos veces pintor, admiraba y aceptaba las propuestas tendentes al conceptualismo de Carlos Pazos o Xavier Olivé y otros .

Por un afán de comodidad historicista , la crítica tiende a  aprovechar a su favor las diferencias  y separar, dividir y clasificar ,y esta muestra, comisariada por Maia Creus, lo pone de relieve al separar en ámbitos diferentes las obras ,por un lado de: Alfons Borrell. Joaquim Chancho, Manuel Duque, Robert Llimós, Gerard Sala, Joan Pere Viladecans,Guinovart , Puértolas, Miquel Vilá en la Académia de Belles Arts y ,  por otro, el resto en el Museu D´Art :Luis Utrilla, Benet Ferrer, Pep Doménech, Fina Miralles,  Angel Jové ,Verdaguer, Galí, Carlos Pazos, Jordi Pablo, Francesc Abad, Carles Pujol, Jo rdi Benito, Muntadas, Jordi Cerdá, Francesc Torres, Llorens Balsach,Ferran Garcia Sevilla etc& 

No quiero devaluar la tarea crítica, ni la actuación estudiosa de la comisaria, al contrario  la argumentación teórica del movimiento ,dio un valioso impulso a la tendencia, desde .A. Cirici, su equipo de Serra d´Or,  Tere Camps,  y especialmente Victoria Combalia que iba haciendo "bolos" ideológicos en un ciclo de conferencias que  con el título de:  Del Minimalismo al arte Conceptual "se convirtió en la apoteósica y entusiasta divulgadora de la tendencia  y eso  la convirtió en la critica más codiciada del momento. La crítica, como los artistas, también tiene sus mejores momentos. El morbo de la historia del arte ,consiste en detectar enfrentamientos y polarizaciones, pero la vida cotidiana, las disuelve y las aligera. La verdad es que mirando la programación de esos años parece que convivían, entremezclados y felices, buscando en definitiva la proclama inicial del manifiesto fundacional en 1972 con "Exposició d´ Art Nou Català.   ¿o no? El debate puede empezar. .

Joseph Beuys en 1969 Soziale Plastik 11' s/w mit

Para que estos interrogantes tengan sentido, para aquellos que no hayan visto la película, será conveniente describir someramente la situación. Nos encontramos bajo las nervaduras de los arcos de un escenario de privilegio: una antigua iglesia medieval italiana con una acústica privilegiada. Los músicos hablan de la importancia de sus instrumentos, se muestran de un modo natural, algunos con expresiones groseras, otros con frases lapidarias sobre la importancia de sus instrumentos como fundamento de la orquesta, el factor humano empieza a surgir cuando vemos las diferentes actitudes de aprecio y odio que existen entre los músicos. Aparece el director que habla con energía y con un fuerte acento alemán. Sin saber porqué , la orquesta empieza sus ensayos de un modo harmónico pero poco a poco se llega al caos y al desorden total. En ese escenario , y mientras el director pide orden, los músicos se desmadran totalmente, escenas lujuriosas debajo el piano, "slogans " como: "no queremos director, solos lo hacemos mejor",incluso algunos lo quieren sustituir por un metrónomo, otros, los más mayores, se muestran partidarios del director, los demás  siguen creando todo tipo de situaciones surrealistas mientras el delegado sindical va lanzando sus proclamas.

 De repente, en medio de la confusión se oye un ruido temerosísimo y fuerte y una de las paredes de la iglesia cae derrumbada a los pies de los músicos. En el muro queda suspendida una gran bola negra, una esfera de destrucción que oscila pausadamente tras el impacto. La arpista ha muerto , el director coge nuevamente la batuta y con una renovada energía empieza a dirigir con mayor fuerza que al principio, su acento alemán grita: "da capo, da capo" ,que es una expresión italiana que significa a la cabeza y que  indica regresar, volver al principio para tocar nuevamente.

En los tiempos que vivimos el péndulo de Venecia se convierte en algo más que una mera escenografia ingeniosa para que los actores y actrices  muestren sus encantos y las interpretaciones quedan abiertas a vuestras opiniones, pero valgan algunas cosas que se han dicho sobre la película: Que las imágenes de la película transmiten nostalgia de la dictadura o apuestan por la contundencia ante el desorden que puede conllevar la democraciaQue nos habla del abuso de poder y de la delgada línea que separa la imposición del orden por la fuerza de la tiranía y el totalitarismoQue para que la música suene armoniosamente se hace necesaria la presencia del director, de su punto de vista y de sus órdenes.Que en el fondo es un homenaje a Nino Rota, fiel colaborador en las películas de Fellini y a quien le unía una fuerte amistad 

8ª Jornada de la cultura judía.Palma 2007.

En el mes de Julio hice una reseña del concierto de Zorn en Barcelona y decía lo sigüiente:

"A mi me interesa mucho la combinación entre lo antiguo y lo más moderno y Zorn ha hecho un ejercicio simbiótico y ha dado un sentimiento radical a la música judía y le ha llevado a mezclar a Ornette Coleman con la música Klezmer de los judios ashkenazis de Europa del Este, es decir la mixtura entre la libertad absoluta y el sometimiento a la ley de la tradición. "

Esta es una breve muestra de su poliedrica música, lo advierto porque quien quiera escuchar más música de Zorn tiene mucho donde escoger ,pero si se equivoca , surgirá un huracán de sonidos muy diferentes a los que se pueden escuchar en este ejemplo.

John Zorn / Masada String Trio - Meholalot

Los rezagados aun tenéis tiempo de hacer una escapada al Museo Guggenheim Bilbao que ha decidido prolongar  hasta el 9 de septiembre, la exposición antológica dedicada al artista alemán Anselm Kiefer, ante el éxito de público que ha tenido.Cerca de 540.000 personas han visitado hasta hoy esta muestra antológica, que reúne obras monumentales de los últimos 10 años del artista alemán, entre ellas un cuadro de 15 metros de altura realizado ex profeso para el museo de  Gehry.Desde la inauguración de la exposición hace cinco meses, el pasado 28 de marzo, y a tan sólo una semana de su clausura, prevista en un principio para el 3 de septiembre, una media diaria de más de 3.500 personas, procedentes de distintos puntos de España y del extranjero, han visto la muestra. Uno de ellos era yo.

 Fui con unos amigos y entre ellos una auténtica admiradora de la obra de Kiefer que se llama Ana . Este artículo va dedicado a ella, pues creo que durante la visita los tres restantes acompañantes fuimos un estorbo para su devocional visita. Hay que escoger muy bien el compañero cuando se sale a cualquier sitio, pero especialmente cuando tienes delante el gran resumen de un artista de culto y no quieres perder ni una sola partícula de su obra.  En aras de disculparme, debo decir que todo empequeñece ante la grandeza formal y concordante a la que me he referido en Posts. anteriores del tandem Ghery-Serra. Y que mi actitud contemplativa estaba en estado deficitario durante la visita a la exposición de Kiefer. Pero ese no es suficiente argumento. Yo creo que nos disipó, que nos difuminó la atención el hecho de encontrarnos, sin que mediara tiempo alguno, de la "Materia del Tiempo" de Serra  a contemplar una obra en la que la narratividad histórica es fundamental, eso exige una inmersión escénica, un "entourage" sin el cual las obras de Kiefer quedan como los restos de una escenografía vacía, como el lugar donde algo ha sucedido y nosotros no nos hemos enterado.

 Sobre este aspecto, debo decir, que la incorporación de la materia  en los lienzos iniciada por el Informalismo Europeo hacia los años sesenta del siglo pasado, y del que es un buen ejemplo  Antoni Tapies, nunca resulto escenografiante. Tapies ha llegado a colocar un armario o una persiana metálica y nunca ha caido  en la narratividad teatralizada que aparece en las obras de Kiefer. La voluntad narrativa en relación al sufrimiento que se generó a partir del conflicto bélico en la segunda guerra es una obsesión para Kiefer: camas del dolor, flores marchitas, destrucción y aspereza total.

 Todo eso sucede en sus escenarios posmodernos, la propia palabra alude a simulación y espectáculo, la diferencia con otros ,es que Kiefer utilizó las claves  que predecían Apocalipsis al final del milenio, es decir, ligeros indicios herméticos, esoterismo estelar del firmamento, juego con las palabras de origen hebreo, cabalismo, materiales con carga simbólica y siempre utilizando la ambigüedad y la doble dirección de los lenguajes y buscando  el efectismo espectacular que tuvo mucha influencia en los estudiantes de arte de los años 90: de todo ello nos quedan estos escenarios simbólicos y vacios.

 La explicabilidad ilustrada y simbólica no es propia de la Gran Forma en la que lo fundamental se encuentra en 5 mm más o menos de una curvatura. El contraste entre la suprema concordancia de las formas y unas escenografias narrativizadoras creó las condiciones óptimas para el naufragio en nuestra visita, por este motivo vuelvo a disculparme con mi amiga Ana, a quien le queda el recurso del recuerdo, con estas fotos y el testimonio del mega-catálogo más voluminoso de la historia del arte contemporáneo.  

Para Daniel y Ana 

Las fotos son del Correo Digital.              

He elogiado la concordancia entre lugar, museo y obra. Con estas imágenes quiero mostrar la importancia de la Topología en las ocho esculturas que componen la instalación de Richard Serra. Es emocionante comprobar el efecto perceptivo y vivo, es fascinante ver la cara conmocionada del espectador ante estas megaformas.

La obra es un ejercicio matemático de superficies , direcciones y ritmos en las que , como el propio Serra comenta en un video de la exposición, 5 milimetros son fundamentales en la concepción formal de la obra, a pesar de sus enormes dimensiones. No pretendo aquí  hacer un análisis Topológico de sus obras, solo mencionaré que en ellas se aprecian: Torsiones espirales, Torsiones elípticas, Dobles torsiones, Líneas serpentinas, Torsión Espiral derecha-izquierda, Torsiones Espirales izquierda abierta derecha cerrada, Formas entre   secciones toroidales y la esfera o puntos ciegos invertidos. Con estas notas visuales sólo pretendo enfatizar la concordancia de Serra con la obra de Gerhy y animar al visitante a introducirse en el complejo universo de las Formas.

La catedral contemporánea de la buena forma se encuentra en Bilbao. Nunca podrá verse semejante concordancia entre la obra de un arquitecto, la obra de un escultor y una ciudad. Entorno, arquitectura y obra se ofrecen al visitante en una armonía absoluta. Lo más importante no es visitar las exposiciones que el museo contiene, sino admirar y dejarse llevar por la fuerza poderosa de La Forma.

El museo debería convertirse en un lugar de obligada peregrinación para los devotos del arte contemporáneo, y también para sus escépticos. Un único espacio, sin ninguna otra exposición, solo consagrado al culto, solo reverenciando  los tres fines concordantes :la ciudad de Bilbao, la arquitectura de Ghery y la instalación de Richard Serra. Sería suficiente, no se necesita más para convencer, sin mediar palabras, los visitantes quedaran apresados por una infinita red en la que la matemática, los materiales, las líneas y los contornos los envolverán sin dejarlos escapar. La atención es máxima y los ignorantes quedan perplejos.

Al principio la llamada "gran nave", una de las salas del museo, solo albergaba en su interior la obra de Richard Serra "snake"(serpiente) 1994-96 acero Corten 401X3165x682 cm, pero ahora se encuentra la instalación ¨La materia del tiempo¨, un conjunto monumental de siete piezas más que junto a la primera ocupan la totalidad del espacio. El visitante  recorre la torsión continua de  las ocho obras por el interior, por el exterior, las contempla con los ojos pegados al acero, las puede ver desde una gran distancia en un piso superior en altura, pero en ningún momento se pierde la tensión formal que genera. La memoria siderúrgica del lugar, el resplandor del Titanio y la oxidación Siena del acero dan al lugar los colores de la concordancia. Todo lo demás parece una anécdota de la que se puede prescindir. Ni Anselm Kiefer con su megacatálogo de ocho toneladas  y su memoria histórica, ni siquiera el mismísimo Durero consiguen distraer al espectador del magnetismo de la concordancia suprema, nada rivaliza con el poderío que se ha establecido en aras de la amistad entre un arquitecto un escultor y la memoria de la gente de una ciudad.

FOTOS KOKON

Esta mañana hacia las dos me acababa de dar un baño con un Embajador de España, regresábamos de la playa dispuestos para comer, y sin que mediara otro argumento me explicó la siguiente historia:

Había una vez un niño que  desde el primer día de su nacimiento no decía nada, no pronunciaba palabras ni emitía sonidos, era muy silencioso. Los padres preocupados le hicieron todo tipo de pruebas, creyeron finalmente que el niño era mudo. Creció, pasaron los años y siempre con sus padres, hasta que un día, ya mayor, tenía más de cincuenta años y sus padres eran ya ancianos, cuando la madre le llevó el té del desayuno, como hacía siempre, "el niño" dijo con voz segura y firme: "El Té está Frio".La madre sorprendida y asustada llamó a toda la familia, le preguntaron como era que  si sabía hablar nunca había dicho ni una sola palabra, a lo que él "niño-mayor contestó:" no he dicho nada porque hasta hoy todo era perfecto"