TODO ES MUY RARO

 

 

Secuencia  fotográfico - kokonica sobre un corazón de Carlos Pazos

   

para María.

       

 

               

Por la puerta entró Biel Mesquida con un ramo de flores amarillas en la mano, las llevaba con la ilusión del que vive un acontecimiento ,de quien va a felicitar a alguien, o a una madre  joven recién parida .El motivo era la inauguración de la última exposición de Antoni Tàpies en la galería de su hijo Toni. Con 84 años y toda una vida de trabajo artístico constante, la expresión Obra Reciente tiene un sentido muy especial en las exposiciones de Antoni Tàpies. Esta expresión indica su vitalidad constante, su energía incombustible , pero ,sobre todo ,es una nueva manifestación de un don augural que siempre  le ha  llevado a  exponer al mundo sus hallazgos, sea una intuición reciente sobre la vida, o una premonición sobre la muerte, pero siempre sobre algo  que nos sucede y nos afecta. Por eso, he titulado este post : "modelo reciente". Cada dos años espero y veo con la máxima atención sus nuevas obras. Su palabra plástica me  esclarece momentos presentes y me  augura situaciones futuras. Es así como se confirma la ilusión que  Antoni Tapies  ha tenido siempre, de ser útil a la sociedad, a las personas. Puedo asegurar que esta ilusión  es cierta, porque la pude escuchar de sus propios labios claramente el día de la inauguración en medio del rumor de la voces de tantas personas que acudimos a acompañarle en ese día.

 

En esta ocasión el azul , el blanco  el gris  y el negro del grafito dan a la exposición, y también, al catálogo un tono dominantemente frío , austero y sereno .El azul aparece  claramente en tres de sus obras recientes "Clau Blava",primera obra en el catálogo, en "Tinta Blava", en "C sobre cartro", muy sutilmente en "Paper d´Estrassa I ", el contraste entre la claridad del fondo y la oscuridad del grafito, aparece en:"Difuminat i Traç,"también en: "Entrada i Sortida".

    

fragmento de "Clau blava"100x70 pintura s papel

Juan Eduardo Cirlot fue de los primeros en celebrar en su libro "Arte Otro" la obra del  joven  Antoni Tápies, diciendo, en 1957, que  era uno de los artistas más puros, eficaces e intensos del recién aparecido movimiento europeo de arte Informalista y  lo colocó al lado de los más grandes. Entre 1954 y 1958 Cirlot estudió intensamente el significado simbólico de casi todo. Entre sus preocupaciones personales se encontraban: la ciudad de Carcassone, la Imagen del Despeñado y el color Blanco y Azul. El mismo Cirlot lo explica magistralmente en un texto epílogo para su libro de poemas "88 Sueños".Describe sus  tres sueños-símbolo y uno de ellos es sobre el uso del blanco y del azul: "En un tiempo no muy lejano tuve casi una pequeña colección de obras de arte actual. Entre ellas había dos obras extraordinarias: un cuadro azul y otro blanco, abstractos. Me atraían mucho. Pero mi sentimiento era ambiguo, ambivalente. Primero sentí necesidad de desprenderme del cuadro azul, luego del blanco." Eso mismo le sucedió con unos libros de cubiertas blancas y otro azules. Pasado el tiempo y sumergido en sus estudios sobre simbología, Cirlot deduce que: " el eje blanco-azul es descendente y que alude a la muerte, al paso del cielo a la tierra  y una alusión inconsciente de quien  no quiere desprenderse aún de su existencia vital, de su vida instintiva".

 

 fragmento de tinta blava  56x76 tinta, lapiz i collage

   

Me ha parecido ver en estas obras recientes de Antoni Tápies la ilusión de lo que se inicia conviviendo con la ilusión de lo que termina. Ni vida, ni no vida, como un ser que no aspira ni a ser puro ,ni impuro. La unidad de los contrarios perfectamente representada por un trazo único, sintético, caligráfico en "Difuminat y Traç" , una obra con un resplandor especial en la que la luz del fondo contrasta con la negritud de un trazo que es perfecta representación de lo UNO, "to hen" en griego, Ichi en japonés, la unidad de todo lo existente como une la línea del horizonte en el desierto, con dos indicaciones , una arriba y otra abajo. En esta exposición, todo alude al transitorio paso por la vida, esta exposición es una reflexión lúcida sobre el sentido del inicio y el final irremediable de todo lo existente. En "Vernis i Llapis" el primer trazo del dibujo con un lápiz dialoga con el barniz, ultima estado de la materia pictórica que a lude a lo que ya ha acabado.

 

                                                                           

       

fragmento de Barniz y lápiz.                                               fragmento de Entrada y Salida 

En "Entrada y Salida" este sentido se hace manifiesto, programa de vida con la maestría y simplicidad de  quien con unos trazos básicos lo sabe decir todo.

La reflexión esta hecha desde la serenidad de un buda en "paranirvana", ese Buda yacente y sin signos de dolor ni sacrificio que, sosteniendo su cabeza con la mano, acepta como algo natural la cercanía de la muerte.

Tapiés, vuelve a ser útil, vuelve a ser un modelo reciente, nos enseña  que, con la misma actitud de naturalidad  que tenemos ante la aparición de una nueva vida en el mundo, debemos celebrar su inevitable ausencia.

 

 

 

                    

 

 

  

Para mi padre, a quien siempre confunden con Antoni Tàpies

                       

  

A Joan Bufill e hijo.

 

Me encanta suspender con un cero a mis alumnos, pero nunca lo consigo. El cero es una ilusión para mi, tengo compañeros que no dudan ni un segundo en ponerlo, redondo, orondo, geométrico, pero yo no alcanzo nunca esa satisfacción íntima ese placer estético.

La quiebra de los modelos académicos me han dificultado mucho las cosas, antes dibujar una mano era dibujar una mano. Lo sabías hacer o no,  aun y así, no conseguía nunca mi objetivo: colocar un cero. Si hay unas pautas definidas y claras, si hay un patrón, si hay un espejo en el que mirarse el alumno y el profesor sabrán en que  han fallado ambos, y de mutuo acuerdo, pondrán un cero en la casilla correspondiente, uno para cada uno. Eso aun es válido para las ciencias y las profesiones con responsabilidad social, pues quiero que mi cirujano sea excelente y el arquitecto de notas brillantes.

Pero el problema en las artes plásticas, como sucede con los líderes políticos, es que no existen modelos  contemporáneos fiables. Por ejemplo, si el profesor se esfuerza por enseñar las virtudes de lo conveniente y pasa un video a sus alumnos de uno de los mejores dibujantes y artistas del S. XX, como Francis Bacon,  en un momento o en otro del film ,aparecerá la frase, la dichosa frase: "F.Bacon era autodidacta y repudiaba las escuelas, porque decía que no le podían enseñar nada y además pintaba por el lado no preparado de la tela, por el lado malo."

Un autodidacta puede hacer lo que quiera pero  las escuelas están huérfanas de modelos exteriores, de cánones oficiales y en consecuencia el único modelo fiable y del que se puede aprender mucho es del ejemplo artístico que ofrece cada profesor, el ejemplo de su búsqueda personal, el ejemplo de su aventura creativa de la que el alumno va  aprender mucho. En ese caso  habrá la complicidad y humanismo que debe existir entre maestro y discípulo, una complicidad antiautoritaria , una transferencia de conocimientos y una relación en la que exista la corrección  amable , el liderazgo seguro del maestro pero en la que no habita el humillante CERO.

   

 

  

Carles Hac Mor es un poeta, con camisa roja, que se ha propuesto reclamar para el arte su condición de enigma irresoluble, su condición autárquica y su dignidad. C.H.M quiere reivindicar la insumisión y el caos como la única manera fiable de aproximarse al arte . Según él mismo escribe: su principal objetivo son los "criticarros interpretadores que después de liarse y liarnos con clasificaciones  y concomitancias sensatas, siempre mal demostradas, concluyen que tal obra o tal otra, dicen tal cosa o quieren decir tal otra" .

  

Al leer esto, ninguno de nosotros queda redimido, todos nos sentimos aludidos ante tamaña acusación, ningún exégeta, ni el más honrado hermeneuta queda a salvo de su ira contrainterpretadora. Para los iconoclastas del sentido, para los contrainterpretadores del arte, este libro de  Carles Hac Mor, es un auténtico manifiesto, un pozo de sabiduría insumisa. Una ocasión única para fortalecer la desidentidad positiva  y aniquilar el ego racionalizador en beneficio de un caos positivo. Ya he glosado parte de su sabiduría crítica en el Post. sobre Jubany que antecede a este.

 

No hay duda  que Enderroc i Construcció (Derribo y Construcción) es un libro imprescindible , un ensayo fundamental para situarse en el núcleo del arte contemporáneo, pero haciendo honor al titulo del blog, he encontrado una fuente de rareza, de perplejidad  que no quiero dejar de señalar . Este monumento literario contra la interpretación se ha  publicado por  Arola Editors. Esta editorial no deja de progresar desde su fundación en 1998,   y  aunque tiene varias líneas de edición, se ha dedicado a publicar los textos herméticos más importantes de la tradición occidental. El mensaje reencontrado o el reloj de la noche y del día de Dios de Louis Cattiaux, Hermes Trismegisto, El origen de la alquimia, Un comentario sobre el Atalanta Fugiens, Hermes y la Tabula Esmeraldiana ,la   Belleza secreta o El buscador de orden  del propio fundador de la editorial :Raimon Arola, son algunos de los temas que se pueden encontrar en el índice de esta editorial. Todos estos títulos son anuncios, casi exhortaciones a la búsqueda  del misterio ontológico que se encuentra detrás de todas las cosas, de toda la existencia. Sin una buena capacidad interpretadora no se puede acceder a esos textos, se necesitan unas alforjas llenas de  buena fe, de confianza absoluta en la  exégesis hermenéutica basada siempre en  el amor. Sin fe, ni amor nunca aparece el significado simbólico.

 

 Las preguntas surgen  en racimos: ¿Cómo este alegato contrainterpretador del arte se ha publicado en una editorial fundada sobre los mismos cimientos de la capacidad por interpretar que tiene el ser humano?  ¿Cabe pues  ubicar al pensamiento de Carles Hac Mor, como un libro de revelaciones, junto a los de  Louis Cattiaux o a los de Raimon Arola? Si la respuesta es sí, entonces dispongámonos, con las herramientas adecuadas a atravesar el cristal sin romperlo, dispongámonos a operar con los útiles de la interpretación y el sentido para actuar sobre el libro revelado  de Carles Hac Mor como si fuera una Biblia, y entonces ,solo a través de la amorosa interpretación y la actitud adecuada, y la fe, podremos interpretar la contrainterpretación de sus textos  y accederemos a la esencia del sentido, al núcleo del ser y del no ser que su pensamiento esconde.

 

Si la respuesta es no, la controversia está servida porque el lobo habrá entrado en el redil de los corderos, y entonces su alegato contrainterpretador dejará mudos para siempre a los grandes autores herméticos, su sentido quedará definitivamente cerrado para todo el mundo. Solo escucharemos palabras, sonidos que no comprenderemos pero que nos producirán profunda reverencia al oír su pronunciación en el aire. Y entonces se repetirá el argumento con el que iniciaba esta extraña reflexión: Carles Hac Mor es un poeta, con camisa roja ,que se ha propuesto reclamar para el arte su condición de enigma irresoluble, su condición autárquica y su dignidad. C.H.M quiere reivindicar la insumisión y el caos como la única manera fiable de aproximarse al arte .

     

m.VIII.2001 acrilico/s/papel 160x120.

 

La casualidad ha hecho confluir en un mismo tiempo y geografía a dos viejos amigos Ramón Herreros en la René Metrás y Josep Lluis Jubany en Fidel Balaguer.  La afición de ambos a la cinematografía me pone a tiro un buen titular: Dos hombres y un  destino. Ambos se formaron en la Escola Massana de Barcelona y también en Eina, ambos formaron parte del llamado Grupo A y en los tres primeros años de la década de los setenta hubo gran comunicación artística entre ellos, y también con Nuria Vidal, con Isidre Manils, Ferran Garcia Sevilla, incluso hicieron una película, hoy desaparecida, llamada:" Imatge"  ,y por si fuera poco, ambos trabajaron en la editorial Destino. De Ramón Herreros ya hablé, ahora quiero hacerlo de Jubany.

 

Josep Lluis Jubany  hizo su última exposición hace diez años: "Vermell-Vermell en la Galería Joan Gaspar ,no se prodiga mucho y es  persona silenciosa, discreta, habla poco y no necesita que nadie lo explique ante los demás, que nadie le represente. Me da la impresión que no es persona a quien le guste la interpretación de su obra y que dado el carácter geométrico de su pintura , solo exige del espectador una actitud fenoménica adecuada. En esta misma línea,  Jubany  ha querido prologar su obra con los vapores contra-mercurianos de la contra-interpretación y ha querido contar con el No-Crítico  Carles Hac Mor. Este, en su texto : "El Arte de Jubany contra su Interpretación", alude al arte silencioso de este artista y argumenta que su obra no necesita muletas , que es lo que es en sí misma y que cualquiera que lo intente puede caer en el abismo del absurdo. En este texto hay una apología muy bien armada del no-ser como condición de lo artístico. Paradójica y ejemplarmente los artistas confían, cada vez más, en C.H.M,  a sabiendas de que, probablemente, no esclarecerá el enigma de sus obras, confían fielmente en alguien que es como ellos y que se aproxima  a sus obras con la delicadeza de un amante.

Fragmento de m.I 2006

  fragmento m.V.2001  

Yo Kokon , con modos modestamente fenomenológicos, he creído encontrar sobre la obra misma de Jubany la presencia física de esa instancia evanescente que C.H.M denomina como  no-ser. Lo he creído ver en las fronteras, en los bordes del encuentro de un color con otro, en ese espacio de nadie que aparece tras las reservas de los colores, para que se mantengan distintos, equidistantes pero en buena relación. Hay en ese lugar de nadie  un espacio en el que reside  lo artístico. Es decir allí donde se da la mínima expresión del yo del artista. Allí donde realmente existe el vacío y el silencio de la obra.

       

                  

 

gRACIES bENET

 

Ayer vino Enrique, un vecino y amigo  del 2º 1ª .Solemos hablar de cosas, de la escalera,de exposiciones, de cómo nos va todo. Como era lógico salieron a relucir los terribles episodios de días pasados. Yo le expliqué las circunstancias que viví y el añadió alguna más. Hablando y, como el que no quiere la cosa, Enrique me dijo que desde hace algún tiempo está interesado en un tema que le ocupa y me lo contó. A medida que hablábamos, como tenía el ordenador a mano, fui buscando algunos datos que me indicaba en la conversación,los fuimos curioseando y así fuimos a parar a su tema ,que para mí es nuevo y del que creo que es una importante reflexión para los tiempos presentes y futuros, me refiero al fenómeno físico-psiquico de :LA RESILENCIA.

 

  

 

Este neologismo y lo es porque no consta en la R.A.E., proviene del campo de la ingeniería, del campo científico y eso  es, en principio, una buena tarjeta de presentación. Por lo que he podido saber  es un término utilizado por  un neurólogo, psiquiatra francés que se llama Boris Cyrulnik (Burdeos, 26 de julio de 1937)que  además de sus credenciales como médico es un especialista en etología clínica del hospital de Toulon. La etología estudia el comportamiento humano, desde la óptica de lo humano, pero no olvidemos que los etólogos también estudian el comportamiento animal de los simios y los primates.

 

 La Resilencia , se refiere , originalmente en ingeniería, a la capacidad
de un material para adquirir su forma inicial después de someterse a una
presión que lo deforma. Tras un impacto  previsible por alguna circunstancia natural adversa, un material recupera su condición y sigue funcionando. Eso es lo que sucede con la caña de bambú.

Para conseguir una buena Resilencia es necesario prever las circunstancias adversas que pueden actuar sobre la cosa. Trasladando el concepto a las personas, al hablar de resiliencia humana se afirma que es la capacidad de un individuo o de un sistema social de vivir bien ydesarrollarse positivamente, a pesar de las difíciles condiciones de vida ymás aún, de salir fortalecidos y ser transformados por ellas y tras un impacto de fuerte conmoción traumática.

 

Esta aportación sobre la conducta humana, tiene antecedentes nobilísimos en la filosofía: desde la búsqueda de la Ataraxia estoica, pasando por los remedios epicúreos y acabando en la filosofía, que no religión, budista. Territorios que siempre me han interesado y sobre los que no dejo de trabajar. Ahora, la novedad  es que este  término Resilencia, que se parece mucho al remedio de un bálsamo, se ha puesto en boca de científicos y cuando estos toman la palabra quiere decir que hay algo urgente que resolver en la humanidad. Vivimos en tiempos crudos en los que se nos dice , con toda naturalidad, que sin saberlo, vivíamos y tomábamos el te de la tarde en un supuesto polvorín de un grupo radical. La muerte por pandemias es una constante amenaza, se nos dice que el tiempo de la tierra se acaba por los cambios climáticos y así la lista sería interminable. Ante estos sucesos la perspectiva de vida futura alcanza el tono más negro de la gama cromática  y hay que buscar un medio de oxigenación, un método que resuelva los posibles conflictos con los que nos podamos encontrar y que permita que el "murmullo de los fantasmas", titulo de uno de los libros de Boris Cyrulnik dejen de atormentarnos.

 

 

La Resilencia quiere potenciar desde la más tierna infancia, en los seres adultos y en los grupos humanos la capacidad de respuesta ,saber afrontar situaciones de crisis ante la destrucción , la presión, lo súbito, lo inesperado y  encontrar el camino de la superación del dolor y la muerte,  como situaciones límites ante las cuales se debe encontrar una manera de superación. Esta capacidad forma parte de la historia personal de la mayoría de las personas, que han sobrevivido a la adversidad utilizando la intuición y un saber improvisado, entiendo que la Resilencia, pretende educar desde la infancia para dar las herramientas adecuadas para afrontar la adversidad, fomentando en el futuro adulto la capacidad de construir o reconstruir su propia vida a pesar de las circunstancias difíciles. Ya he dicho que este principio me viene como anillo al dedo  por mi deriva hacia lo  oriental. El budismo requiere como primer requisito el reconocimiento del dolor como algo consustancial al ser humano, también reconoce que ese dolor obedece a una causa y que puede cesar porque hay un camino para conseguirlo. Es decir que , como predicaba el filósofo, mal llamado pesimista, Schopenhauer hay que reconocer que tras el reconocimiento "pesimista" de todo lo que nos afecta se augura un camino de acceso a un bienestar seguro.

Por último creo que como se suele decir, en el "argot" popular, y confirma la sabiduría taoista: los conflictos son la base del desarrollo, cuando aparece esta dialéctica se  está anunciando crecimiento, transformación y entonces el dolor se convierte en una buena oportunidad  para el crecimiento y la imperturbabilidad.

                    Para Guila 3

Yosu: dentro de un ratito cerramos un año más... ahora empiezas una libreta nueva, así que se aplicado y ordenado; cuando lleves unas semanas ya será como el año anterior.

Muchos besos y muchas felicidades,

Tu primina Guillermina     Guila los astros nos han emparentado felicidades a ti también en el día 3. Que tu libreta se llene de buenos artistas para tu fantástica galeria

 

Para Yosu 3.

                  

  

Una buena amiga me ha enviado la fotografía que acompaña este Post. Me ha dicho que esta imagen  se llama "las manos de Dios" y  que sale una vez cada dos años en Okinawa, sur de Japón.  No conocía este fenómeno , pero es curioso que se dé en Okinawa que es la patria del Kara-Te. Un arte marcial que empezó denominándose Okinawa - Te y que contiene todo el espíritu del vacío en las dos manos, convirtiendo la mano  desnuda ( Te) en un arma letal. Las armas más eficaces son las manos vacías.  Y la naturaleza lo recuerda cada dos años. El que no quiere nada lo tiene todo,las manos vacias están llenas.

   

                             

 

Según el concurso convocado para ser nombrado,el nuevo director deberá tener titulación superior universitaria y acreditar "una trayectoria y experiencia en la dirección de centros de arte contemporáneo"..

Los aspirantes deberán entregar las solicitudes antes del 14 de marzo, que serán evaluadas por una comisión de expertos integrada por Lynne Cook, María Corral, Chris Dercon, Vicente Todolí (comité asesor del MACBA), el galerista Carles Duran, el artista Pere Portabella, el filósofo Xavier Antich, Vicenç Altaió (departamento de Cultura), Ainhoa Grandes (fundación MACBA) y Marta Clari (ayuntamiento).

En la valoración final se tendrá en cuenta el grado de conocimiento de la realidad artística catalana, así como la capacidad de generar contactos con otras instituciones estatales e internacionales, y el conocimiento de catalán, castellano e inglés. Será requisito imprescindible tener nacionalidad española o comunitaria, pues "en el resto de los casos el nombramiento quedará condicionado a la obtención de la residencia legal en España".

El candidato ganador suscribirá un contrato de alta dirección de cinco años de duración con la posibilidad de renovación, con unos honorarios estipulados en 120.000 euros brutos anuales.

 

La noticia abre todo tipo de posible comentarios y chascarrillos divertidos: sobre el hecho de que alguien solicite algo así  de un mes para otro, como si fuera posible que uno pueda levantarse un día y decir: voy a ser director del Macba, o  que haya una sesuda comisión en la que el acero lucirá resplandeciente para hacer prevalecer sus candidatos, o sobre el delicado tema de la exigencia del conocimiento lingüístico a  un posible candidato extranjero que  quizá no tenga ni residencia en el país por parte de una comisión en la que casi seguro que por lo menos tres o cuatro de ellos no cumplen con la norma que exigen, la pertenencia al área comunitaria, la firma de un contrato millonario  que haría babear a cualquier catedrático, pero yo de todas esas condiciones la que quiero comentar es la que recoge el primer requisito:"deberá tener titulación superior universitaria".

 

Yo soy universitario, me licencié en la Universidad Autónoma de Barcelona, posteriormente pude dar clases en la misma facultad de letras en la que había estudiado pero nunca he dejado de tener una actitud crítica hacia esta institución. Una actitud de revisión constante que me inculcó la lectura de un texto que escribió Josep Plá el 19 de Junio de 1918 en su "Quadern Gris". En ese texto, el vapuleo a la institución universitaria aun  tiene plena vigencia. Tenemos una general obsesión sindromático- americana de que lo único bueno se encuentra en la universidad, todos mis compañeros, los que no conocen, ni  han dado clases en la universidad, quieren conseguir ese fin. Los jóvenes no tienen otro deseo. Pero Josep Plá, en el citado texto, decía lo siguiente:

 

"Todo en su conjunto :los profesores, los libros, las ideas, los bancos, los patios, las aulas, los bedeles, las conversaciones, las piedras, las columnas, los condiscípulos&todo me ha dejado una impresión flotante de angustia fría, de cosa forzada e incomprensible, de absoluta falta de interés. En este ambiente no he encontrado, hasta ahora, nada que incite mi curiosidad, ni siquiera por parte de aquellos que habrían podido hacerlo. Una gran parte de los alumnos que atraviesan la puerta del edificio inmenso está perfectamente convencida  que no hay nada que hacer. A veces pienso que si los obreros, los comerciantes, los industriales, los campesinos, los banqueros fueran en el trabajo, en la industria, en la banca, en la tierra, como los profesores de la Universidad, todo se detendría y quedaría parado. El mundo se pararía en seco.

Soñar la Universidad&!Es absolutamente grotesco! Este mundo que incita a soñar tan bellas cosas & &.

 

La universidad ha cambiado mucho, ahora  se dan carpetas, lápices y pegatinas, se ponen tiendas de chuches, y objetos de diseño en las plazas cívicas, en las mismas donde antes descansaban los guerreros de la revolución estudiantil, ahora se busca la rentablidad a toda costa, la ratio y la promoción de la universidad como empresa en un mercado competitivo, pensando que así se vivificará, pero no es así, cada vez estamos más atontados.

 

En cierta ocasión, escuché una anécdota al catedrático de Literatura Española Francisco Rico que decía, con mucha gracia, lo siguiente: "recuerdo que  cuando yo estudiaba, entraba el profesor y decía: ¡buenos días! Y nosotros contestábamos :! buenos días!, luego viví, como profesor la época de la revuelta estudiantil, y el profesor entraba en el aula y decía: ¡buenos días" , a lo que los alumnos contestaban: ¡eso habría que discutirlo", ahora , ya mayor, entro en el aula y digo:!buenos días ¡ y los alumnos apuntan con sus bolígrafos en el papel: ¡buenos días! Y se quedan mirándome .

 

Me molesta este requisito porque crea un modelo de comportamiento artístico equívoco y paralizante para los artistas que arriesgando cada día en su búsqueda personal, nunca se han planteado que la condición universitaria sea requisito inexcusable para la titánica labor de la creación que llevan a cabo.. Ese desajuste me molesta profundamente, porque establece una prevalencia del saber teórico sobre el práctico, del conocimiento científico sobre el intuitivo, de la palabra sobre la imagen y de tantos y tantos agravios que se pudieran deducir. Aun recuerdo la zozobra en la que se vió sumida la antigua Escuela de Belllas Artes de San Jordi  de Barcelona, cuando unos sesudos caballeros decidieron hacerla universitaria, de la noche al día, los caballetes, los tornos para el barro y la piedra, los fogones de los fundidores se convirtieron en bolígrafos , papel y mesas pulcras.

 

     

Estos días de tristeza y recuerdos, cualquier cosa se convierte en un indicio. Ayer Viernes fui a ver la exposición de Ramón Herreros en la René Metrás. Presentaba una serie de ocho cuadros con el título de :EL LUGAR DE LA FELIZ LLEGADA.

Como se puede suponer , de inmediato pensé en el reposo, en el encuentro con la felicidad última, el regreso a un lugar celeste y definitivo y sobre todo en LOS CAMBIOS. En un magnífico texto de tono personal y reflexivo, Ramón Herreros  reconoce que el estado anímico que los ha generado, no es un estado de alegría sino que, dice : " está mucho más cerca de una reflexión sobre la muerte. La muerte como misterio último, no dramática, más bien serena y conectada con un desconocido intuido de un modo esperanzado".

El título alude a la traducción del término griego Eleusis, como : El lugar de la feliz llegada". Ramón Herreros ha cogido el lado femenino del misterio Eleusino, ha hecho aparecer unos cuerpos de mujer junto a unos elementos, atributos que dialogan con la figura y que según el mismo artista reconoce, contienen misterios estremecedores que le han hecho cambiar la comprensión de muchas cosas. La mujer aparece aquí, como en la ciudad de Silvia de José Luis Guerin, como la portadora del secreto inalcanzable.

Sobre Ramón Herreros se han escrito muchos textos interesantes: Antoni Marí, Jorge Wagensberg, Eugenio Trias y sobre todo los hermanos Felix  y  Jordi Ibáñez Fanés.

Cada uno de ellos, a su manera, se han acercado a la obra de Ramón Herreros.

  

Un texto que siempre recuerdo, lo escribió Félix Ibáñez Fanés sobre Ramón, cuando este se encontraba en el apogeo de su etapa abstracta para un catálogo de la Galería Alejandro Sales, en ese momento nadie dudaba de la calidad y la belleza abstracta de la obra de Herreros y Félix escribió un comentario magnífico  frente a la tela :"Le Lion Vert" en el Otoño de 1988.Un texto con clave literaria  que acababa de un modo inesperado: Dos amigos se encuentran después de mucho tiempo, pasean por la ciudad, un grupo de titiriteros danzan y bailan, de repente uno de ellos se dirige a una mujer del grupo y le da dos fuertes puñetazos, ante la sorpresa de todos, los espectadores y los dos amigos se van, continúan su paseo y más tarde los vuelven a encontrar, comiendo en una taberna, uno de los dos amigos, no puede evitar su rabia cuando vuelve a encontrarse ante el autor de la agresión y sin poderlo evitar, señalándole con el dedo amenazante, le pregunta:¿Por qué le has pegado? A lo que el titiritero , de un modo sorprendentemente culto, contesta :el entorno se mueve, nosotros permanecemos quietos, ¿el que no nos movamos, el que continuemos siendo los mismos, significa que es eso lo que queremos o es que, quizás, no somos capaces de ser de otra  manera? No tener respuesta para esta pregunta me saca de quicio ¿y por eso has pegado a la mujer?El hombre se encogió de hombros y dijo: "A veces  me parece que ella tiene la respuesta y no quiere dármela".

Esta terrible reflexión sobre el secreto que posee la mujer sobre la naturaleza de la permanencia y el cambio cobró rabiosa actualidad, cuando unos ocho años más tarde, hacia 1995 Ramón Herreros dió un giro inesperado que sorprendió a todos los amigos  que asistimos , en su estudio de Horta, a la nueva deriva de su acción artística: la aparente sustitución de una gramática de formas abstractas, ya asumidas totalmente por el artista, hacia una nueva figuración en la que las claves simbólicas sustituían al poder de la forma fue una sorpresa mayúscula para todos. Yo incluso pensé que  era una broma inteligente. No era así, el camino iniciado por Ramón Herreros era deliberado y honesto, aunque no fuera del agrado de todos. El autor es soberano y decide en cada momento lo conveniente.

                  

                   El punto inmóvil(tres telas 195x130) O/s/T 1996.

                 

                      La Montaña Invertida (97x162) O/s/T.1996

En esta nueva etapa, como si un hilo invisible uniera las dos épocas, hizo una exposición doble en la Galeria Senda y Rene Metrás, en el catálogo escribía Jordi Ibáñez Fanés , hermano menor del ya citado. El texto se llamó "El Punto Inmóvil" que era el título de un tríptico que Ramón Herreros presentaba en esa exposición. Los principales argumentos los cifraba en torno a las dos obras que he reproducido: "La Montaña Invertida" y "El Punto inmóvil" .Los argumentos de Felix Ibañez eran crípticos, literarios y daban en el centro de la cuestión. Los de Jordi Ibáñez, recogían el tema , donde su hermano lo había dejado, y se hacía una especie de cesión del testigo en una carrera de relevos. Los argumentos de Jordi Ibáñez Fanés no eran herméticos, sino que se construían sobre un autor hermético, que no es lo mismo, se construían sobre el libro de René Guénon: Símbolos Fundamentales de la Ciencia Sagrada. El sentido axial de la montaña invertida, los árboles, los corazones y las mujeres. He aquí el prodigio, mientras la etapa abstracta generaba discursos crípticos, del hermano oscuro, la nueva etapa  aparentemente críptica descubría símbolos explícitos de diccionario hermético del hermano claro. Entre ambos, el artista escribe en su última exposición una imagen extraordinaria, dice: "Ahora yo también he pasado a ser un espectador más de mi propia obra. Como les sucede a algunos animales, para los que en un preciso  instante sus hijos dejan de serlo y pasan a convertirse en otros animales, así sucede con mi trabajo. Sin saber porqué en determinado momento mis cuadros dejan de ser mis cuadros." La extrañeza, la perplejidad ante la naturaleza de lo cambiante crea desasosiego y un agobio invisible y falso actúa sobre aquellos que creen que debiendo cambiar no lo hacen, creo que una de las claves del conocimiento consiste en comprender la auténtica naturaleza del libro de los cambios y como estos se producen de un modo suave e involuntario, se producen cuando debe ser, pasando a ser espectadores de nuestros propios eventos y derivas.

        

                         

Caminé por la ciudad para desvanecer la pesadilla del lunes. No conseguía borrar la imagen de sus pies desnudos sobre la acera , fui caminando ciudad abajo. Entré en el CCCB y cogí descuidadamente, sin mucho interés, un folleto que anunciaba  para ese maldito día 21, en el  que sucedió todo, el inicio de un curso sobre : la Condición Humana.:"El Sentido de la Vida" por Ferry Eagleton, profesor de teoría cultural  de la Universidad de Manchester y autor del libro "The Meaning of Life. El resto de los temas eran: el sentido de la espera, la violencia, la creación, la vulnerabilidad y la supervivencia, la locura y la razón, la amistad y la palabra. Pensé que era una lista exacta de los principales motivos del desastre que acababa de vivir el día anterior y me refugié en las palabras de la presentación de folleto y en mis propios pensamientos: todos sabemos que el momento en el que vivimos está conformado por una crisis de los referentes que tradicionalmente han dado soporte logístico a la existencia humana. La incertidumbre sobre el futuro es total y vivimos alarmados .La crisis de modelos paradigmáticos plantea  la necesidad de repensar sobre los trazos principales que nos definen como personas y para eso lo principal es el reconocimiento sobre la existencia del dolor y la posibilidad de que este pueda cesar de un modo feliz, nunca trágico, nunca con la muerte.

    Junto al mostrador principal del CCCB, una música repetitiva y serena anunciaba la instalación que José Luis Guerin  presentó en la bienal de Venecia de este año con el título de "Las mujeres que no conocemos".Los habituales recordarán que ya escribí en otro post.sobre la película de Guerin: "En la ciudad de Silvia" , allí decía que conozco a este director de cine y que vivo en una casa que está un número más allá, en la misma calle ,  y lo más  dramático  es que ambos vivimos enfrente de  la casa en la que el lunes sucedió la tragedia. Nos convocaba una extraña confluencia de casualidades que se organizaban de repente de un modo misterioso. Entré en la exposición , había bastante gente, observé que había muchas mujeres viéndola , la oscuridad de las salas estaba iluminada tenuemente por las pantallas de proyección de las fotografías, la música sonaba cíclicamente, sin parar, cadenciosa, un silencio litúrgico dominaba las salas mientras las personas caminaban lentamente, sobreponiéndose sus rostros a los de las  mujeres de las pantallas, los rostros aparecían y desaparecían. La búsqueda incesante y  la ausencia, son los principales argumentos de la película de José Luis Guerin y en las circunstancias en las que yo me encontraba cobraban un tono dramático.

                 

                 

                 

                 

 

                 

Poema para un amigo muerto

 

PARCA  

Jo, només,i les hores

i els seus morts que s´allunyen

a poc a poc per llargues

rengleres de silenci.

Temo al mirall un rostre

excessiu i sobtades

nits amb veus, la profunda

certitud de les coses.

Tot és en va.Vells ecos

de respostes buidaven

de sentit la ferida

que sóc,tans sols un home. 

On,per què? No sabria

dir-m´ho mai, però sento

com aquells dits em filen,

enllà de mars, d´escuma

d´estranys somnis,un únic

camí sense fugida.

De Mrs.Death   Salvador Espriu

                  

                  

 

Fotografías de kokon sobre una exposición de fotografías de Pierre Gonnord

 

La tradición es una llama que se extingue. Nos hemos empecinado en la diferencia, decimos constantemente que todo debe cambiar, usamos todo tipo de artimañas para darle la vuelta al calcetín de la costumbre. No queremos dejar ni un milímetro sin rastrear con la nariz de la  cultura occidental en otras tradiciones. La última es de hace unos días cuando desde Sydney, en el lejano territorio Australiano, nos han anunciado que una antropóloga es la primera occidental admitida como geisha en los 400 años de historia de esa institución, reservada hasta ahora a mujeres niponas. La  responsable de ese cambio tan radical se llama Fiona Graham, natural de Melbourne, debutó oficialmente hace un mes en Tokio y  su nombre de geisha, es Sayuki, según reveló la antropóloga en una entrevista al rotativo 'Fairfax'. El mundo de la Geisha es la esencia de Japón, su misteriosa presencia festiva es inquietante y  los occidentales no podemos comprender su delicada actitud, ni su sumisión, pero ya estamos dentro. 

El fotógrafo francés Pierre Gonnord se acercó con su cámara a ese cerrado mundo y nos ofreció la imagen estética de unas bellas mujeres japonesas confrontadas con los  Onnagata, unos hombres educados desde la infancia para ser perfectas mujeres en la escena. Gonnord puso su objetivo frente a lo que él llama el "far est", el lejano Este, con la intención de bucear sobre la noción de identidad de varios personajes japoneses y entre ellos las Geishas. No le interesaba el Japón sociológico, ni la tradición ni la modernidad tan solo buscaba la esencia de los personajes  de un mundo en el que  fueran geishas u Onnagata son adorados como divinidades a pesar de ser pura apariencia estética. Gonnord con su cámara se  pregunta sobre su propia identidad sexual , también obliga al espectador que se pregunta quién es , quien hay detrás de la apariencia convencional, de los códigos, del rol personal. Y que perciben los demás de esa apariencia. Su trabajo respetaba la tradición de un país que él no alcanzaba a comprender.

 

En el caso de la antropóloga Graham, el objetivo es bien diferente, su presencia entre las Geishas  será el caballo de Troya que introducido en el seno de ese mundo,  anuncia un primer paso para la destrucción de otra tradición en el Japón. La prueba es que Fiona Graham  después de su terrible esfuerzo por conseguir su logro, después de aprender habilidades artísticas como la ceremonia del té, el arte de la conversación, la danza tradicional o interpretar la flauta, después de estudiar varias horas al día para perfeccionar el arte de la Geisha, después del laborioso y tradicional maquillaje facial y del ritual de ceñirse el kimono, después de todo ese descomunal esfuerzo su objetivo no es otro que hacer un  reportaje filmado sobre sus experiencias para el próximo año y pasar a  los anales de la documentación antropológica. Un desastre.

  

 

 

 

 

 Manel Esclusa es, sin ninguna duda, el mejor fotógrafo español contemporáneo ,su capacidad  de aportación creativa supera los límites provincianos de la fotografía para convertirla en una práctica artística más. Sus fotos nocturnales en los años ochenta merecen estar en la antología estética de nuestra época. Conozco a Manel Esclusa desde los tiempos heroicos de Eina. Cuando esta escuela era la Universidad Libre de Barcelona.  Me lo encontraba, los Jueves, subido en su Harley rugiente, chaqueta de cuero negro, reflejos plateados y botas de punta ,  me hacía sentir en un país moderno, aventurado e intrépido. Esos jueves, yo bajaba por la avenida de Vallvidrera como si lo hiciera por una calle de San Francisco y llegaba al centro de la ciudad con un aire renovado. Sus ojos estaban siempre enrojecidos por la nocturnidad y los liquidos del laboratorio. Desde 1979, sus trabajos se han centrado en la fotografía nocturna; el espacio urbano  y la noche como escenario. Busca materializar la luz, la luz como arquitectura; la luz y la oscuridad como símbolos; visualizar el tiempo a través de largas exposiciones, el tiempo fotográfico dilatado; la fotografía gestual, el movimiento. A partir de 1995, trabaja con sistemas de representación para el diagnóstico por imagen que utiliza la ciencia médica (TAC) y realiza una serie de autorretratos del interior de su cuerpo .Su vanguardismo le permitió incluso  hacer un ritual demiúrgico de revelación, inspirado en la caverna platónica, en el año 1990 en la Fundació Miró, acción en la que participé con mucho entusiasmo.Hoy he ido a ver una exposición de Manel Esclusa en la Galeria Fidel Balaguer www.galeriafidelbalaguer.com  que está hasta el día 19 de Enero y en la que establece un diálogo fotográfico con un discípulo suyo: Marcelo Brodsky. La exposición, bajo el título de "Correspondencias" recoge un diálogo visual entre ambos que durante un año se han "carteado" imágenes. Uno enviaba una fotografía , el otro le correspondía. Un dialogo "epistofotografico" que ha culminado en una primera exposición, los lenguajes y estilos son marcadamente diferentes y no hay posibilidad de confusión.   

  

                                                                       Edo en su estudio 

Poniendo orden en los papeles he encontrado un pequeño catálogo que me dio afectuosamente  el pintor Edo hace unos  cinco años. Este artista ha trabajado constantemente, sin parar, día tras día desde  1957. Cincuenta años, desde los albores del informalismo y la abstracción en España hasta la actualidad. Edo ha convivido con su compañera Aurelia durante los  años de disipación y lucha, durante todo este tiempo no ha tenido muchas oportunidades para enseñar su obra y hoy quiero recordarlo desde aquí y rendir un modesto homenaje a los artistas, que sin gozar de reconocimiento público , nunca han dejado de trabajar. Lo visité, acompañado de mi amigo Gonzalo, en su  piso-estudio en el que entonces vivía y trabajaba este apóstol de la pintura de acción, un olor intenso  a aguarrás y pintura exigía que  en pleno invierno  las ventanas y las puertas estuvieran  abiertas,  la calle invadía el espacio privado. Edo ha trabajado constantemente, las obras se amontonaban unas sobre otras pero en orden riguroso, montañas vivas de energía perseverante en óleo sobre papel que son el testimonio de una incesante actividad. Es un ejemplo de artista, pues obedece, exclusivamente, a la voz de su necesidad expresiva, nadie le exige la obra, nadie más que él ,es juez incesante e implacable de su propio trabajo, un trabajo que nunca considera concluido. Sus trazos caligráficos de reminiscencia oriental hacen honor a un nombre con eco de era imperial, son  cincuenta años de fuerza concentrada y energía perseverante en tres letras: E-D-O.

              

  

The Face of Another (Tanin no kao) es una novela escrita por Kobo Abe en 1959,siete años más tarde, en 1966, el director de cine japonés Hiroshi Teshigahara (1927-2001)  hizo una película basada en esta novela y en la banda sonora, había un vals de  Toru Takemisu ( 1930 -1996) una partitura melancólica que acompañaba un guión truculento y oscuro.  El tema de la película lo interpreta una orquesta compuesta íntegramente por japoneses.Takemisu ha escrito música para cine y también tiene una importante obra de música contemporánea en la que une principios estéticos occidentales y orientales. Ayer mientras hacíamos la caligrafía de primero de año, sonaba su música.

 Le son-calligraphie está dedicado a este arte,también le interesaba mucho el arte del jardín tradicional japonés.  

 

 

 

                

 Ayer fue un día muy importante. Hice la ceremonia de la primera caligrafía del año, un ritual necesario para los adeptos a este arte. Y la hice con quien la debía hacer, con  Abiko Keizo Sensei.  Después de un largo trayecto, a tres horas de viaje desde Barcelona llegamos a Miraflores, María, Eva y yo. Nuestro Maestro no propone nunca nada, nos enseña algunas cosas y de un modo natural, acabamos decidiendo lo que él ya había pensado. Así, de un modo suave, apareció una frase de ocho letras como modelo para la primera práctica de Shodo.

Al Buda niño se lo presenta de pie, erguido, con la mano derecha señalando el cielo y con su izquierda, la tierra, mientras  pronuncia la frase, que en japonés se pronuncia: TEN JO TEN KA YUI GA DOKU SON (cielo arriba, cielo abajo solo uno mismo sagrado) .Este acontecimiento se celebra el día ocho de Abril, y  la frase tiene ocho KANJIS y cómo estamos en el 2008 eso debía ser muy bueno y esa fue la frase que escribimos. Un buen augurio para todos en estos primeros días del año.

                                             kOKON