TODO ES MUY RARO

 Hoy bajaba caminando por las Ramblas para ver la iluminación Navideña y he llegado a la conclusión de que en el Ayuntamiento de Barcelona debe haber algún concejal al que no le gusta la Navidad , sea por algún doloroso trauma infantil o por su creencia ideológica: nos la hace pagar a todos los ciudadanos . El argumento que se ha buscado es el económico y nos dice que este año ha conseguido 14 por ciento menos de energía que en 2006, lo que supondrá un ahorro en la factura municipal de un 7%. El argumento económico quiere ser convincente por la vía del bolsillo, pero es tan patético como si un padre de familia manifestara alegría cuando al hacer similar cálculo con los regalos para sus hijos, dijerá: !He conseguido gasto 0!

Cada año , desde hace demasiados, cuando llegan estas fechas aparece la polémica sobre las luces de Navidad en Barcelona. Estas fiestas tienen un origen remoto, algunos dicen que precristiano, pero lo que es indudable es que para la mayoría de la gente estas fechas son importantes, bien porque simbolizan un cambio de solsticio o porque significan la llegada de la luz divina al mundo. La teología cristiana dogmatiza que Dios es Luz. En estas fechas la luz es más que un elemento útil para favorecer el gasto , y si fuera así, no se puede olvidar que hacer regalos es  también una costumbre simbólica y religiosa.La cosa empezó hace unos años limitando la luminaría del Corte Inglés , luego queriendo modernizar las luces con diseños poco afortunados en los que costaba ver eso que se llama el espíritu navideño ,fue un primer intento de laicización de las fiesta y la gente se rebotó  y ahora la luz es blanca como la de los fluorescentes de cualquier academia de barrio. Este año, apelando a razones de sostenibilidad y ecología que normalmente mantienen los concejales menos convencidos en materia religiosa, se ha optado por unas luces mal colocadas, sin ningún criterio estético , a demasiada altura ,frias, pálidas, blanquecinas, directas alusiones al aburrimiento, así la ciudad, sobre todo en las Ramblas y aledaños, se ha convertido en un témpano de hielo. El argumento basado en la sostenibilidad no es convincente, detrás hay desinterés y mal gusto, es el mismo mal criterio que se utiliza para iluminar, cada vez más, terrazas nocturnas y lugares oficiales, incluso el Hotel Ritz ha palidecido bajo  esa decisión municipal.

Me parece bien que hayan escogido los Leeds, unos micro-puntos de luz de tecnología poco contaminante, de ahorro energético y que permite que con el gasto de una bombilla convencional se pueda iluminar un buen espacio de calle. Pero apelando a la arbitrariedad y su mal gusto, ese supuesto concejal traumatizado por las fiestas, nos ha escogido unos puntos de luz blanquecina a pesar de que las tonalidades de los Leeds son infinitas, cálidas y variadas. El que pasea por ahí siente el frío gélido de la muerte y no la alegría festiva del renacimiento de la luz o el cambio de solsticio. Lo han conseguido, no apetece pasear, no apetece comprar y uno vuelve a casa con la expresión de Hamlet ante la calavera.   

Kiri Te Kanawa la famosa soprano neozelandesa  protagoniza esta noche un recital benéfico en el Palau de la Música de Barcelona. La soprano cantará obras de Mozart, Strauss, Poulenc o Ginastera. La acompañará el pianista Julian Reynolds.  Hace cuatro años vi a esta soprano acompañada del mismo pianista en  el Festival de Peralada en agosto del 2003. Un recital intimista en el que dominaba la media voz y que exigía una concentración extrema , el repertorio era sublime con diez compositores diferentes: Mozart, Mendelssohn, Schubert, Strauss, Duparc, Debussy, Hahn, Fauré, Tosti y Puccini, más algún que otro lejano sonido de motocicleta.

Kiri Te Kanawa nació en Gisborne (Nueva Zelanda), y a las cinco semanas de vida fue adoptada por un matrimonio compuesto por un maorí y una inglesa.Los más osados no dudan en atribuirle un origen regio. A los tres años comenzó a interesarse por la música, aunque su carrera comenzó a los 15 años y despegó cuando en 1966 se trasladó a Londres con una beca para mejorar su formación. Yo creo que el origen condiciona el comportamiento , aunque no lo obliga. De Dame Kiri Te Kanawa me sorprende su radical evolución fisiognómica y su disco con canciones tribales de música Maori grabado en 1999 con Maori Music Group y la Abbe  Road Ensemble. La Dama  ha ido evolucionado  y en sus rasgos quedan pocos indicios de su origen , sin embargo nunca ha olvidado su procedencia. No voy a entrar en cuestiones tecnico -vocales pero me sorprende  el tremendo contraste  entre  los Lieders  que le gusta cantar que están  dominados por unos "Andantes" muy  románticos , unas canciones intimistas y de alta sensibilidad poética en contraste con esas canciones tan raciales y ancestrales.Por cierto, su apellido Kanawa parece japonés.

En este momento de mi comentario, pasar al Rugby me parece un cambio muy brusco pero necesario. En Nueva Zelanda, país natal de Kiri, el Rugby está muy implantado con su selección: los "All Blacks".Como se sabe estos empiezan sus partidos con una danza ancestral , guerrera y muy intimidatora hacia el rival ,llamada "HAKA. Los dos rivales enfrentados cantan sus consignas de destrucción y muerte, mientras la Dama ,en medio de la Batalla,  canta a modo de himno  el "World in Union" de la International Rugby Board ". El origen nos dice lo que conviene hacer y es muy difícil sustraerse a su designio. !BON PALAU! 

    He subido CUATRO videos y una broma: 

en el 1. Kiri Te Kanawa canta una canción tribal acompañada por aborígenes Neo-Zelandeses.

En el 2. Una demostración Haka             

En el 3. El Himno Internacional de la Rugby Worls Union: "World in Union" 

En el 4.  Kiri te Kanawa canta "Sola perduta abbandonata" para la opera de Puccini  "Manon Lescaut" con Placido Domingo ,un aria en la que se puede ver su energia ancestral y primitiva.

En el 5. Anuncio de Whisky .

Esta mañana estaba tomado un té en mi bar preferido y he oído unos comentarios sobre cine en la mesa de al lado, un joven le comentaba a otro: "Este finde fui a ver tal película, pero  quería ver esta otra", y tal y cual. En esto, he oído que uno de ellos decía :" no,esa no me gusto era muy  PREVISIBLE.".Hace unos días posteando con un amigo y sin que viniera muy a cuento de lo que yo quería decir, él escribió lo siguiente sobre el cine:  "he pasado una larga época desconectado, por un lado porque no soporto cuando un argumento se hace PREVISIBLE (y hay muchos) y por otra porque he pasado mas tiempo dedicado a otra pantalla, en donde pasan un montón más de cosas, más IMPREVISIBLES y en tiempo real. Pero bueno, vuelvo a estar en temporada cinematográfica, a ver, a ver" El otro día, yo comentaba en el Blog. que hay palabras, o gestitos que , poco a poco , sibilinamente se van introduciendo en el lenguaje. Creo que le toca el turno a la palabra previsible y eso será por algo.En el cine siempre hay un guión que, por muy acertado que sea, nunca iguala a la imprevisibilidad del tiempo real, de la vida auténtica. Con nuestras cámaras webs, contactamos con el mundo lo vemos tal cual esta sucediendo en ese momento. Por ejemplo, puedo estar hablando con alguien, recién conocido en la red, puedo establecer un dialogo de amistad con él y de pronto, sin guión alguno, ver como se desploma muerto sobre el teclado. No puedo hacer nada, no conozco como se llama, ni donde vive, lo veo morir en tiempo real, IMPREVISIBLEMENTE  

Alejandro Jodorowsky hizo "La Montaña Sagrada " en 1973, él quería rodar lo imprevisible y su película, a pesar de sus excentricas secuencias nunca consiguió superar el ejemplo del Blogger muerto en directo.Lo que vemos en nuestras pantallas  es la vida que pasa, la que sucede de verdad y en la que todo puede suceder , es por eso ,que todo lo que podamos ver en un pantalla nos resultará insulso, escaso de veracidad y sobre todo PREVISIBLE.  

Hoy es el día de Santa Cecilia. virgen y mártir, noble romana, conversa al cristianismo, martirizada por su fe hacia fines del siglo II  Esta celebración es muy antigua la han honrado músicos de la dimensión de Pourcell, Haendel o Britten  y sobre la santa existen abundantes referencias, se la conoce bien. Pero tiene una interesante contradicción. Casi diría un misterio raro. He recogido algunos datos aquí y allá y he llegado a la conclusión que a Cecilia no le gustaba la música  No le gustaba la música que por vibración del aire entra por nuestros oídos poniendo en marcha un complejísimo mecanismo auditivo, no , a Santa Cecilia le gustaba otro tipo de música. La música interior, la música callada, la que no seduce a los sentidos. Se cuenta que el dia de su boda y mientras los instrumentos musicales tocaban música, ella iba musitando y cantando a Dios en  su corazón, diciendo:" Haz mi corazón y mi cuerpo puro de modo que no me confunda" Otras fuentes cuentan que " Durante el banquete de bodas, mientras la música sonaba, ella entonaba oraciones en la soledad de su corazón, pidiendo que su cuerpo quedara inmaculado ", Según esto, la Santa rehuyó la música durante toda la ceremonia, calificándola como " el mortal canto de sirenas que impulsa a los inocentes a poner en peligro sus vidas " su deseo le fue otorgado, ya que la tradición admite, su virginidad, hasta la muerte por martirio." , en otros he encontrado " Al son de los órganos la virgen Cecilia cantaba en su corazón sólo al Señor ".    Es decir que si Santa Cecilia cantaba o le gustaba la música sólo era en alabanza trascendente, sólo una alabanza a Dios y por lo tanto ella marca la distinción entre una música sacra que sí le gustaba y otra profana que no le gustaba.   En algunas ocasiones he hablado con mi amigo Joan S. , mi gurú de  música clásica ,sobre la película  "Tous les matins du monde ",una película francesa realizada por Alain Corneau,  en 1991 y que a los dos nos emociona. Al final de su vida, Marin Marais, París,  (1656 -  1728) violista  célebre, recuerda su juventud y su aprendizaje con la viola da gamba con su maestro Monsieur de Sainte Colombe. Una de las escenas que más me conmueve y que he comentado con Joan, es aquella en la que el maestro de música, retirado a una pequeña cabaña de madera en la que solía refugiarse ,toca la viola con un sentimiento tan profundo que convoca al espíritu de su mujer muerta.    La música verdadera, como quería Santa Cecilia  no la escuchan los oídos, no se ejecuta para los vivos, se toca para revivir el espíritu  y convocar a  los muertos. 

Hay palabras, gestos y personas que aparecen en la escena social , están un tiempo y luego desaparecen. Expresiones como: Visibilidad, Protocolo, Hacer un gestito imbécil con los dedos índice y medio para significar una expresión entre comillas, el Carmen cuéntanos de los presentadores de telediario, dabuten, vale, no es de recibo, pasarse tres telediarios, transversal etc,etc ,pero la que más me irrita ,con diferencia, por la contradicción que conlleva es: Artista Independiente, Crítico Independiente, Comisario Independiente. Estas expresiones son habituales en el mundillo artístico y se abusa de ellas hasta la saciedad. La semana pasada recibí en el buzón dos cartas paradójicas, que por azar del destino llegaron a la vez. En una de ellas se me ofrecía participar, como público, en unas jornadas de pensamientos complejos sobre  la Crítica de Arte en la era de la Movilidad Global, y en la otra se me daba la posibilidad de asistir  a unas conferencias y debates con el lema: ¿El pensamiento en peligro? El Ensayo como forma abierta y crítica. Los leí desconcertado, leyendo  los titulares, me parecía recibir un mensaje contradictorio pues al mismo tiempo me daban   la confirmación de que existe un pensamiento crítico y  a la vez en el mismo envío que el pensamiento crítico manifestado en ensayos esta en peligro. Mas pausadamente les dedique unos minutos y me fijé que en la actividad sobre "El pensamiento en peligro" participaba Carles Guerra y sin saber porqué empecé a escribr sobre él. 

En el cenit de la Independencia ,Carles Guerra, en una reseña para el CCCB ,se presentaba como artista, crítico de arte y conservador independiente. Yo creo que debe haber una errata en lo de Conservador Independiente, seguramente sería "curator", porque sino ya fuera el colmo tildar de independiente incluso la actitud de un digno funcionario y conservador museístico.La verdad es que debe ser que la envidia me corroe .Yo tengo una triste experiencia, he comprobado  que cuando la cabeza me funciona a tope, lo poco que pueda o sea capaz y me veo envuelto entre papeles y libros, de inmediato, se me paraliza la mano, no puedo pintar, ni dibujar, como si fuera imposible llevar una doble actividad: una más teórica y otra más artística. Naturalmente  me refiero a una práctica con fuerte componente de oficio, no a un arte procesual y conceptista que entonces todo me va sobre ruedas. Supongo que debe ser una carencia, una limitación de mis dos hemisferios cerebrales o algo así, por eso me pregunto : ¿cómo harán estos que son capaces de actuar facticamente ,como los artistas, de pensar críticamente sobre su trabajo y el de los demás, como los teóricos y encima comisariar exposiciones ,como los historiadores. Eso les debe llevar a confusas contradicciones pues:¿ como pueden ser juez y parte? ¿No les sucede nada cuando se escogen a sí mismos como artistas de una exposición de la que hacen de comisarios y además critican a los que ellos no han escogido?.!Que lio!

Por lo que voy escribiendo en este Post, creo que no debe extrañarme la rareza con la que iniciaba mi comentario , no es más que el resultado de la confusión en la que vivimos , por un lado la afirmación del discurso crítico y por otro las dudas sobre su existencia. Nos lo hemos  ganado a pulso, pero quiero acabar escribiendo que nosotros los Bloggers, si que somos realmente independientes, porque hacemos un esfuerzo que solo depende de nosotros mismos, nadie nos obliga, nadie nos controla, nadie nos paga. Quizá, nadie nos lee, pero nos sentimos artistas, críticos y comisarios INDEPENDIENTES en la Red de Redes.

 Ayer asistí al concierto que dentro del 39 Festival de Jazz de Barcelona  daba el  joven pianista y electrólogo noruego Bugge Wesseltoft  en la Sala Luz de Gas. Es la antítesis de Sonny Rollins que acababa de ver el día anterior.Poco preocupado por su apariencia escénica,  tiene el carisma de un biólogo en el laboratorio, es decir :cero. Simplemente hace su trabajo. Situado entre el piano y  numerosos instrumentales electrónicos: samplea sus propias notas, produce distorsiones, regraba  mientras toca el piano con emoción contenida en medio de todo tipo de ruidos eléctricos.El concierto fue a palo seco, quiero decir que normalmente se hace acompañar de Jan Martin Vagen que a modo de DjVisual acompaña los momentos más duros de los conciertos de Wesseltoft, pero ayer no actúo por causas justificadas.

Todo eso de un modo u otro se ha ido manteniendo en las sucesivas etapas evolutivas del jazz: ragtime, dixiland, be-bop, cool o free. Los blancos eran raros contrapuntos en la historia negra, lo era el mismo Dave Brubeck que triunfó con su Take Five  en 1961.En su cuarteto, Joe Morello, Eugene Wright, Brubeck and Paul Desmond, tres de los músicos eran blancos y el cuarto era negro y tocaba el contrabajo con el recuerdo del aum, aum, aum perdido;  la voz principal era del saxofonista Paul Desmond que con aspecto  de inspector de hacienda sorprendió con su tez pálida y  blanquecina en una música hecha para los  barrios oscuros. Es cierto que los que conozcan bien la historia de esta música, dirán que ha habido magníficas excepciones, Gerry Mulligan, Chet Baker, Stan Getz y otros pero se mire como se mire la batuta era negra. Esto fue así hasta principios de los años ochenta en que la fusión con el rock y con otros géneros dio entrada a músicos que con sus instrumentos eléctricos cambiaron el panorama como: Joe Zawinul, John McLaughlin, Pat Metheny, John Scofield, Steve Morse, y ahora Bugge Wesseltoft con sus peculiares sonidos electrógenos, pero añadiendo suavidad , estrépito y momentos de melodía en una mezcla que lo convierten en un fenómeno muy especial del Jazz contemporáneo.

Aunque los orígenes del Jazz queden tan lejos, los momentos en los que Bugge Wesseltoft hacía guiños "Bluesys" o empezaba un ritmito de esos de mover los pies, conseguía unos grititos agudos por parte del público y esos silbiditos de complicidad que tanto gustan a los americanos y que ya hemos hecho nuestros. Desde mi punto de vista estos momentos son esos pequeños indicios de negritud que aun perduran en una música de Jazz decididamente hecha por músicos blancos y además europeos. No es casualidad que uno de los momentos más agradecidos por el público fuera precisamente una pieza inspirada en el ya mencionado "Take a Five" recordando la  versión que nuestro  inspector de hacienda hiciera en 1961.

Yo creo que pronto se dará un nuevo paso hacia adelante y volverá a rugir el león, pero mientras para dejar clara la  supremacía blanca en el Jazz actual, he puesto dos videos, en uno: la versión mítica del "Take a Five", y en el otro,   Wesseltoft toca con John Scofield mientras se  ven las imágenes de Jan Martin Vagen.

 Dave Brubeck Quartet.

 Sonny Rollins.

Camiseta conmemorativa del concierto.

Solo hay dos personas en el mundo a quienes se les pueda tolerar una camisa roja, uno es Carles Hac Mor y el otro, Sonny Rollins. Es curioso que una amiga a quien un día le presente a Carles Hac Mor, escritor, poeta y patriarca de la Performance europea , me dijera: "este amigo tuyo tiene aspecto de saxofonista noruego". Me quedé perplejo, desconcertado pero ahora lo entiendo, el color rojo de su camisa ha puesto las cosas en su sitio, si , Carles no es poeta es saxofonista y por eso lleva una camisa roja como Sonny Rollins. Razonando sinestésicamente se diría que el rojo es un color saxofónico.

 Carles Hac Mor

Hoy he cumplido un sueño, he visto en vivo en directo , desde la fila 12 ,asiento 1 del Palau de la Música  de Barcelona a una leyenda .Lo digo con toda la carga tópica, porque Sonny Rollins es uno de los inventores de la música de Jazz Contemporáneo. Sus notas poderosas están saliendo por el cuerno dorado de su saxofón desde hace sesenta años. Hay fotos con los grandes cuando tenía dieciséis años ,emulando a Coleman Hawkins y ahora tiene setenta y siete. Nunca ha dejado de experimentar y proponer sonidos nuevos con un instrumento que parece una prolongación de su cuerpo , sus dedos recorren las clavijas mientras el saxofón sube y baja al ritmo que él quiere darle con sus brazos, mientras una respiración continua no deja de lanzar notas al aire en un fluir incesante. Como todo auténtico buscador del  arte ha tenido periodos de desánimo y frustración, dejó de tocar entre 1959-1962  Luego volvió a la "recherche" y la abandonó en busca de la meditación,y de la filosofía oriental. Regresó en 1972.

  Ahora al final de su carrera no ha dejado de tocar, a pesar de la reciente muerte de su mujer , es más ,en una entrevista hecha para una revista de Jazz Catalana , ha hecho un nuevo elogio a la vida  y  ha dicho algo tan significativo como esto: 

"I am convinced that all art has the desire to leave the ordinary,"& "and to say it one way, at a spiritual level, a state of the exaltation at existence. All art has this in common.   But jazz, the world of improvisation, is perhaps the highest, because we do not have the opportunity to make changes. It's as if we were painting before the public, and the following morning we cannot go back and correct that blue color or change that red. We have to have the blues and reds very well placed before going out to play. So for me, jazz is probably the most demanding art."

 La exaltación de la existencia es la finalidad de su música y el objetivo del arte , una conclusión al final del camino que lo vuelve a acercar a Oriente y le da la energía para seguir viviendo y la fuerza necesaria para cubrir los conciertos que le quedan hasta el final de su gira en Mayo del 2008 en Corea.  

Sonny Rollins(1959)

Sonny Rollins 2006. 

Este tema lo tocó en el Palau con Sonny Rollins (st)Clifton Anderson(tb)Bobby Broom(g)

Bob Cranshaw(b) Kimati Dìnizulu(pc) Willie Jones (dr)

a Camille 

ESta es la segunda versión que cuelgo del mismo tema "au port taratata" de Camille

y además "The Creeps de Camille Jones

Me ha gustado mucho el contraste entre la solidez de las rocas de un  paisaje duro y agreste,  con la ligereza de las figuras transparentes,  el contraste entre la estabilidad del territorio y la mutabilidad de sus angélicos habitantes. Para que el ceremonial tenga lugar plenamente hay que convocar al viento, la respiración, el pneuma de la naturaleza que, a ráfagas, mueve esos cuerpos transparentes.

 1.

2.

3.

4.

P d . Como los fotógrafos son muy "tiquis miquis" con eso de que se hagan fotos de sus fotos, he colgado las fotografías que aparecen en la página de la Galería.

Aire III. Fotografía sobre papel glicèe. 110 x 160

Aire X. Fotografía sobre papel baritado en soporte de aluminio dibond. 87 x 130

Aire V. Fotografía sobre papel glicèe 160 x 110

Aire IV. Fotografía sobre papel glicèe 110 x 160 cm

Julián Álvarez (León, 1950. Londres, 1972. Barcelona, 1975) es un pionero. Sus tres fechas de nacimiento  confirman un talante inquieto  que corresponde a su espíritu de búsqueda. Es uno de los primeros que se adentró en la jungla de la imagen videográfica hace más de veinticinco años. El, como otros de su generación, machete en mano, abrió caminos, cortó las primeras  lianas y abrió senderos que ahora parecen fáciles de transitar. Colonizó nuevos territorios , se inventó artilugios para la supervivencia videográfica como la "fishcam"y ahora durante el mes de Octubre se  ha rendido tributo a ese esfuerzo con una exposición retrospectiva en la Caixa.(1985-2007).

En esa  exposición se pudieron ver una parte de las más de cincuenta obras realizadas  que tiene colgadas  en su página oficial  http://www.juliansite.com/

Las he visto todas y creo que es evidente que su trabajo está marcado por el signo de la diversidad y la amplitud temática desde su faceta como creador y autor, a la exploración se sí mismo, a los indicios de  una memoria colectiva con la guerra civil, pasando por sus inquietudes tecnológicas y pedagógicas como corresponde a un  Director de IDEP Vídeo-Cine-TV, 3D y New Media. o al nocturnal ambiente del boxeo y el rock.

El folleto de presentación para la Caixa no alude a un monitor encendido, ni a una imagen destacada entre miles de "frames", no hay ningún guiño posmoderno,  sino que vemos unos zapatos con cordones en los que hay pintado un paisaje. Esta imagen aparece también en su página oficial como emblema de su biografía. En esta imagen, que supongo de sus propios pies ,la pierna deja entrever unos pantalones Jeans que indican un modo de vestir informal y juvenil, una especie de compromiso con la contemporaneidad, la música y la cultura moderna, los zapatos son cerrados, exigen calcetines, debe hacer algo de frío. Eso demuestra prevención y sensatez. Un zapato cerrado, de piel y con cordones parecen aludir a un uso formal, un zapato de vestir, pero esta breve impresión queda rota de inmediato al ver los trazos multicolores que dibujan un paisaje solo visible a quien lo mira de frente. Al otro. Si Julián baja la mirada los verá al revés .Este efecto de naturaleza , de paisajismo y el uso del color es sorprendente para un autor que ha trabajado mucho en blanco y negro, con imágenes sórdidas sacadas del mundo de la noche y de las zonas turbias del Boxeo. Los zapatos son buenos para el asfalto, la cultura urbana exige protección, llevan los cordones de cuero, el anudamiento indica simetría en el lazo, sujeción y dominio. La sujeción es una figura retórica que se da cuando  el orador o el escritor se hace preguntas a las que él mismo responde. Interpreto esto como  un signo inequívoco de independencia. Creo que estos zapatos confirman la autodefinición que el propio Julián da de sí mismo:

"Iconoclasta por defecto y fronterizo (al margen) por propia voluntad. No forma parte de ningún colectivo, tendencia, estilo o movimiento establecido. Su compromiso se concreta y formula a través de su obra, en la que mezcla géneros y lenguajes con voluntad de desdibujar fronteras, contaminar identidades de uno y otro lado y, sobre todo, cuestionar certidumbres."

Al mirar sus últimas obras : "Homenaje a Formentera", "Requiem por Barcelona Graffitis",  "No-Do masculino plural"   "Espantapájaros" ,"Ninots" o "Le Coup by Johnny Hallyday " he tenido la sensación de  encontrarme en la misma encrucijada en la que se encuentra Julián, en la que nos encontramos todos nosotros, todos los de una generación obligados  a escoger:  entre pisar descalzos los terrenos olvidados del origen y los suelos cálidos de Formentera , en recorrer y disfrutar del multicolorismo urbano de los Graffitis o en volver a calzar las rudas botas del boxeo y subir nuevamente al Ring.

En mi viaje internáutico he encontrado este escalofriante documento con el título de PEKKA-ERIC AUVINEN :IN MEMORIAM". A pocas horas de la tragedia finlandesa ya se han colgado melancólicos homenajes al joven asesino. En cierta ocasión escuche decir  al ex ministro Belloch, antes juez y ahora Alcalde de Zaragoza que en su experiencia como juez había llegado a la conclusión de que el motor más poderoso y auténtico generador de violencia y muerte es LA HUMILLACIÓN.  Cuando se da este hecho, y un humano humilla a otro surge con toda su virulencia un instinto agresivo y destructor. He leído que este joven finlandés estaba sometido a una presión alta en su entorno escolar y creo que más allá de su empanada mental, que la tenía y de su patología, que también la tenia se encuentra la humillación como detonante. El vídeo que he colgado es una especie de documento de la solidaridad emocionada que este hecho ha tenido, un vídeo que demuestra como otros jóvenes le han homenajeado y debemos preguntarnos porqué. Cuantos más lo hagan, más datos tendremos de una enfermedad social que debemos abordar inmediatamente.  

En un  comentario reciente Lulucoll me  pregunta que opinión tengo de Anna Netrebko. La verdad es que he pensado mucho sobre este fenómeno. Inicialmente siento un rechazo espontáneo porque la veo como una mujer frívola y ambiciosa que ha aprovechado su belleza para conseguir sus fines. Por otro lado me parece injusto condenar el valor de su profesionalidad por una circunstancia física favorable. Caeríamos en el fenotipo fea igual a lista ,bella igual a tonta. Es una dualidad falsa.

 Parece ser que técnicamente esta cantante es impecable y es el  resultado de un gran esfuerzo personal, hay que recordar su evolución desde limpiadora en un teatro de San Petersburgo a los mejores escenarios del mundo, sin embargo, a pesar de todo ese esfuerzo, yo no noto la misma transmisión energética que percibo con Cecilia Bartoli; además lo que puede ser tolerable en cualquier persona, en ella se convierte en grave defecto. Por ejemplo he leído en algunas entrevistas que es una "fashion victim", es decir que se gasta mucho dinero comprando moda, ropa de lujo de forma compulsiva, que ha hecho un  videoclip cantando en play-back  realizado por Vincent Patterson, la misma persona con quien trabajan Madonna y Britney Spears, que le gusta asistir a fiestas compulsivas o coquetear con las armas de fuego.

Ha erotizado a todos los personajes femeninos del repertorio operístico poniendo como principales valores la juventud y la belleza, condenando a otras cantantes a segundo plano. Según como se mire, todas estas circunstancias pueden mover a ser admirada y deseada por un público cada vez mayor, pero hay una cosa que no puedo excusarle debido a mi natural tendencia a engordar.

En una entrevista le preguntaron sobre que le parecía esa tendencia a discriminar cantantes por su exceso de peso y dijo: 

P. Nunca había ocurrido que se discriminara a un cantante por exceso de peso.

R. Desde el patio de butacas no se aprecia la belleza. Es esencial cantar bien, aunque la imagen cuenta. Sobre todo en la medida en que te acerca a un personaje. Pero no es verosímil que una Traviata de 100 kilos te emocione y te haga llorar.

P. Montserrat Caballé.

R. Fue una excepción... Bueno, creo que la discriminación es un grave error. Hemos asistido todos estupefactos al caso de Deborah Voigt.

P. Finalmente fue al quirófano para reducirse el estómago.

R. Creo que más bien lo hizo por razones de salud. Me alegro por ella.

P. ¿Y no piensa realmente que esta clase de situaciones demuestran que la ópera se ha contagiado del culto al cuerpo y de la obsesión por la estética?

R. No nos engañemos. Para ser una soprano tienes que cantar, tener voz. Pero además tienes que saber actuar. No basta con subirse al escenario, apalancarse en una esquina y abrir la boca.

 Creo, finalmente, que el caso Anna Netrebko no es nada más que un reflejo de la sociedad contemporánea , una sociedad en la que lo esencial hay que buscarlo muy en el fondo de las cosas, en la que el culto a la apariencia conduce  a excesos patológicos. La belleza física es divina y un misterio del que apenas sabemos nada, pero lo que si sabemos es que lo fundamental se encuentra en lo que realmente desprenden las personas y eso, demasiadas veces, pasa totalmente desapercibido.

Pere Borrell del Caso(Puigcerdà 1835-Barcelona 1910) es un pintor del que existe una monografía de 290 páginas escrita por Andrea Pascual y con prólogo de Francesc Fontbona en la editorial Mediterrania de Barcelona, tiene el bonito título de NIÑO HUYENDO DE LA CRITICA. Pero bien mirado podría servir como emblema de nuestros momentos más desesperados, porque todos huimos de algo. Podríamos adjudicarle diferentes entonaciones metáfóricas como, por ejemplo ALUMNO HUYENDO DE LA CLASE DE HISTORIA o PROFESOR EMPEQUEÑECIDO HUYENDO DE LES GRAELLES o cosas así, os animo a que pongáis otras situaciones, metafóricamente claro, que sean válidas para retitular este bonito cuadro que no deja nunca de sorprenderme.

 José González - Heartbeats

He escogido este fragmento de un interesante post de Dandan en Nihil Alienum. Un guiño simpático y musical para que se recupere pronto: ¡si lo lee!.

Dice Dandan a propósito de" Soziale Systeme" de Luhmann:

Uno de los problemas que siempre tengo al intentar hablar de sistemas complejos es que no se por donde empezar (por eso preferí copiar un buen artículo hace algunos meses). Para poner un ejemplo: imaginaros una pecera/acuario de estos gansos que tienen en algunos restaurantes japoneses y que cubre casi media pared. Imaginaros que la vacían, le conectan aleatoriamente varias entradas de aire a presión y la llenan de bolitas ligeras de diferentes colores. Luego, convenientemente cerrada, le dan marcha, y las bolas se disparan por la presión de los chorros de aire, chocan entre si y montan un espectáculo multicolor. Bueno, pues imaginaros que ahora alguien te pide que le expliques exactamente que está pasando dentro de la pecera. Un poco complicado (Maxwell y Bolzmann lo resolvieron a base de estadísticas). Pero además resulta que cada bola tiene una atracción magnética con respecto a las de su color (inferior a la fuerza de los chorros en su salida, pero no en medio de la pecera), y que cada bola contiene en su interior todo un tinglado semejante al de la pecera en la que da vueltas, una réplica, que afecta a su carga magnética. Y finalmente, imaginaros que la pregunta sobre lo que está pasando te la hacen cuando tú estás DENTRO de la pecera, bailando y chocando con todas las otras bolas. Pues por eso nunca se por donde empezar

1.La presentación

2.He mirado hacia arriba.  

3. He mirado hacia abajo 

  4. La primera propuesta: Mutsuro Sasaki  Ingeniero y Arquitecto especiaista en estructuras 

5. Toyo Ito y su sombra confirman lo mismo    

 6.La creación artística es parte de la naturaleza   

7.El cálculo matemático convive con la poesía y la sensibilidad morfogenética    

8. Las olas  también tienen estructuras. 

9. Las olas en su fragilidad sostienen pesos.

  10. La musculatura de la naturaleza.   

11. Convertida en tensión y resistencia.      

12. Gaudí decía mirando hacia el  árbol que estaba frente a su estudio: he ahí mi  maestro.

13. Toyo Ito habla la misma lengua. El árbol se convierte en arquitectura con la complicidad de la técnica.

Para Joan Sunyol.

Viendo este video me he acordado de mis primeros pasos con mi primer ordenador Amstrad que llevaba hasta pilas. Lo que ahora parece una rutina: escribir un documento, borrar una parte de él, cambiarlo de sitio, buscar una palabra, guardarlo, etc, etc, era algo insólito y nuevo, tal como debió ser el paso  que recoge el video , la compleja operación de pasar del pergamino enrollado al libro. Esta transición, ese analfabetismo funcional lo hemos sufrido todos y la sociedad de la innovación tecnológica nos pide un constante reciclaje. No hay tregua y lo mejor es tratarlo con humor como este video, en el que también aparece el sufrido amigo  experto, el ayuda de escritorio, que tiene la paciencia de atender nuestras, a veces , tontas preguntas, gracias Alain.  IDAC IDeas ACtivas

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Tengo profundo respeto y gran interés por las obras públicas de los "graffiteros" de cualquier ciudad. Especialmente cuando atacan muros dejados de la mano de Dios. Pero todo tiene un límite y la iniciativa libertaria , pacífica y gratuita de los artista graffitistas ha engendrado SU ANTÍTESIS, un monstruo jeta que se llama Banksy. Como me gusta jugar con las palabras, diría que su nombre lo delata: BANK  - SI. Es decir todo lo que sea ganar pasta por mi jeta, ya esta bien. Alguno dirá: ¡pues como cualquier artista!,  y yo le diré : !pues no.!

Banksy no ha seguido la tercera consigna del graffitista, aquella  que es  consecuencia del anonimato y que consiste en hacer arte público y gratuito; muy al contrario ha utilizado esas consignas para hacerse una fama y cobrar un "paston" millonario a través de su marchand y de las subastas de sus obras a precios astronómicos, sus bromitas  con contenido político las han comprado gente famosa  y se venden por decenas de miles de libras en las galerías de arte desde que se difundió que famosos como Brad Pitt y Angelina Jolie habían comprado algunas. Según dice la noticia de EFE  es que Gareth Williams, del mundo de las subastas, ha confesado «lo más increíble del fenómeno Banksy no es su ascenso meteórico ni las importantes sumas que se pagan ya por sus obras, sino el hecho de que el mismo establishment al que satiriza le haya acogido entusiasmado». Un público escogido que llena los bolsillos del ácrata callejero. Así, la pasada semana, diez obras suyas se adjudicaron por un total de medio millón de libras (unos 700.000 euros) en la casa de subastas Bonhams. Y yo me pregunto, ahora que ha sido "cazado" en faena, sino será un "posado" pactado con el azaroso fotógrafo para ser descubierto y salir definitivamente del anonimato, presentar su DNI en el Banco y cobrar su pasta gansa :BANK SI EL JETA .

   Foto. Efe, Vanguardia Digital.1.11.07El artista  ácrata aparece hoy -si es que realmente es él- en una fotografía publicada en varios medios británicos, en la que se le ve pintando la prolongación de las líneas paralelas amarillas que hay junto al bordillo de una acera londinense para convertirlas de pronto en una flor junto a la que aparece sentado un obrero armado con un rodillo de pintura.


 

Faltan pocos días para que acabe la exposición de Joaquim Chancho (Riudoms), Tarragona, 1943 en la Galería Senda. Chancho es doctor y catedrático de Pintura en la Facultad  de Belles Arts de Barcelona. En su extensa trayectoria creativa ha pasado por diversas fases de ocupación del espacio pictórico empleando una geometría sentimental basada en la investigación con la forma. Esta última exposición es  un claro ejemplo del derecho de un autor para hacer en cada momento lo que considera conveniente. Eso, en principio, no parece un mérito. Pero si que lo es, porque las servidumbres del mercado, la inercia, cierta desgana creativa pueden llevar a un artista a continuar su trabajo sin mucha ilusión. Joaquim Chancho en esta  demuestra que su trabajo sigue por un camino de máxima concentración, un esencialismo pre-pictórico que le conduce al territorio de la absoluta simplicidad. Hokusai (1760-1849) estaba convencido que tras la compleja búsqueda del artista durante toda su vida finalmente se  podía acceder a la pureza de la síntesis, a pintar un solo punto con la fuerza del conocimiento.

    Hokusai                       emblema heráldico japonés

En esta exposición dominan unos trazos en zigzag que atraviesan la tela sin preocupación estética, dejando al descubierto el fondo por donde pasan, un Grattage muy básico, unas líneas elementales trazadas sin pincel que poseen la fuerza, el rastro vivo del autor que así lo ha decidido. Las formas zigzagueantes son sinónimo de expresividad y fueron un adjetivo imprescindible para la pintura expresionista alemana de Macke, Kirchner y otros muchos. Con mayor o menor asiduidad ha ido apareciendo en el arte contemporáneo, las usaron los neo expresionistas alemanes en los años "80" o el mismísimo Javier Mariscal para definir toda una época. Por cierto, que en ese momento de movilidad y energía había en Barcelona un bar de culto llamado ZigZag 

La palabra Zigzag siempre me ha parecido muy rara, es una palabra que en su grafía contiene lo que designa, es decir que las dos z z forman ángulos alternativos entrantes y salientes, tal como lo que la palabra quiere decir. Con la palabra y con la Forma, Joaquim Chancho nos  indica irremediablemente expansión y concentración, nos indica, ritmo y  movimiento. Me gustaría pensar con palabras así, utilizarlas para escribir y entonces la escritura sería una forma con un sentido total. Las palabras  producirían efectos mágicos y transformativos en quien las leyera: ZIGZAG,ZIGZAG,ZIGZAG.      

 Cuando llega el Saló del Ensenyament las escuelas ofrecen sus servicios pedagógicos en unos "stands" montados para la ocasión. Muchos profesores de artes plásticas vamos con entusiasmo a buscar nuevos alumnos para nuestras clases. El  fenómeno de la oferta se debe a la amezadora "ratio", es decir  a la proporción entre el número de alumnos y de profesores, un modelo americano que quiere hacer más rentable el sector educativo. Los primeros síntomas empezaron con el regalo de carpetas, lápices y gomas de borrar. Viví  de cerca este fenómeno en la Universidad Autónoma de Barcelona, cuando me ofrecieron dar unas clases y constaté que en las plazas cívicas, que habíamos tomado en nombre de la revolución, había una tienda de "chuches", una peluqueria bisex y una empresa de orlas.Cuando llega este momento, hacia la Primavera, siempre pienso la misma tonteria: si pasa por delante del "stand" un posible candidato a alumno ¿qué harán los profesores que trabajan en dos escuelas de arte y diseño a la vez , que además son rivales en sus ofertas académicas, y que ofrecen idénticos. objetivos académicos y pedagógicos? ¿Lo convencerán?, ¿lo dejarán pasar?,¿le aconsejaran que vaya dos stands más allá?¿No dirán nada? Durante una parte de mi vida estuve en esa situación, compartiendo mi amor con dos escuelas a la vez, de eso ya hace algún tiempo, ahora hará unos siete años, deje despechado a  una de ellas y sigo fiel a la que quedó, pero tengo que decir que mientras duró mi romance durante quince años, mi conciencia me reclamaba cierta discreción, programas diferenciados, objetivos separados para poder llegar a final de mes con cierta elegancia y la conciencia tranquila de no estar engañando a nadie y dar a cada una lo mejor de mi mismo pero diferenciadamente.Ahora ,no se tienen tantos reparos y  algunos profesores son capaces de  amar multiplicadamente, incluso de un modo lascivo, a dos o más escuelas a la vez. Antonio Machin en su bolero  "Corazón Loco",  dice que tiene una explicación, que hay un remedio para esa situación, consiste en  considerar a una de ellas como:" el amor sagrado, compañera de mi vida, esposa y madre a la vez, la otra es el amor prohibido, complemento de mis ansias, y a quien no renunciaré, y ahora puedes tú saber, cómo se pueden querer, dos mujeres a la vez, y no estar loco."Pues bien, se trata de decidirse y otorgar el rol de la mujer santa a una  o el de la amante apasionada a otra. Creo que el cálculo de los rendimientos puede  ayudar a tomar la decisión correcta..

   

LETRA DE LA CANCION ANTONIO MACHíN - CORAZON LOCO

No te puedo comprender,
corazón loco,
no te puedo comprender,
y ellas tampoco.
Yo no me puedo explicar,
cómo las puedes amar tranquilamente,
yo no puedo comprender,
cómo se pueden querer,
dos mujeres a la vez, y no estar loco.
Merezco una explicación,
porque es imposible seguir con las dos.

Aquí va mi explicación,
pues me llaman sin razón, corazón loco,
una es el amor sagrado,
compañera de mi vida,
esposa y madre a la vez,
la otra es el amor prohibido,
complemento de mis ansias,
y a quien no renunciaré,
y ahora puedes tú saber,
cómo se pueden querer,
dos mujeres a la vez, y no estar loco.
Aquí va mi explicación,
pues me llaman sin razón, corazón loco,
una es el amor sagrado,
compañera de mi vida,
esposa y madre a la vez,
la otra es el amor prohibido,
complemento de mis ansias,
y a quien no renunciaré,
y ahora puedes tú saber,
cómo se pueden querer,
dos mujeres a la vez, y no estar loco.
y no estar loco, y no estar loco                            

"Corazón Loco" Bebo Valdés y el Cigala. 

Inscripciones I Ching  en el caparazón de una tortuga       Pictograma de Tortuga(Kokon)

64 Ideogramas referentes al I Ching(kokon) 

Caligrafias de Kokon

Pekín. (EFE).- Arqueólogos chinos anunciaron el hallazgo de un conjunto de pictogramas de entre 7.000 y 8.000 años de antigüedad, unos 2.000 años anteriores a los jeroglíficos egipcios y que podrían reescribir la historia de la escritura china.

Según informó hoy la agencia oficial Xinhua, los más de 2.000 pictogramas están ubicados en las cuevas Damaidi de la montaña Beishan, en la región autónoma de Ningxia Hui (norte), que acogen cerca de 10.000 relieves en roca prehistóricos.

Hasta ahora, los historiadores creían que los caracteres chinos más antiguos eran los encontrados en cerámicas de hace 4.500 años y en huesos de tortuga y caparazones de hace unos 3.000 años.

Los pictogramas hallados en Damaidi "son similares a los antiguos jeroglíficos de los caracteres chinos" y "se pueden identificar como caracteres antiguos", dijo Li Xiangshi, de la Universidad de Nacionalidades de Yinchuan, capital provincial.

"A través de una ardua investigación, descubrimos que los pictogramas se pueden ver en cientos de motivos en las cuevas. Pero su tamaño, forma y significado son los mismos", dijo Liu Jingyun, experto en caracteres antiguos.

Las tallas prehistóricas de Damaidi fueron descubiertas en la década de 1980, se extienden en una superficie de 15 kilómetros cuadrados y muestran motivos como el sol, la luna, las estrellas, dioses y escenas de caza y agrícolas.

En 1899 los arqueólogos chinos desenterraron por primera vez conchas y huesos de tortuga inscritos con ideogramas, que eran utilizados en rituales adivinatorios en la dinastía Shang (1766-1122 a.C.), la segunda que gobernó China.

Más de un siglo después, en el año 2000, descubrieron unas jarras de cerámica pintada de unos 4.500 años de antigüedad con restos de caracteres, los indicios más antiguos de la escritura china hallados hasta el descubrimiento anunciado hoy.