TODO ES MUY RARO

No se puede estar en misa y repicando, vamos que no se pueden hacer dos cosas a la vez. Hoy me he enterado ,por la llamada de un amigo ,que ayer, Sábado, mientras ultimaba las "Graelles" para el Inspector, actuaba en la sala Apolo de Barcelona :Richard Hawley. Me ha descrito el concierto y uno de los momentos más esperados cuando el cantante_croooner - rockabilly entonó ,con voz grave ,esa balada tan pegadiza que lo ha llevado al éxito popular que se llama The Ocean. Las dos facetas  de Richard Hawley como Crooner y fan del rockabilly han vuelto a resucitar la original estética de los años cincuenta , Rufus Wainwright y Nick Cave han ayudado  a que esos años ,que son la cuna de la música popular contemporánea, nunca pasen de moda. No pude ir pero me consuela disponer de este video en el que  la situación era más o menos la misma, fue grabado en el Festival de Chelmsford el año pasado. De ahora en adelante, cuando piense en el esfuerzo que supuso hacer "les Graelles"  oiré como música apaciguadora y en el fondo de mi memoria el sonido del Océano.

                             Dedicado a Joan P.

Hace muchos años ví un espectáculo de danza Butoh en la Fundació Miró de Barcelona. Todavía recuerdo los movimientos lentos de unas larvas humanas, con la cabeza rapada que desplegaban poco a poco sus brazos, sus manos y sus pies. Creo recordar que estaban colgados, situados en las esquinas del edificio como  saliendo de un nido de orugas.

Butoh es un modo de entender  el movimiento, el gesto, utilizando el cuerpo, casi siempre desnudo del actor. La piel blanquecina contrasta con  la propia definición de la palabra Butoh que significa la danza de las tinieblas. El contraste  convierte a los actores en espíritus que con una actitud y concentración especial se mueven entre los espectadores. No es solo una danza es una manera de vivir  y no se busca el espectáculo sino la vivencia profunda que permite la aparición de  elementos inesperados. Butoh surgió en los años sesenta  como una propuesta de renovación de la danza tradicional y los impulsores fueron Tatsumi Hijikata ,  Akaji Maro y Kazuo Ohno.

Kazuo Ohno ha cumplido los 100 años y es idolatrado por sus seguidores. He colocado dos videos  en el primero se ve a Kazuo Ohno actuando y en el segundo una especial  felicitación que sus seguidores le hicieron en su casa al cumplir  99    años en el año 2005 en Yokohama. Este último documento tiene el interés añadido de que el cámara es nada más y nada menos que Jonas MeKas un lituano mítico que vivió los sucesos de los años más creativos de Nueva York junto a su compatriota Andy Warhol y un gran pionero de la Imagen y el audiovisual contemporáneo.

 Al salir pensé en el cine de David Cronenberg , el cineasta canadiense  siempre ha utilizado la fuerza descarnada de las imágenes para impresionar al espectador y sumirlo en un terror psicológico; en su última película:  'Promesas del Este' , la violencia destructora de los cuerpos aparece desde la primera secuencia con un tajo devastador que corta el cuello de un cliente de  una barbería. La acción se sitúa en el tenebroso ambiente de la mafia rusa londinense.

   La fuerza de las cabezas cortadas es innegable , pero quizá pueda crearse el mismo efecto pero tratado de un modo menos cruento, como sucede en la secuencia que he escogido de una película japonesa  sobre la muerte voluntaria o seppuku  de  un célebre Samurai llamado Yamanami Keisuke (1833 -1865) interpretado por Murakami Hiroaki. La tensión ambiental, los rostros de los samurais miembros del Shinsengumi y el sonido crean una tensión de violencia no explicita pero igualmente contundente. La secuencia es esta:

Este creador es un prodigio de la naturaleza. Su fuerza personal genera una actividad permanente. No cesa. La experimentación punta convive con la tradición mítica que en un lejano horizonte, nunca deja de estar presente. La tecnología  de su dresqueletron y su interfaz es  capaz de generar imagen y sonido a través del movimiento de su cuerpo, sus experiencias ingrávidas en vuelos al espacio con los investigadores rusos y su sutileza ingenua conviven con la brutalidad descarnada de las "performances".Los  titulos de sus obras aluden a un mundo cibernético y orgánico, futurista y del pasado más remoto: epizoo, afasia,  transpermia, protomembrana y este último hipermembrana

Su mundo es indefinible  hay que verlo desde la perplejidad que suscita. Su trabajo me gusta tanto que la última vez que hizo una exposición pública me levanté para darle un cordial abrazo ante el público que miraba atónito, sí, nos gusta a muchos y por eso se ha convertido en una citación obligada del arte español contemporáneo, está consagrado en el universo cibermático, cibernético, cibernautico y su obra se reconoce en todo el mundo. Por estas razones y muchas más, su espectáculo "Hipermembrana" inaugura esta nueva edición de ArtFutura 2007 en el Mercat de les Flors de Barcelona. Mañana miércoles no me lo pierdo

Esta es la presentación que el propio Marce.li Antunez hace en su página Web

de lo que podremos ver mañana.

  "Hipermembrana es una performance mecatrónica en la que intervienen tres actuantes, una máquina de gritos, un dreskeleton y varios sensores. La presentación tiene lugar en un espacio escénico dotado de sistemas de iluminación y audio, con una gran pantalla al fondo y delimitado en los extremos frontales por una pequeña pantalla y por la máquina de gritos.  La máquina de gritos es un instrumento musical consistente en un dispositivo de proyección que muestra los rostros de tres personajes a escala 1:1 que emiten diversas onomatopeyas. El dreskeleton es una interfaz corporal de naturaleza exoesquelética vestida por Marcel·lí. Mediante los sensores y el dreskeleton los actuantes controlan el sonido, las imágenes que aparecen en las pantallas y la máquina de gritos, construyendo de este modo la narración de la pieza.  

Hipermembrana intenta profundizar en la naturaleza del mito, y para ello combina diferentes elementos como la topografía del Infierno de Dante, el mito del Minotauro y la forma de la célula eucarionte. Estos elementos se articulan mediante una técnica narrativa que consiste en superponer los argumentos gráficos y literarios, lo que permite giros inesperados y una gran riqueza expresiva. La elección del mito del Minotauro como figura central de esta performance ofrece interesantes metáforas, como por ejemplo la del conflicto entre la racionalidad y la animalidad del ser humano.  Hipermembrana es la segunda parte del proyecto Membrana. Membrana es una indagación creativa que contiene, entre otras, Protomembrana lección mecatrónica y Metamembrana instalación dinámica. 

créditos HIPERMEMBRANA 2007 Guión, dirección y dibujos: Marcel·lí Antúnez RocaActuantes: Marcel·lí Antúnez Roca, Nico Baixas, Ignacio GalileaMúsica: Pau Guillamet (Guillamino)Programación: Matteo Sisti SetteAnimación: Liliana FortunyDirector de fotografía: Diego DussuelDiseño de iluminación: Memé BoyaJefe técnico e iluminación interactiva: Oriol IbáñezCámara: Robert Roig, Oriol IbáñezEdición de vídeo: Guergana Tzatchkov, Lucía Egaña Rojas, Sergi Dies, Aymar del AmoInterfaces y moldes: Álvaro Sosa, Max DalmauVestuarios y prótesis: Taller Maravillas Hardware: Héctor López, Pau CorellaAsistentes gráficos: Wahab Zeghlache, Marcel Pié, Oriol CorbellaFoto fija: Carles RodríguezActuantes virtuales: Nico Baixas, Ignacio Galilea, Lucía Egaña Rojas, Cuco Suárez, Mónica Cofiño, Alba Ghilardi, Begoña Grande, Gilmari Gerena, Elisenda Renom, Carolina Gallai, Ettore Scarpa, Alessandro Tessitore, Francesca Saraullo, Federica Pellegrino, Serena Casale, Vanessa Michelion, Antonio Cristian Losco, Silvia Haag, Pau Nubiola, Joan Simó, Adelaida Antúnez, Àlvar Antúnez, Begoña Egurbide, Álvaro Sosa, Javier Palma, German de Diego, Mariló Avilés, Guergana TzatchkovAsistentes técnicos: Carles Comes, Olivier Bertholin, Sebastiano D'Aprile, Flavio Nilo Quercia, Domenico Graziano, Lucio Gagliardi, Luca Restagno, Luca Schiatti, Alessandro D'Arias, Alberto Buzio, Xian Zhang, Davide D'Andrea, Chiara Cordero, Federica Pecoraro, Elena Pellizza, Alessandro Carlaccini, Valentina Tibaldi, Silvia Giachelo.  Producción Ejecutiva: Marcel·lí Antúnez Roca, Eva Vilaró Móra, Lucía Egaña RojasAdministración: Enric ToroAyudante de producción: Isabel LucíaManagement: Eva Vilaró Móra Producción: Panspermia SL En coproducción con: Mercat de les Flors, Temporada Alta 2007 - Festival de Tardor de Catalunya. En colaboración con: Art Futura (Barcelona), Centro de Investigación Artístico Ladines (Ladines, Astúrias), CIDAN Laviana (Astúrias), L'Animal a l'Esquena (Celrà, Gerona), Servi di Scena opus rt (Torino, Italia), MULTIDAMS (Facoltà di Scienze della Formazione -Università di Torino), CIRMA (Centro Interdipartimentale per la Ricerca sul Multimediale e l'Audiovisivo - Università di Torino), Politecnico di Torino - Corso di Laurea in Ingegneria del Cinema e dei Mezzi di Comunicazione, Virtual Reality & Multimedia Parl, Laboratorio MM Guido Quazza, Institut del Teatre-Diputació de Barcelona.  Con el soporte de: Generalitat de Catalunya, Departament de Cultura i Mitjans de Comunicació, ICIC (Institut Català de les Indústries Culturals), ICUB (Institut de Cultura de Barcelona), INAEM, Ministerio de Cultura, Regione Piemonte, Città di Torino.  Agradecimientos: Montxo Algora, Cuco Suárez, Vanessa Vozzo, Antonio Pizzo, Tatiana Mazali, Toni Cots, Maria Muñoz, Pep Ramis, Ramon Vila, Fortià Cases, Anna Antúnez, Gori Cases, Teatro Stabile Torino, Sistema Teatro Torino, Alex Reig, Pere Salabert, David Apfel, Alex Posada, Hangar.                       

La Galeria Antoni Pinyol  del Carrer del Vidre, 11 en Reus, se ha convertido, por unos días, en un lugar sagrado. En él expone sus obras la artista Gloria Cot que ha dado a su exposición un título contundente y que me mueve a una primera reflexión.  El título es Témenos que, en una lectura rápida y superficial, parece aludir a una amenaza. No, no es este el primer sentido de esta palabra griega. Téménios(con i) podía ser un bosque sagrado o el recinto de un templo o también Témenos como explica la propia Gloria Cot: es el nombre griego para designar el espacio sagrado, independientemente que haya construcción arquitectónica o no. Es pues simplemente un espacio delimitado y consagrado.

 La consagración de los espacios puede darse por varios caminos, uno es el de una tradición religiosa que va sedimentando a lo largo de años quizá siglos, otro puede serlo porque una autoridad religiosa, un ser espiritual lo decida y otro  porque durante un tiempo se depositen en ese espacio unas obras que epifaníen el espíritu esencial de lo sagrado. Este es el caso de la exposición de Gloria Cot.  

 Evidentemente el espacio exige como condición su límite, se establecen límites entre lo sagrado y lo profano, límites entre aquellos que pueden conocer y los que no, la exclusión es legítima cuando la persona o el lugar no son los indicados para que se produzca el encuentro o la transmisión de la experiencia religiosa.  Pero no debemos olvidar que la auténtica "concordanza", la verdadera concordancia  no es otra que la que etimológicamente tiene esta palabra derivada de cor, de cordis, de corazón, lo cordial exige una actitud afectuosa, de corazón a corazón, sin ningún indicio amenazador. En Occidente tenemos la costumbre de asociar lo sagrado al castigo de su profanación y ahí es donde aparece el otro sentido de la palabra, un sentido equívoco con el que nos gusta jugar. Para nosotros la transgresión de lo sagrado debe castigarse, con ese espíritu  han crecido, inspiradas por el Egipto Antiguo, las tres tradiciones monoteístas del mediterráneo: la religión cristiana, el Judaismo y el Islam. Según estas tradiciones: "Las cosas consagradas sólo se revelan a los hombres consagrados; se halla vedado revelárselas a los profanos, mientras no sean iniciados en los misterios del saber y si este principio se transgrediera ,debe actuar el castigo.

Desde la óptica de la Concordia, lo sagrado puede verse como un espacio de acogida a lo diferente, a lo profano y al profanador, quiero poner dos ejemplos, el primero es que de "facto" el término "Sagrera" tenía esta acepción cordial, pues era un territorio sagrado , un perímetro en el entorno a las Iglesias en las que se daba asilo y protección a los delincuentes que quedaban bajo el manto protector de la Iglesia y en el que los perseguidos encontraban paz y tregua con sus perseguidores en el recinto sacralizado,  los más indignos y pese a su evidente condición profana vivían en la Sagrera.  El segundo ejemplo, lo tomo de la tradición budista en la que existe una noción de lo sagrado que no se funda en la transgresión, la vigilancia o el castigo. Es bien conocido aquel dicho comentado por los monjes budistas, de que si tienes frío y dispones de una estatua de madera del cuerpo de buda, cuanto más grande mejor, la quemes inmediatamente para calentarte las manos. Una gran muestra de serenidad se produjo cuando el régimen integrista islámico de los talibanes destruyó en el 2001 las estatuas gigantescas de Buda talladas en la roca de una montaña hace 1.500 años en la provincia de Bamiyán dentro de una campaña para acabar con todas las imágenes pre-islámicas que, según la versión talibana del Islám, van contra los principios de la fe musulmana. En la destrucción de las estatuas de Buda, una de las cuales ya había sido atacada en 1998, los Talibán utilizaron misiles antiaéreos, tanques y dinamita. No hubo ninguna reacción. Sin embargo la transgresión de lo sagrado en el contexto islámico, aunque sea una inocente caricatura  de su fé, conduce directamente a la muerte. En definitiva el espacio sagrado debe existir, a mi parecer, como un lugar de acogida en el que sea posible, sin temor alguno, una profunda transformación un témenos  en el cual   es posible vivir, como sugería C.G.Jung la experiencia del inconsciente e iniciar el camino de encuentro con el sentido profundo y  la auténtica naturaleza de las cosas.  

Se me ha ido la olla y me he alejado mucho de mi intención inicial de comentar la exposición de Gloria Cot, voy a volver, mostrando algunas de sus obras.  

                                                                            "limit 1 "                                                                                  DM lacado, (20 x 40 cm), 2007.

                                                                            "limit 13 "                                                                                  DM lacado, (20 x 40 cm), 2007.

                                                     "conjunt de peces "             DM lacado, (20 x 40 cm), 2007.

                                                                                                  "limit delta "                                                                               

                                                                                  DM lacado, (20 x 20 cm), 2007.

El color intenso ,sanguíneo y los perfiles romos de  estas obras me sugieren que los límites en este caso no forman ángulos rectos son romos es decir obtusos, sin filos cortantes. Deduzco que no contienen amenaza alguna que son más bien límites suaves en los que el color rojo parece resbalar, crea densidades liquadas enfatizadas por los brillos. No parece que haya posibilidad alguna de relacionar esta característica formal con ninguna noción sacrificial, salvo que si jugamos con las palabras nos encontramos que Romin era un adjetivo en desuso utilizado para definir al que profesa la fé cristiana, parece ser que deriva de romí del árabe que pasó al español como rúm, y mencionaba a cristianos bizantinos, cristianos y de ahí se convirtió en adjetivo de  cristiano del que profesa la fe de Cristo, pero de ahí a la sangre, a los límites territoriales de lo sagrado y al sacrificio hay un abismo.¿No?    

Pd .Es extraordinariamente eficaz, como siempre, el texto del catálogo escrito por Gabriel con el título de :El límit nítid de la profunditat borrosa".Como gozo de la amistad de ambos pronto los veré y  pediré permiso para reproducir ese texto en el Blog.

Mano Negra es un conjunto de fotografias realizadas con fragmentos de las manos de Kokon.

Es una serie extensa y las he distribuido en grupos de cinco.

Obras de Kokon

              . 

Boris Izaguirre, escritor, showman, tertuliano de crónicas marcianas  se ha llevado un buen pellizco del Planeta:150.250 euros y la inmortalidad literaria. Por eso no debe extrañarnos que su dominio en Internet www.boris-izaguirre.com esté en venta. Yo creía que el fenómeno del escritor mediático era marca catalana con Buenafuentes, con Solers, o cosas así, ahora hemos exportado el modelo, la cultura española lo ha aceptado y se ha puesto en un nivel bajo mínimos. Mi comentario no se dirige en contra de la calidad de la novela finalista de Izaguirre  que se titula "Villa Diamante"  y que no he leído, solo sé que aborda las tumultuosas vidas de dos hermanas en el marco de la evolución que sufre la sociedad de un país sudamericano desde la segunda guerra mundial hasta tiempos recientes.

 La calidad literaria no es un valor absoluto,  la literatura es un proceso interno de búsqueda de la auténtica naturaleza de las cosas. Sí, sé que está pretensión suena a excesiva incluso un poco cursi, pero para mí debe existir absoluta concordancia entre literatura y trascendencia. Reconozco, (nadie es perfecto), que alguna vez lo había visto actuar en televisión y de Boris Izaguirre sólo conocía su "viborez" discursiva en el mundo del corazón, su frivolidad , sus grititos histéricos y  su culo, una noble parte de la anatomía que gustaba enseñar en crónicas marcianas vestido de conejito.

 Otra cima de  la frivolidad es un personaje siniestro que se llama Jorge Javier Vázquez y  que como "Boris", se  hace pasar por intelectual en la reserva, siempre que puede , dice que él es licenciado en Filología Hispánica y no dudo que podría ser el próximo ganador del Planeta . La frivolidad con la que nos hemos tomado la actualidad es preocupante y  yo mismo hacía un "mea culpa" posmoderno en una intervención  que se llamaba "Picasso y el Tomate. En ese post. escribí  lo siguiente:  

"La prensa del corazón nunca había tenido la importancia que tiene hoy en día y me siento un poco responsable de ello. Con el apogeo posmoderno, algunos, empezamos a elogiar la banalidad como una condición más del ser humano. La trascendencia ya la conocíamos, la seriedad racionalizadora de lo moderno nos había dado grandes satisfacciones pero no nos resultaba suficiente  y  empezamos a predicar que en los pequeños avatares del ser humano, había alguna virtud interesante,  hablabamos del factor humano y de  estos temas de un modo frívolo. Por ejemplo, dijímos que en realidad la querella entre Walter Gropius y Johannes Itten en la Bauhaus no escondía diferencias de criterio insalvable sino un problema de celos y faldas que acabó con la expulsión de Itten. Algunos hurgaron en la relación que J.P. Sartre mantenía con los jóvenes que le seguían, otros repararon en que Jean François Lyotard era el primer filósofo presumido que llevaba hombreras en la americana, todos estos aspectos humanos, vistos hoy en día, no tienen ninguna gracia". 

Ahora con el premio a Boris Izaguirre se abre la puerta de la fama verdadera a todos aquellos que surgiendo del espectá - culo decidan, con negro o sin él, presentarse a cualquier convocatoria  que pueda acrecentar su prestigio intelectual y su bolsillo. Bien mirado, puede ser hasta legítimo si tenemos en cuenta que nuestro premio Nóbel don Camilo José Cela, se ofreció  absorber por el culo y  de una sentada el agua de una palangana en un programa televisivo de Mercedes Milá. Eso si, siempre nos queda el consuelo recurrente para estos casos: el tiempo es un gran escultor .

Hace unos meses José Manuel Berenguer me propuso participar con un texto sobre LA SORDERA que nos acecha  que iba a ser el lema principal de Zeppelín 2008 .Ya ha salido la convocatoria de participación es esta:

ZEPPELIN 2008SORDERAS Un año más, la Orquestra del Caos anuncia una nueva edición de Zeppelin, Festival de Proyectos Sonoros, abriendo su convocatoria de piezas sonoras en torno a las sorderas que nos acechan.  Hay muchos tipos de sordera pero aquellas a las que queremos atender primordialmente en este Festival de Arte Sonoro son esas apenas perceptibles que van minando nuestra escucha. Nos gusta escuchar los ruidos y trabajar con ellos, pero sabemos también que estos ruidos a menudo inoculan una suerte de sordera mental. Queremos escuchar con todo nuestro cuerpo y por ello, os invitamos a reflexionar y a realizar piezas sonoras que atiendan al exceso de verborrea, imágenes y sonidos que bajo la cobertura de la llamada información inundan nuestros oídos; a ese rumor incesante y repetitivo que las consignas políticas pretenden grabar en nuestras mentes y nuestros comportamientos; a los extraños sonidos que generan las grandes concentraciones de poder; al modo en que continuamente se nos insta por doquier a considerarnos clientes, consumidores y no ciudadanos... a todo ese ruido que nos deja sin sonidos propios. Por ello, queremos preguntarnos qué es realmente lo que podemos escuchar; qué mecanismos operan esta gran sordera mental y social que nos aqueja y, sobretodo, interrogar nuestras/vuestras creaciones en tanto dispositivos de una escucha que se alza contra todas esas sorderas que habitan nuestro tiempo. Invitamos a todas las personas interesadas en el sonido a que se unan a estas reflexiones enviando sus trabajos sonoros.  Las piezas serán difundidas en un sistema de ocho altavoces los días 13, 14 y 15 de Marzo de 2008 en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB)  REQUISITOS Todas las obras recibidas serán aceptadas siempre que cumplan lassiguientes condiciones: 1. Las piezas NO deben tener una duración de más de diez (10) minutos 2. Los trabajos deberán estar en formato WAV o AIFF a 44.1 khz y 16 bits 3. Se debe adjuntar la siguiente documentación:3.1. Comentarios acerca de la pieza3.2. Biografía artística del autor3.3. Documento firmado por el autor manifestando autorización o desautoriazación explícita para la difusión de su pieza través de Internet3.4. Documento firmado por el autor manifestando su conformidad para que la pieza forme parte del archivo de arte sonoro de Sonoscop 4. Los trabajos con la documentación tienen que llegar en soporte CD/DVD antes del 15 de Febrero de 2008 a: caos/ZEPPELIN/convocatoriaCentre de Cultura Contemporània de BarcelonaC/Montalegre, 5Barcelona 08001España 

Más información en caos@sonoscop.net  

 ZEPPELIN 2008DEAFNESSES Once again, Orquestra del Caos, announces its new edition of Zeppelin, Sound Art Festival, calling for sound works about the multiple "deafnesses" of the contemporary world. There are many kinds of deafness. This year's Zeppelin Sound Art Festival will focus on those that are barely noticeable, slowly and steadily undermining our hearing. We like to listen to noise and work with it, but we are aware that some noises often inoculate in us a sort of "mental deafness." We would like to listen with our whole bodies, and to do so, we invite you to reflect on and make sound pieces that pay attention to the excess of talk, images, and sounds that constantly floods our ears disguised as "information"; to that never ending and repetitive clatter that political slogans wish to imprint in our minds and behaviors; to those strange sounds produced by the concentration of power; to the way we are continiuously made to think of ourselves as "clients" and "consumers" instead of citizens... we want to pay attention to the noise that deprives us of our own sounds. We want to ask what can we ultimately really listen to? What are the mechanisms behind this great mental and social deafness we are suffering? We want to raise this questions through your works, regarding them as listening tools that counteract the kinds of deafness that inhabit our times. This is an open invitation for all those persons interested in these matters to submit their sound works. The pieces will be presented in an eight-speaker system on March 13th, 14th and 15th 2008 in Centre de Cultura Contemporània de Barcelona.   REQUIREMENTS All the pieces will be accepted as long as they fit the following requirements: 1. All works must be ten (10) minutes long or less 2. The works must be in AIFF or WAV format at 44.1 Khz & 16bits 3. The following information should be attached:3.1. A brief description about the piece3.2. Artistic biography of the author3.3. A signed document authorizing or unauthorizing explicitly the desire to publish the piece on the internet3.4. A signed document authorizing the inclusion of the piece in the sound art archive Sonoscop. 4. All works and documentation must be sent in CD/DVD before February the 15th 2008, to: caos/ZEPPELIN/convocatoriaCentre de Cultura Contemporánia de BarcelonaC/Montalegre, 5Barcelona 08001España More info: caos@sonoscop.net We appreciate any difussion  ........................................... Orquestra del Caos/ SonoscopCCCB - C. Montalegre, 508001 BCNt: +34 93 306 41 28f: +34 93 302 24 23email: caos@sonoscop.netweb: www.sonoscop.net    

Para acompañar la noticia he puesto la definición de la ReacTable de la Wiki, y un ejemplo realizado por Marcos Alonso , uno de los inventores.

"Los creadores del ReacTable son un equipo de investigadores formado por Sergi Jordà, Marcos Alonso, Günter Geiger y Martin Kaltenbrunner del Grupo de Tecnología Musical de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona.

Funcionamiento y estructura básicos [editar]

• colaborativo: varios ejecutantes (en forma local o remota)
• intuitivo: sin manual, sin instrucciones
• poseedor de una sonoridad interesante y desafiante
• enseñable y aprendible (incluso por chicos)
• apto para novatos y músicos electrónicos avanzados (conciertos)

Presentaciones y eventos [editar]

Es la primera vez que estoy más de tres días sin colocar nada en el Blog. Una nueva sensación para mis "Confesiones de un Bloger". El motivo ha sido un fructífero viaje a Roma y un pie fastidiado al regresar.

Recupero la actividad con 5 fotosy una radiografía.    

La sede di portieri  del Museo Nacional de Arte Oriental     

El pino más fotografiado del Mundo. 

Dos cabezas cubiertas. 

 No sabía que traeros.   

Atardecer en el Dojo di Roma.

Radiografia del pie derecho de Kokon  

kYU DO MU YO SHIN GETSU RYU.

KYU = ARCO 

DO= CAMINO 

MU= NEGACIÓN

YO= SOMBRA

SHIN= ESPÍRITU

GETSU=LUNA

RYU= ESCUELA.

STAGE EN ROMA.

12 OCTUBRE FIESTA DEL PILAR EN ROMA. HASTA PRONTO.

"LA VIRGEN DEL PILAR DICE, QUE DICE,QUE NO DICE NÁ"(LETRA DE JOTA)

Música para Aereopuertos.Arrivederci Roma

 

La primera vez que vi este artilugio fue  en el Sonar 07 y todavía  continuo un poco desconcertado. Los creadores son Christiaan Virant y el músico electrónico Zhang Jian. que viven en Beijing y actúan bajo el nombre de FM3. Está fabricado en China, es de plástico, tiene seis colores y cuando lo encargas no sabes que color te van a enviar. El pequeño aparato funciona con pilas y tiene registrados nueve secuencias musicales que pueden variar y  que ,según parece, son la versión tecno de nueve mantras budistas transformados en una música  que se repite en "loop".Los Loops se utilizan en el lenguaje audiovisual, concretamente en videoarte y consisten en un "bucle" breve que se repite una y otra vez. En esta máquina sonora lo que se repite es el sonido que crea un clima  hipnótico por su insistencia, un murmullo meditativo que lo acerca a la música "ambient" de Brian Eno. También permite establecer juegos de relación entre los usuarios que se enfrentan uno a otro, como si se tratará de una partida de ajedrez, en la que las fichas calladas son sustituidas por esos artilugios sonoros. No conozco los detalles del juego, pero la expectativa que crea en los que rodean a los músicos-jugadores es muy intensa y compartida. De hecho en el Sonar 07 despertó una curiosidad poco habitual. A mi me gusta mucho Brian Eno y siempre he creído que su música tiene sus raíces en profundos estados meditativos, en el buceo de las conciencias, este aparato tiene buenas intenciones pero en ningún momento alcanza la potencia del músico inglés. Innovador en muchos campos de la música, y que ha colaborado en el desarrollo del generador de música algorítmica Koan del que parte su  'Sintetizador Evolutivo'.

 

La Ciencia lo impregna todo. Desde hace años hemos incorporado la complejidad a nuestra vida cotidiana. Aun recuerdo el impacto que me produjo,  en el lejano año de 1988, ver el libro de Stephen W.Hawking: "Historia del Tiempo" en los quioscos de las Ramblas  Fue un best -seller que estaba en todas las casas, nadie  lo comprendía pero  todos opinábamos con atrevimiento del big-bang , de los agujeros negros, de las partículas elementales. Yo no salía de mi asombro. Poco a poco ese afán científico  lo impregna todo y  ha llegado al género negro, a las series negras, ha alcanzado a detectives y criminales. El detective que utilizaba su intuición, su olfato de sabueso y algún que otro trago de wiskie ha sido sustituido por agentes que no fuman, no beben y que solo confían en las pruebas de laboratorio, en las muestras de ADN.  

El planteamiento cientifista va acompañado de  un nuevo lenguaje cinematográfico, en el que dominan los planos cortados, las aproximaciones en "zooms" brutales que nos muestran hasta los empastes del difunto, los fluidos más secretos, los indicios mas inverosímiles, se unen a  la recreación de los hechos a medida que se van descubriendo. ¡zoom! ¡zoom! La bala ensangrentada penetrando por los tejidos epiteliales, un cuchillo mostrando con precisión su afilado corte de las  venas y así con todo. Esa precisión en los detalles forenses nos han acostumbrado a cenar salpicados virtualmente con todo tipo de manchas y nos han acostumbrado a algo peor, como es considerar el cuerpo como cosa, el cuerpo humano como el insecto atravesado por la aguja del coleccionista. La insensibilidad en estos temas va en aumento y los americanos que  crean escuela con todo, lo han hecho con su CSI  Crime Scene Investigation, una serie dramática sobre un apasionado equipo de investigadores forenses  que trabaja en varias ciudades de los USA, ahora le toca el turno a  Madrid. y  próximamente  se presentará, con similares  contenidos , la serie "Bis Científica" en Tele 5.

Pero CSI es también el Centro de Investigación Informática, no, no es una broma, es una entidad dependiente del Consejo Superior de Administración Electrónica, dependiente del Ministerio de Administraciones Públicas, y ahí es donde yo quería ir a parar. La Informática y sus desviaciones nos están haciendo cada vez más analíticos, más precisos, más inteligentes, más científicos. Por eso, una pestilente gabardina, un rudo vengador policial que arregla las cosas a su manera o el seductor intuitivo han dado paso a esos policías científicos que lo descubren todo sin salir de su pulcro laboratorio.

Esta nueva sensibilidad contemporánea conduce directamente a los callejones morbido-científicos de los  artistas Joel Witkin o Gunther von Hagens, el creador de la plastificación de cuerpos humanos, empezó sus estudios médicos en la Universidad de Jena en 1965. A partir de 1977, Hagens desarrolló uno de estos métodos, una "plastificación" que, con recursos técnicos sorprendentes, logra preservar los tejidos de una manera perfecta, que da la sensación de que están vivos. Gunther von Hagens usa en sus exposiciónes cuerpos reales, en tres dimensiones y el efecto es mucho más impactante. Logra unos escenarios de rara -y chocante- estética al usar cuerpos de adultos, niños y también fetos. La muestra "Body Worlds" se estrenó en Japón en 1996 y llegó un tiempo después a Londres, causando un enorme escándalo, protestas y controversia.

En una clarísima operación científica , Von Hagens utiliza el vacío para embeber un polímero reactivo, como la silicona de caucho o poliéster, en el material biológico. La clase de polímero que se aplica determina las propiedades físicas (flexibilidad o rigidez) y ópticas (transparencia u opacidad). El resultado final convierte a los ejemplares en objetos secos, inodoros y durables. 

Mientras decidía si compraba una tarrina de mantequilla o de queso fundido  me he encontrado con Ester, una amiga pintora con la que, una vez acabadas las respectivas compras y después de valorar la calidad de la leche ecológica frente a la que no lo es, hemos  acabado hablando de arte durante casi una hora que es lo que realmente nos interesa.

Le he comentado que el día 5 de Octubre, Vanessa Prieto había inaugurado su primera exposición importante  en la sala de la  Cámara de la Propiedad Urbana de Barcelona en la Calle Princesa, 1-3. Y que yo, en un Post del mes de Mayo ,había mencionado el buen trabajo de esta alumna de pintura. Le comentaba que  había visto con calma la exposición de Vanessa y que  me habían  vuelto a la cabeza los mismos cosas que había escrito en el mes de mayo, y  es que entonces dije que: Vanessa busca en la intimidad de su corazón un diálogo reservado con ella misma, en voz baja, susurrando con  las figuras que se encuentran en espacios interiores repletos de indicaciones psicologistas y de recuerdos. Que sus personajes y  sus niñas  están solos, son frágiles e indefensos, están rodeados de pequeños indicios, cosas que sugieren y representan dolor. No sabemos si son víctimas o serán verdugos vengando un recuerdo. Que todo ese escenario lo desarrolla con obras de pequeño formato que enfatizan aun más el carácter reservado de su obra. Le decía también que yo no conozco ninguna fórmula que permita convertir estas confesiones íntimas en un mural gigantesco y público, en obra al alcance de miradas impúdicas y que yo veía, ahí, un problema irresoluble, un conflicto entre lo público y lo privado. Dicho de otro modo, me preguntaba sobre la pertinencia de los formatos, de la escala y de la proporción adecuada para tratar temas íntimos o quizá dolorosos. De ahí hemos pasado a imaginar que sucedería si esta obra que yo le presentaba como de gran  emoción se dimensionará, por ejemplo, en un formato gigantesco, cubriendo la fachada de un edificio en construcción, hemos coincidido en que de inmediato se trivializaría, se convertiría en una anécdota.

pequeño formato

Entonces Ester me ha recordado el tema de la escala y la proporción a propósito de las hiperrealistas esculturas de Ron Mueck (Melbourne, 1958). Un escultor que ha hecho de la dimensionalidad de la realidad su principal logro artístico. Mueck es un reconocido "guiñolista"  en  The Muppet Show (Los Teleñecos) y Sesame Street (Barrio Sésamo). y un magnífico profesional de los efectos especiales para películas y con sus resinas de poliéster es capaz de hacer cualquier cosa. Ahora los museos y galerías de arte se lo rifan, como :La Fondation Cartier y diferentes museos de Europa, América y Canadá, han acogido la exposición "Ron Mueck" que en estos días, coincidiendo con la expo de Vanesa, se exhibe en el Modern Art Museum of Fort Worth, Texas, entre el 24 de junio y el 21 de octubre de 2007.

Mueck realiza  una especie de proceso de "Gulliverización" y así construye un bebé de  cinco metros , como en "cariño he empequeñecido a los niños" un recurso que en Holywood ha sido el guión de numerosas películas y que ,a pesar de ser comedias, no dejan de ser algo inquietantes, un mundo en el que rompiendo las normas de la proporción,  coloca fuera de escala al espectador. Más llamativa aún resulta su técnica, perfecta pese al enorme tamaño de la escultura, gracias a la cual pueden contemplarse las arrugas, el pelo e incluso los poros de sus personajes. Su trabajo es laborioso y muy documentado, partiendo de fotografias o estudios científicos sobre el cuerpo humano.

    

Una de las obras más dramáticas de Mueck es su escultura de 1, 83 cm. De un hombre desnudo sentado en el suelo, en la esquina de su habitación de mirada desconfiada y triste, y también el cuerpo muerto y  yacente del padre del artista. Dos situaciones muy dramáticas en las que se añade una fuerte dosis de espectáculo que proviene de esa desmesura, de esa escala y proporción a-humanas, que acerca sus figuras a gigantes imaginarios y en los que el drama pasa a segundo término debido al virtuosismo con la resina de poliester.

En definitiva , me pregunto cual es la escala, la proporción adecuada, la medida de un muro , o de una escultura cuando se trata de reflejar en él, cuestiones íntimas, melancólicas y tristes. Mundos propios, privados. Mueck lo ha hecho sin reparos, por lo tanto quizá sea posible que un día veamos ,entre medianeras o cubriendo la fachada de un edificio, cuadros tan bonitos y trágicos como los de Vanessa , o nunca.

Según un estudio de la Universitat Oberta de Catalunya y la Generalitat de Catalunya ,los internáutas son más activos, tienen más amigos y padecen menos depresiones. En ese estudio el gurú- sociólogo Manuel Castells -codirector del estudio junto a la rectora de la UOC, Imma Tubella- resaltó que el proyecto "ha verificado lo que ya se sabía, que las nuevas tecnologías no encierran a la gente en casa sino que activan la sociabilidad.   Pero como en todo estudio son necesarias las variantes, quiero narrar mi experiencia sobre lo de los amigos. Desde que inicié el Blog. he ganado amigos invisibles y he perdido otros visibles. La visibilidad es una palabra de moda, se trata de visibilizar todo lo que hasta el presente estaba escondido. Esta palabra muy utilizada en los entornos de entendimiento gay tiene una buena aplicación en este medio. La visibilidad a través el Blog es de ideas, tendencias, neuras, obsesiones y debilidades nos manifestamos libremente y quien quiera hacerlo puede amigarse con el Internauta de turno, pero al contrario y lo curioso de la situación es que a la persona que me inició en el proceloso mar de las ondas internáuticas, un amigo de toda la vida, hace tiempo que no lo veo. Además, ni el interviene en mi Blog. ni yo en el suyo. Es más , él ni me tiene "linkeado" .Me pregunto si no será que esa vieja amistad se ha deteriorado al existir entre nosotros un mejor conocimiento de nuestras realidades a través de la red y eso nos ha hecho enemigos. ¿Creera que no soy digno de su amistad? ¿Habrá descubierto alguna atroz faceta de mi que se ha visibilizado?O aun peor, ¿será un sutil sentimiento de competencia entre Bitácoras? No quiero ni pensarlo Castells.  

Fidel Castro 

En el mundo en el que me muevo es muy habitual escuchar la expresión arte joven, joven crítico, concurso para jóvenes etc. Hoy que mi padre cumple 85 años,  se impone una breve reflexión sobre la edad.

Según el médico cubano Eugenio Selman del equipo médico oficial de Fidel Castro, el comandante pasará de los 140 años con una longevidad más que satisfactoria. Como decía, con mucha gracia Compay Segundo de él mismo: "Compay no muere, hay que matarlo", y murió con noventa largos. Parece ser que para conseguirlo, el único requisito es proponérselo, si uno tiene la voluntad de hierro no hay quien lo entierre.

En otro orden de cosas, la psicóloga estadounidense Frieda Birnbaum fue madre de gemelos con sesenta años y parece ser que  con la oposición de su hija, de 29 años, que alega que cuando los gemelos estén en plena adolescencia su madre ya estará más cerca de los 80 que de los 70; la niña ya se ve cuidando a unos hermanos gamberretes y  desbocados. Frieda asegura, para contestar a su hija que: " Quienes consideran que 60 años es una edad demasiado avanzada para la maternidad , tienen que prepararse para lo que viene en esta sociedad ".

Si, nos tenemos que ir preparando , pero mientras se me ocurre  la siguiente tonteria: un joven recién salido de la Facultad de Bellas Artes y a pesar de sus cuatro o cinco años de  estudio , no es más que un neo-nato, a quién le queda, con la perspectiva "Castrense", tan solo 120 años de feliz práctica artística. Si multiplicamos el caudal de obra de un artista promedio que actualmente trabaje, pongamos hasta los ochenta, deberemos hacer un cálculo exponencial y veremos con horror que no habrá museo que pueda albergar tamaña cantidad de obra con lo que se producirá una tremenda y agobiante  polución objetual y  estética. Me empeñaré en no verlo. Felicidades Papá.

 En algunas ocasiones, de ciento a viento, salgo de casa y veo en la esquina, como buscando un taxi, a Jose Luis Guerin. Lo reconozco de inmediato por su característica gorra de cineasta de los años veinte, por su espigada y desgarbada figura y sobre todo porque siempre lleva una cartera portafolios debajo del brazo. La última vez fue hace muchos meses, hablamos unos minutos y me dijo que se iba a Italia a ver pintura. La verdad es que  no me sorprendió porque es conocida su inquietud intelectual , sus querencias hacia la belleza y he aquí que me encuentro sentado en una butaca de cine ,viendo en imágenes lo que durante tantos meses llevó en su cartera portafolios. Se ha hecho realidad visible su proyecto y se llama "En la ciudad de Sylvia" una película que ha concurrido en la sección oficial del Festival de Venecia 07 junto a veintidós insignes candidatos.    La acción transcurre en una ciudad de la que no se dice su nombre, hay un viejo barrio medieval, algún tranvía y muchos jóvenes estudiando en la Escuela Superior de  Arte Dramático, junto a ellos otro joven que suponemos artista, o digamos que está tocado por la pulsión creativa, busca el rostro de una mujer, no la encuentra, cree verla, aunque no es la mujer que busca, los rostros, las situaciones, los cruces, el movimiento coral de los extras, que aparecen de un modo medido, como actores sin quererlo ser, van llenando la escena. No sucede nada relevante, solo hablan las imágenes. Todo ello en medio de silencios, rotos repentinamente por el azar, un café volcado, una botella rota, nada más.  Algunos indicios equívocos, añaden una pequeña dosis de misterio: la duda sobre si ella es o no es la persona que busca, si lo es y no se lo quiere decir o el titular de un periódico que anuncia un nuevo  asesinato, todo eso  desprende  un ligerísimo aroma "hitchcockiano" que se corrobora con una aparición discreta del propio director en una de las secuencias, tal como hacía el genio inglés.

  Clip 1

Guerin administra equitativamente las ideas y los instintos, los sentimientos elementales con la reflexión. Administra su formación como teórico del cine, tanto que cuando habla de ello, parece un redactor de "Cahiers de Cinéma", y la hace convivir  con sus impulsos de bestia cinematográfica. Para confirmar esta deriva intelectual, baste decir que en el folleto de  presentación de la película hay un extenso texto del profesor de Filología Italiana de la Universidad de Barcelona, el profesor Raffaele Pinto.Y para constatar su pasión cinematográfica, baste decir también que en la película hay apenas unos minutos de diálogo y muchos de emoción. Todo en él es instinto bien encuadrado. La película enfatiza la definición más elemental del KINE, si con K, porque es movimiento  puro de imágenes en las que estas  hablan como los ángeles, sin que nos demos cuenta, las distancias, los recorridos, los encuadres son minuciosos y nunca pierden espontaneidad. Las imágenes no quieren ser un instrumento al servicio de la narratividad, sino un valor por si mismos, y eso exige del espectador una máxima concentración en los detalles, una atención casi litúrgica , casi sagrada.

   Clip 2

   Clip 3 

 Creo que estoy en condiciones de  confirmar, en primicia internacional, que la ciudad de Silvia, no es Estrasburgo, ni ninguna otra imaginada por el espectador, yo creo, y lo confirmaré cuando  vuelva a ver a Guerin en la esquina  de casa, que la ciudad  es Padua y el pintor que toma sus apuntes en su libreta es Giotto.

Guerin trabaja con unas analogías  crípticas pero no cae en oscurantismo,son más bien diáfanas, dice sin decir, habla sin gritar. Este hecho dificulta la interpretación pero me atreveré a dar una. En la película el nombre de Silvia aparece constantemente, pero también aparece  el de Laura escrito con la expresión más francesa del amor : "Laura je t´aime".También en las escenas de la búsqueda del rostro, nunca hallado de Silvia, por los cafés y las calles de Estrasburgo, hay numerosísimas ocasiones en las que un rostro se superpone a otro, parece como si dos mitades formaran un nueva faz, con un efecto inquietante. Como si se tratará, como puede verse en los "clips" que he escogido, de una yuxtaposición deliberada e insistente. Mientras veía la película una imagen vino a mi memoria, y sobre todo, cuando la pude confirmar en un plano sobre la libreta de dibujo de nuestro joven artista, allí volví a ver ese mismo efecto al que me refiero. Se trata de la yuxtaposición de rostros en el encuentro de Ana y Joaquin en la Puerta Dorada, la puerta aúrea, que es un episodio de la vida y hechos de Jesucristo que cubren los muros de la Capilla de los Scrovegni en Padua. La alusión a los rostros que se encuentran confundidos el uno con el otro, la presencia coral de personajes en los frescos de Giotto y el aura dorada: L´AURA, son momentos culminantes de las características composiciónes  de Giotto en esta capilla. Todo el repertorio de imágenes en los muros esta lleno de rostros que se entrecruzan, se reflejan, se miran  se yuxtaponen como  los  de los jóvenes que aparecen en la película de Jose Luis Guerin. Allí está todo, en sus rostros superpuestos,en el espacio y en las miradas. Tan sólo eso para que surja la magia.

 Varios rostros yuxtapuestos, próximos en el espacio por Giotto

Dirección: José Luis Guerín
Intérpretes: Pilar López de Ayala, Xavier Lafitte, Laurence Cordier,...
Nacionalidad: España, 2007

 El "look" aludía hace unos años  a la imagen personal. El "look" se funda en la mirada de los otros, en mirar, pero sobre todo en ser mirado. Si no te miran no existes ,eres transparente. Hoy en día ,los países también cuidan su imagen frente al mundo y así, la cultura de Catalunya lo ha conseguido por medio de su polémica participación en la feria del libro de Frankfurt. Otras nacionalidades, como la Asturiana, lo hacen  inaugurando  un magnífico Centro de Arte y Creación Industrial llamado LABORAL en Gijon y  organizando VISIONICA,un festival de arte y nuevas tecnologías en Oviedo. 

 La Laboral de Gijon es un monumento al trabajador, un centro de formación técnica y profesional de primer orden, cuando la vi,  pensé que era  como el Escorial del trabajador. Un estilo austero y monumental que honra la virtud del esfuerzo. Un lugar en el que ,como ha escrito en su gigantesco mural Mark Titchner : "El trabajo es amor en estado sólido"  Allí,  donde estaban los antiguos  talleres técnicos se ha ubicado LABORAL que  es un centro de arte contemporáneo dirigido por Rosina Gomez Baeza, la  mujer que inventó y dirigió durante muchos años la principal feria de arte contemporáneo ARCO. Rosina  dice que su pretensión es crear nuevas audiencias para el arte contemporáneo, un empeño en el que están varias instituciones españolas de arte y cultura. Recientemente visité las exposiciones que  la Laboral muestra estos días, destacaban dos de ellas, una "It´s Simple Beautiful" y la otra  "Gameworld", su localización, cerca del parque tecnológico de esta ciudad reafirma mi impresión de una creciente inquietud hacia las nuevas actitudes y comportamientos creativos que se encuentran en la línea de la experimentación constante, en torno al arte eléctrico y las nuevas tendencias. He de decir que yo creo que las audiencias no aumentan por el hecho de convencer al gran público  de la necesidad de la belleza a través de estímulos espectaculares como los que ofrecen Dzine, Zurráis Kulsolwong, Mark Titchner , Fabien Verschaere o el único asturiano, incluidos los comisarios, Carlos Coronas, o  diciendo al público general que los video-juegos como el "Tetris " o el "Super Mario BROS son arte, ni convirtiendo el espacio expositivo en un gran centro de atracciones variadas. La verdad es que es una tendencia actual que solo puede añadir superficialidad a una práctica muy devaluada y cuestionada por su aparente complejidad. Durante el recorrido con unos amigos, soporté sonidos amedrantadores, pude mancharme en una especie de piscina de barro interactiva, tocar una batería  o el teclado de un piano a mi antojo  o ponerme una cabeza de asno y asustar a mis amigos. Creo que la única manera de convencer al público de la necesidad del arte ,es mostrando sus raíces profundas, mostrándolo como un fenómeno atávico, necesario y enraizado en la experiencia humana.   

Mi amigo Martín interactuando con una cabeza de asno de uso para el público.   

La otra muestra es el Festival Visiónica que se celebró entre los días 13 al 16 de Septiembre que va por su 4ª edición, y que se ha consolidado como una referencia en el mundo del arte y de las nuevas tecnologías de Oviedo. La ciudad asturiana quiere liderar la entrada del nuevo milenio de la mano de la tecnología , la creación y en este festival se llevan a cabo:  conferencias, proyecciones, directos audiovisuales y exposiciones de las nuevas perspectivas y visiones artísticas. El mes de Agosto en LABORAL, también se llevo a cabo en colaboración con Hangar de Barcelona un taller de "Herramientas Libres  para Creadores" en el que se trataban temas relacionados con video, audio y hardware. En este caso, también acecha el peligro de la banalización divulgativa, me refiero que en ocasiones, se piensa que por el hecho de ver un "leed" encendido, rojo o verde, hablar de Linux de baja latencia o dispositivos en tiempo real ya empieza algo fascinante. No siempre es así. 

De todos modos, este "POST" no solo pretende advertir de los peligros de la banalización del arte, sino dejar constancia del LOOK que Asturias está consiguiendo frente al mundo.  

                   

Manel Esclusa es, sin ninguna duda, uno de los fotógrafos más creativos y experimentales que tenemos en el país. Lo volví a ver el otro día en una inauguración  y tenia los ojos algo menos enrojecidos por su trabajo en el laboratorio. Su labor y conocimiento del oficio que aprendió de muy niño no ha sido obstáculo, sino al contrario, para convertirse en un gran artista. Para él la fotografía no es una actividad sectorial reducida a un grupo de quisquillosos especialistas, ha superado ese limite y simplemente crea.

Nació en Vic, Barcelona, el 13 de abril de 1952. Se inició en la fotografía con tan sólo ocho años, en el estudio fotográfico familiar. En 1974, fue alumno de los Stages Internationaux de la Photographie de Arles, en Francia, donde tuvo como profesores a fotógrafos de la talla de Ansel Adams, Neal White, Arthur Trees, Ian Dieuzaide, Denis Briat y Lucien Clergue. Desde 1979, sus trabajos se han centrado en la fotografía nocturna; el espacio urbano nocturno y la noche como escenario. Buscan materializar la luz, la luz como arquitectura; la luz y la oscuridad como símbolos; visualizar el tiempo a través de largas exposiciones, el tiempo fotográfico dilatado; la fotografía gestual, el movimiento. A partir de 1995, trabaja con sistemas de representación para el diagnóstico por imagen que utiliza la ciencia médica (TAC) y realiza una serie de autorretratos del interior de su cuerpo