TODO ES MUY RARO

    

Las escuelas de arquitectura, desde el apogeo posmoderno, preparan a sus alumnos para que sepan construir invisiblemente, que sepan levantar sus muros virtuales en un territorio imaginario,  en un paisaje inexistente . La escuela de arquitectura enseña a hacer lo más preciado del ser humano, enseña a construir, pero esta fenomenología hecha de cálculos de estructuras y conocimiento de materiales solo la pueden llevar a cabo unos pocos y por lo tanto las enseñanzas se han convertido en materia especulativa, en conocimiento teórico de un alto valor simbólico. Lo mismo ha sucedido en las Escuelas de Bellas Artes.

 Una vez escuché una charla en la escuela Eina de Barcelona del arquitecto mallorquín Josep Quetglas, el título era muy sugerente:"No tengo nada que decir", me preparaba a escuchar una conferencia muda. Lo cierto es que no paró de hablar y de modo brillante. Yo creo que este profesor ha impulsado un modo desconcertante de entender la arquitectura, ha convencido a sus alumnos, con sólidas y brillantes razones, como otros en Bellas Artes, que deben hacer una construcción invisible pero de alto contenido simbólico, supongo que bajo la máxima: No tengo nada que construir ha consolado a muchos. La negación constructiva la hace desde el conocimiento del oficio, puesto que es arquitecto, y eso cobra mayor relevancia como modelo. Pudiendo construir, no lo hace. Este argumento ,llevado al terreno de las artes, ha creado mucha confusión en aquellos escultores que "pudiendo" actuar no lo hacen, y así con los pintores, los dibujantes o diseñadores que en lugar de rozarse con la materia se pasan el día en la biblioteca , reforzando su opus mental, virtual, tal como aconseja Quetglas. Dadas las pocas oportunidades de trabajo que tiene los arquitectos, la construcción , el OPUS invisible es la solución y por eso, la figura de Josep Quetglas es imprescindible para la superviviencia de la escuela de arquitectura. Para decirlo de modo  fino, para la supervivencia de las  estructuras de lo simbólico y lo imaginario.

 

Todo esto desde la óptica kokónica tiene aspectos buenos y malos. Mi vecina la arquitecta Vincenza Galleotti en su defensa de la arquitectura virtual puede pensar de un modo "quetgliano" y creer que el "opus" no es necesario. Me refiero naturalmente al opus reticulatum, opus espiculatum, opus testaceum,,,,es decir a la obra, la obra constructiva, la que inventaron etruscos y romanos. Ella puede creer que no hay nada que construir, pero ahora se encuentra comprobando "bajantes", afirmando suelos, tirando tabiques de su futura casa posmoderna y encargándose de las obras de su edificio. La deriva de la construcción invisible es  crear casas con alto contenido simbólico que convierte el "habitat" en un escenario vacío solo apto para ser pensado o si existe fotografiado. Y ahí hay un peligro, como escribí en su día:

Il Manierismo o lo stesso stile Barocco ci ricordano che il dubbio sempre porta con sé una illusione ottica,una finzione, una immagine che ci inganna e ci permette di sopravivere..La semplicità minimalista dei musei, le piazze austere o il formalismo postmoderno fatto di pezzi; eclettismo e piacere, nascondo la stessa angustia e inquieta curiosità dell´archittetura dipinta di Borromini nella Galeria di Palazzo Spada o del portale del Palazzo delle Dos Aguas di Valencia. Lo sguardo è l´unico argomento e giochiamo a ingannarlo. L´architettura contemporanea si converte così in uno spazio scenico nel quale non sucede mai niente, la sensazione d´assenza d´argomenti e attori è angustiosa. Construiamo per veder e in qualche caso perche ci vedano. Come  moderni Narciso solo vogliamo contemplare il nostro propio ottico in una ceremonia di autocompiacimento. Tutto è pronto affinché il fotografo o il passante facciano il loro clic visivo. 

           

.  

 

El nivel de ruido va en aumento. Los decibelios rompen los niveles exigidos y mi cabeza está como un bombo. Hay ruido de  martillos neumáticos en la calle por obras de Endesa desde hace veinte días. La radial, los martillazos, los camiones de la obra en construcción junto a un muro de  mi casa en la finca colindante  y , por si fuera poco, las obras ruidosas en el propio edificio debido a la mudanza de unos nuevos inquilinos, que ponen su casa al gusto. El ruido va asociado a la arquitectura. Puede ser que los edificios inteligentes sean el futuro de las ciudades pero el nivel de ruido de la construcción, la polución sonora del albañil no cambia con el tiempo. La técnica constructiva, martillos, golpes, taladraciones no avanzan a la par que las ideas de los arquitectos. Me imagino que la arquitectura virtual que propone la nueva arquitectura y de la que es un buen ejemplo Vincenza Galleotti, eliminará todo este festival de ruidos procaces, violentos, molestos, polvorientos. Hacen más ruido que cuatro adolescentes con las hormonas desatas haciendo una fiesta o que cualquiera de ellos tocando desaforadamente la guitarra eléctrica en el patio vecinal de un piso del ensanche. !Cambiarán muchas cosas en esta finca!

La arquitectura virtual será como las alas de los ángeles: no pesará, los albañiles de la ciudad virtual construirán con su pneuma, de su respiración saldran los ladrillos, su mente levantara muros. Pero atención, que como escribí hace tiempo:

 

Mai l´archittetura è stat tanto vicina alla visione.La condizione "retínica", oculare dell´architettura è una caratteristica delle epoche di dubio e transizione.Il Manierismo o lo stesso stile Barocco ci ricordano che il dubbio sempre porta con sé una illusione ottica, una finzione, una immagine che ci inganna e ci permette di sopravvivere.

 

Lo que quiere decir que cuando prima la visión y la virtualidad recorre su camino se puede llegar a hacer una arquitectura para mirar que es la característica de las épocas de duda y transición. Hecha de efectos visivos y trampas al ojo. Entonces   Che fare?   El Ruido ensordecedor de los constructores o la evanescencia digital, la ilusión óptica mucho más silenciosa o el retumbar del martillo pneumático. Ahí se encuentra la encrucijada de Vincenza Galleotti: Callar o hacer ruido.

 

 

                            

Yo tengo una vecina virtual, bueno quiero decir que le va lo virtual. Es especialista en todo aquello que el ordenador sea capaz de fantasear. Para ella los lugares son virtuales, vive  el cambio de los patrones sociales esos que viven en el mundo virtual, el cambio de las relaciones, la tecnología básica y el comportamiento humano estudiado por Paul Virilo, las consecuencias urbanas de la virtualidad ,es arquitecta y le interesa la arquitectura de  casas y ciudades virtuales, las Infraestructuras digital de los edificios, la escala de niveles de las interfaces, las relaciones virtuales , mentales , el futuro de las comunidades virtuales  las imitaciones virtual del mundo físico Le preocupa de que manera los medios pueden influir en las interacciones con nosotros en la vida real, la ciencia ficción y temores contemporáneos, una nueva dinámica diferente a la de una situación de hace 100 años, de identidad en el ciberespacio,  el cuerpo, la interfaz, le preocupa la identidad múltiple, los tiempos modernos, la modernidad, futurismo, Metropolis el cine, la película Matrix, la ciencia ficción como un caso de estudio, los avatares, las normas de comunicación, como la principal seña de identidad : las personas y el uso de ordenadores, la psicología, chatear en la red,cree que eso es una experiencia mística, va  experimentando la ciudad virtual, compra  recuerdos virtuales, visita tiendas virtuales y museos virtuales, &

Por si no ha quedado claro todo es virtual para ella.Pero estos dias esta atareada en conseguir que un chorrito de agua llegue desde las montañas hasta su casa recién pintada, mudada. Además nunca nadie en la escalera había hecho tanto polvo real debido a sus obras no virtuales. Le han subido pesados electrodomésticos y, como ya escribí en su día, prepara su casa como un escenario:

 Il passante moderno circunda l´architettura con uno sguardo inocente e curioso,la visita,la vede fotografata, però non la sporca,non la sfiora,non la distrugge vivendola.Neanche la compra.Mai l´archittettura è stata tanto vicina alla visione virtuale. Continuara? 

 

                       

Dedicado a Daniel que me metió en esto.

No entiendo porqué los distribuidores cambian los títulos de las películas. Viaje a Darjjeeling tiene otro nombre en inglés: The Darjeeling Limited. El sentido es muy diferente. En el primer caso lo importante es la travesía hacia algún sitio, en el segundo es el nombre del tren en el que se hace la travesía. En el primer caso parece que hay un objetivo, en el segundo el objetivo es el propio viaje. La sinopsis del film es la siguiente: Francis, Peter y Jack son tres hermanos que se han ido distanciando con el paso del tiempo y ya ni siquiera se hablan. La muerte de su padre los reúne de nuevo y de ese reencuentro surge la necesidad de volver a estrechar sus lazos familiares. Es entonces cuando Francis que ha tenido un grave accidente, el mayor de los hermanos propone un viaje en tren por la India a modo de peregrinaje espiritual. Un viaje como hicieron tantos jóvenes hace más de treinta años, ahora lo hacen vestidos de diseño, escuchando música en Ipod y con un secretario que lleva un Mac portátil. El objetivo es llegar hasta donde se encuentra  la madre de los tres que se ha hecho religiosa católica y predica el evangelio, con su ejemplo, en una remota aldea india. El recorrido lo harán en el Darjeeling Limited, la línea ferroviaria que recorre el país de un extremo al otro. Ya en el tren, comienzan las peleas, las disputas verbales y hasta físicas y su comportamiento llega a tal extremo que son obligados a apearse del tren por un correctísimo revisor con turbante..

 

Antes de entrar al cine me he metido en la iglesia del Pí, para hacer tiempo. Los que no la conozcan han de saber que se encuentra en plena zona turística y popular, cerca de las Ramblas de Barcelona. Me he sentado en un banco, justo cuando empezaba el oficio religioso de las ocho de la tarde. Bajo una banderola que decía "Convertíos", el cura de la parroquia y su ayudante han empezado su liturgia. Era una misa cantada por los pocos fieles que asistían en la gran nave central. He recordado mi época escolar, cuando ir a misa era obligación de la buena, de la de verdad. En esa época las iglesias estaban llenas, yo recuerdo hasta gente de pie. Me ha llamado la atención que, a pesar de ofrecer un buen refugio al caminante y turistas de esa zona, entra muy poca gente a sentarse en los numerosísimos bancos vacíos de la iglesia, y estaba pensando que debía ser por una señal de respeto hacia lo religiosos aunque no se compartan las creencias del lugar. Las personas o bien no entran y eso ya me llama la atención, porque parece que les pueda dar miedo o algo así ,o si entran por turismo, por curiosidad o por cansancio, guardan un silencio muy respetuoso hacia el lugar. Los sitios espirituales y religiosos tienen una fuerza especial al margen de la fe que allí se profese. Ese es un fenómeno que lo otorga la fuerza del lugar.

En este viaje a Darjeeling, los tres jóvenes hermanos pasan por templos y aldeas de la India, buscando la respuesta que les falta, pero la encuentran solo al final cuando regresan a Nueva York y se desprenden de las pesadas maletas de su difunto padre.

 

http://www.viajeadarjeeling.es/

  AÑO 2007 DIRECTOR Wes Anderson GUIÓN Wes Anderson, Roman Coppola, Jason Schwartzman MÚSICA Varios FOTOGRAFÍA Robert D. Yeoman REPARTO Owen Wilson, Adrien Brody, Jason Schwartzman, Anjelica Huston, Bill Murray, Amara Karan, Camilla Rutherford, Irfan Khan, Natalie Portman  PRODUCTORA American Empirical Pictures / Cine Mosaic / Scott Rudin Productions

                                                           

                     

 

Es sábado tarde. Las familias visitan Caixa - Forum. Padres responsables quieren educar a sus hijos y los llevan a ver como los Etruscos se enfrentaban a la vida, a la muerte  y a todo lo que les atemorizaba. Tumbas policromadas para hacer más dulce el viaje. Objetos rituales. Los padres responsables educan a sus hijos en la cultura para que puedan saber cosas, aprobar exámenes, triunfar . Hay tantos niños y niñas correteando  que incluso resulta molesto. Padres escondiéndose detrás de las columnas, haciendo cosquillitas a sus niñas. Todo es felicidad y cultura. Se forjan los públicos de las futuras exposiciones del mañana. Pero ninguno de ellos se ha atrevido a hablar de lo fundamental, de lo que les asusta, de sus propios errores o deseos prohibidos.

Cerca de ahí, en la Mediateca, en un lugar reservado, casi privado,  Begoña Egurbide muestra cinco vídeos sobre el deseo imposible, sobre el deseo roto de los niños. Ahí no ha entrado ningún padre responsable , ningún niño, ni niña en formación. Solo cinco adultos miran el desencanto del anhelo no alcanzado.

 Begoña abandonó sus crípticas señales cabalísticas pre apocalípticas de los años noventa por  la vida. Decidió convertir lo cercano, lo próximo en la materia prima de su trabajo: hijos, amigos, amores, se dedicó a transformar todo lo que tenía cerca. Su obra se convirtió en registros fotográficos en grabaciones en video de todo lo que le afectaba : El abandono El desencanto El deseo El enfrentamiento El juego El placer La intimidad La seducción La ternura Infancia Los enamorados Los Suicidas  Retratos Infancia Labios Muñecas Secretos Tio vivo Princesas Maternidad Castillo de arena Pistolas Mar  Jessica Jon Manuel Retratos Familia Trabajo Gineceo Berta Pamela Clara Jessica Pandora Habitación  La Cera 29 Ratita La noche Retrato Nuria Ada Pandora de noche&..En esta ocasión se ha puesto de manera descarnada ,frente a frente con el deseo.

Begoña dice:"Nuestros cuerpos cambian, pero el niño que cada uno de nosotros lleva dentro  está aquí,  ha renunciado a ser pasado y confraterniza con un presente que se proyecta constantemente hacia el futuro." En los cinco vídeos hay un rumor sonoro  entremezclado con frases pronunciadas con voz infantil, expresiones de amor adulto, de sexualidad directa que en ocasiones se refuerza con imágenes alusivas. El paso del tiempo convierte un juego inocente de niña construyendo una figura de trapo en la imagen adulta de una fantasía solitaria de mujer. La añoranza, el paso del tiempo, la decrepitud corporal y la necesidad del  amor son algunas de las sensaciones que he tenido al ver estos vídeos. Hablé con Begoña al salir de la sala y estoy convencido que todo su trabajo va creciendo a medida que crece ella y crece su hija, el tiempo se va reflejando en actos notariales del paso del tiempo. Quizá un libro, quizá la suma hilvanada de todos sus videos que creará una progresión matemática hacia la edad adulta de la niña y hacia la vejez de la madre. Todo augura un largo recorrido  ligado al arte como manifestación de la experiencia de vivir.

 

 

 

 

            

 

              Princesas.Begoña Egurbide

 

                   

 

 

                          Rodolfo Chikilicuatre Baila el ChikiChiki

 

 

 

Comentario post-electoral

La edición de Domingo de la Vanguardia da la noticia del ganador por voto popular del programa de TVE "Salvemos Eurovisión" a Rodolfo Chikilicuatre.Ganador ,contrapronóstico porque parece ser que fue ninguneado por el programa , jurado, y presentadora.Se lo tomaron como una broma pero ganó.La sociedad civil debe hacer lo mismo.Hagamos nuestros proyectos utópicos y quizá la gente nos vote.

 

Mentira, falsedad y faltar a la verdad, son las  expresiones más escuchadas durante estos días de campaña. La sociedad menor en Institutos, Bancos, Comercios, o guarderías  suele imitar el lenguaje y el comportamiento de los políticos. Es un proceso inevitable.  Los hijos lo hacen con los padres. El modelo que se nos ha ofrecido estos días es de legitimación de la mentira se inculca la ética de faltar a la verdad. Todo el mundo está dispuesto a desconfiar del que tiene al lado, vigilando sin cesar para encontrar el indicio de la mentira, la falsedad o la falta a la verdad. Juan me ha enviado un artículo de Javier Marías del que he sacado este fragmento que dice:

  ".. me temo que la tendencia a desconfiar, sospechar y controlar se esté adueñando de tal manera de la humanidad que quizá pronto veamos a una brigada de bomberos vigilando a los que apagan un fuego; a un cirujano suplente cuidando de que el que opera no le clave el bisturí al enfermo; a unos policías municipales dirigiendo la dirección del tráfico de los de silbato estridente y procurando que no armen más caos (como suelen); a "cajeros-red" cerciorándose de que los cajeros normales no dan a sus clientes billetes de más ni de menos; a "jueces-reserva" verificando la honradez de los titulares; a monaguillos velando por que los obispos no levanten falsos testimonios (como suelen); a "inspectores de diputados" asegurándose de que éstos asisten a las sesiones y no están en el bar, como al parecer es la norma; y así con cuantos casos y ejemplos tengan a bien imaginar. No sería descartable, y así, a este paso, nuestros burocráticos y paranoides mandamases lograrán que la población entera se dedique a espiar y denunciar al de al lado y a nada más. Porque ya lo decía Mendoza: un tercero tendrá que controlar al segundo, y un cuarto al tercero, y un quinto al cuarto& Y entonces, santo cielo, ¿al último quién lo controlará?"  

 

La Red es, para muchos, un paraíso incontaminado de libertad. Es el lugar de la creación y de la expresión. Creemos que somos libres y estamos permanentemente amenazados por cualquiera que sepa más que nosotros en cacharros y lenguaje binario. Lo sé cuando me piratean el wifi o alguien accede a mis archivos y  lo sabe absolutamente todo de mí. Eso no me incomoda. Creo que lo mejor es pensar que estás controlado y seguir pensando que no pasa nada.

La vida ordinaria, la vida que no pasa por la Red, también es una vida controlada. Lo sé cuando me vuelvo a poner el cinturón, después de pasar el trámite de embarque en un aeropuerto. Lo se cuando sin que yo lo haya decidido me obligan a cobrar mi nómina por el Banco, lo sé cuando no pago algún recibo, lo sé cuando retienen mi nómina, lo sé cuando me embargan, lo sé cuando me dicen que voy a tener que ir a ochenta por un radio excesivo en el perímetro de mi ciudad. Lo sé cuando me dicen que tengo una enfermedad y pienso que lo principal es mantenerla en secreto porque me puede perjudicar. Lo sé cuando al nacer me ponen una argollita en la muñeca con mi nombre. Todo ese sistema de control, algunos lo aprovechan en contra, cuando se apoderan de  los datos. Todo eso , ya lo sabemos.

Mientras, yo, por mi cuenta seguiré en este Blog. sin extrañarme de la miseria humana. Esperando siempre lo peor. Porque , como nada humano me es ajeno, en lo humano está la mayor capacidad de destrucción que en el mundo pueda existir y que alguien sea capaz de imaginar lo peor, de lo peor, no debe extrañarnos.

  

        

Febrero 22, 2008

¿Quién encargó los ataques DDoS?

Guardado en: internet, legales, personal - gallir @ 1:49 am

Tags: dattatec, DDoS, elserver.com, quienteadmite.com

 

&.

El ataque fue ejecutado por Omar Brandán (Norman), tuvimos varios avisos e incluso hay algún testigo. Norman también amenazó con atacar a elserver.com y lo cumplió durante tres horas de la madrugada del 21 de febrero. En este tiempo además hemos recopilado más información y evidencias claras de que norman -y/o sus compinches- se dedican al phishing, scams, carding, etc.

 

La evidencia que hemos conseguido -fueron inmediatamente pasadas a la Guardia Civil y a la Policía Federal Argentina vía Joel Churnik -de elserver.com, todo un crack, es el que hizo la denuncia en Argentina-. El perito, fiscal o juez que las estudie tiene más que suficiente para darse cuenta de la gravedad de las estafas que han cometido. Es como un escaparate de lo peor de la red.

 

En las pruebas aparecen miles de datos de tarjetas de crédito, pagos, cobros, código fuente de bots, posibles keyloggers de Windows, lista de servidores infectados, etc. etc. Yo nunca había visto algo así, y además es perfectamente coherente con las actividades que relató Morgan en su "entrevista". Supongo que con sólo esas pruebas tendrán que dar muchas explicaciones, lo previsible es que tarde o temprano caerán, aunque sigan con sus DDoS descontrolados [1].

 

Quien quiera conocer como sigue esta historia que consulte

 

http://dandan.balearweb.net/post/46763.

  

                                                                                             

 

   Shi Xinning  Duchamp retrospective exhibition in China.2000-2001. Oleo sobre tela.100 x100

Zhang Dali

Zeng Fanzhi Wang Guangyi

Zheng Guogu

Zhang Haiying

Zhang Hongtu

Zhang Huan

Qiu Jie

Xiang Jing

Shi Jinsong

Fang Lijun

Yue Minjun

Zhang Peng

Li Qing

Wu Shanzhuan

Shen Shaomin

Li Songsong

Zhan Wang

Liu Wei

Miao Xiaochun

Zhang Xiaogang

Zhang Xiaotao

Cang Xin

Shi Xinning

Li Yan

Sun Yuan & Peng Yu

Zhang Yuan

Yin Zhaohui

Feng Zhengjie       

 

 

Atalí sorprende a todo el mundo.No se sabe cómo ni porque, un día , de pequeña, aprendió de memoria los nombres de los montes y los rios de China.Cuando los recita de memoria es muy gracioso y suena como esos nombres de artistas.Es muy divetido intentar pronunciar sus nombres de carretilla.Relaja mucho.

                                  

Compre la entrada con ilusión, quería recordar. Fui solo. Buena butaca en la Platea, Fila 15, junto al pasillo para estirar los pies. Poco después de  empezar el concierto la voz atiplada de Mertens hería mis oídos como nunca me había sucedido, la seriación, la repetición me sumían en el más terrible de los aburrimientos. Ha llegado la media parte y me he ido. Escribo esto cuando el concierto aun no ha acabado. Podría dar carpetazo al tema y ponerme a ver una película de Ozu, pero no es mi estilo. Busco en mis recortes recientes de prensa y vuelvo a leer una entrevista aparecida  en La Vanguardia , el Sábado pasado, allí encuentro la respuesta, me la da el propio Mertens. El mismo  me explica por qué me he ido en la media parte:  "QUISE ESTUDIAR CIENCIAS POLITICAS PARA INDAGAR POR QUÉ CADA EPOCA ESTA DEFINIDA POR UNA MANERA DE HACER ARTE

Ya lo he entendido su música no es para hoy, fue para el pasado, cuando teníamos necesidad de esencialismo minimalista ,de espiritualidad de una nueva era. Su música era un lamento a la espera del final y la renovación, pero llegó el año 2.000 y no hubo Apocalipsis, Ramón Trecet ya no lo pone y ahora queremos escuchar otras cosas.¿Cual es la música de ahora?¿Nick Cave?

                      

                  

 

En dos días he recibido muchos mails denunciando una acción artística que llevó a cabo, en el año 2007, Guillermo Vargas Habacuc. Este  artista costarricense, cogió a un perro abandonado de la calle, lo ató a una cuerda cortísima en la pared de una galería de arte y lo dejó allí para que muriera lentamente de hambre y sed: Durante varios días,  el autor y los visitantes de la galería de arte presenciaron impasibles la agonía del pobre animal: hasta que finalmente murió de inanición, seguramente tras haber pasado por un doloroso, absurdo e incomprensible calvario. La muestra también incluyó la frase, escrita con alimento de perro, "Eres lo que lees"; también había un audio con el Himno Sandinista al revés, fotos y un incensario, donde se quemaron 175 piedras de crack y una onza de marihuana. Pero eso no es todo: la prestigiosa Bienal Centroamericana de Arte decidió, incomprensiblemente, que la salvajada que acababa de cometer este sujeto era arte, y de este modo tan escandaloso, Guillermo Vargas Habacuc ha sido invitado a repetir su cruel acción en dicha Bienal en 2008. "Presentaremos una carta para que se prohiba la crueldad en el arte y para que este artista no represente al país en la bienal", expresó Gina Malavassi, defensora de los animales.José Morales, vicepresidente de la Unidad Especial de Protección y Rescate Animal, opinó. "El perro estaba amarrado y sin comida; no entiendo en qué cabeza eso es arte".Liliam Schnog, presidenta de la Asociación Humanitaria para la Protección Animal, dijo que no entiende cómo se dejó morir de hambre a un animal si a la par había una frase hecha con comida. Estas organizaciones estudian el caso con el fin de ver si procede alguna denuncia. El propio Habacuc se defiende diciendo:"Me reservo decir si es cierto o no que el perro murió. Lo importante para mí era la hipocresía de la gente: un animal así se convierte en foco de atención cuando lo pongo en un lugar blanco , una galería donde la gente va a ver arte, pero no cuando está en la calle muerto de hambre. Igual pasó con Natividad Canda, la gente se sensibilizó con él hasta que se lo comieron los perros",Incluso agregó: "Nadie llegó a liberar al perro, ni le dio comida o llamó a la policía. Nadie hizo nada."

 

Parece ser que hay una ley física, de ciencias voy fatal, que viene a decir que toda acción crea una reacción del mismo signo o de signo contrario. Hace un tiempo, había un programa escandaloso y basura que se llamaba "Crónicas Marcianas" , su director :Xavier Sardá hacía salir a tertuliar en el ring impúdico a un cura. El padre Apeles..Este cura, que iba vestido como tal, era el ser más irritante que uno pueda imaginar: insultaba, descalificaba haciendo gala de su inteligencia, se metía con todo el mundo, era orgulloso, vanidoso, poco caritativo y  según decía la prensa rosa , frecuentaba la noche con brujas y quiromantas, en cada tertulia a la que asistía compartía mesa con iletrados furiosos que se echaban los tangas y los calzoncillos a la cara, vamos: lo peor de lo peor.

Yo que no practico la religión que el padre Apeles representa, me quedaba escandalizado, como se dice "patidifuso". Un agnostico, un come curas radical de izquierdista y republicano, incluso el ser más ateo y anticatolico del mundo diría sin dudar al ver el comportamiento del padre Apeles: ¡PERO, BUENO ESO NO ES UN CURA!  E INMEDIATAMENTE APARECERÍA LA RESPUESTA: ¿NO? ¿ENTONCES UN CURA QUE ES? Y el ateo más recalcitrante diría: "Hombre, pues una persona humilde, caritativa que hace el bien a los demás, casto, recogido en oración y dedicado a los humildes y a los necesitados.

 

Bien, ese es el que yo llamo el efecto Apeles. Funciona de muchas maneras y es una estrategia retórica, propia del mejor socrático. El cura ha conseguido dos cosas: tener nombre, todo el mundo lo conoce y predicar el evangelio de la mano del demonio. Así pasa con otras muchas cosas en la vida: acción-reacción, acción-reacción, acción-reacción. Pero eso si, no nos equivoquemos , el problema no esta en saber si la obra de Habacuc es arte o no , sino que es una salvajada como tratamos a los animales.

                               

Tordus Merula,un amable comentarista del Blog , pide opinión sobre la cantante soprano Mallas Godlewska. El fenómeno de la Netrebko ya fue comentado en su día y no insistiremos. Algunas de ellas y de ellos, por ejemplo Jose Cura, se han dedicado a querer modernizar su aspecto y sus canciones. Graban discos híbridos en los que la calidad de la voz es incuestionable, saben cantar , pero les falta lo fundamental. La música nunca viene del exterior y se instala en el interior, es al revés sale de dentro y se canta como se puede. Es una necesidad inevitable. Ahí está el origen de toda expresión ,incluida la música y la pintura. Todos tenemos esa posibilidad expresiva, incluido un alarido debajo de un puente al paso del tren de mercancías.La técnica no es más que un perfeccionamiento de la intención, Por eso en estas nuevas voces de la llamada música culta siempre veo el mismo defecto: es que saben cantar muy bien pero no tienen "la cosa" que tiene, por ejemplo, nuestra elogiada Bartoli , Callas, y otras. Pero lo que más me irrita es cuando quieren aportar canciones a la música popular, entonces el fiasco esta garantizado como en el ejemplo del video que he colocado.Así sucede también con la pintura.

 

 Hace unos días un amigo me decía:" oye , ya está bien con tanta Camille, Camille..no se que le ves". Si, la verdad es que he puesto unos tres videos o así y es que debe tener algo, porque los organizadores del Sonar de este año la traen y no a cualquier sitio ,sino al Palau de la Música.

Este año esta dedicado a dimensionar el papel de la mujer en la música y ese es un tema que me interesa mucho. Las voces femeninas siempre han tenido su sitio importante en el Country pero hasta que no llegó Janis Joplin no se puede decir que hubieran tenido un papel relevante, de liderazgo en el rock. Luego vino Grace Slick de Jefferson Airplane y todas las demás que hasta Camille han sido :Nico, Martha Davis,, tantas más&&&&El lider , el cantante de un grupo de chicos tiene un carisma que le cuesta mantener entre los leones de su grupo, el macho alfa,nunca he entendido como, en estas circunstancias, las chicas lideres podían sobrevivir entre una pandilla de alborotados  machistas con feromonas desajustados

 

                        

Grace Slick de Jefferson Airplane

 

  

 

                      

Camille

    

A Elisabet, la única mujer entre 12 hombres.

  

 

Después de veintisiete años de  existencia, es muy difícil decir algo nuevo sobre el tema de los graffitis. Solo se me ocurre imaginar a un joven de 16 años, en Nueva York o en California, iniciando su aventura en los años ochenta. Hoy ya tiene 43,  que no es moco de pavo. Pero eso no debe ser inconveniente, pues, tengo amigos  de edad madura que todavía  hacen gala de su actitud antisistema y es que no hay edad para la revolución.

Hay tres tipos básicos de acción sígnica de estos "writers": el tag (firma), el flop (letras grandes) . El spray o el rotulador grueso son sus armas contra el orden establecido. Los "tags" son estados de ánimo, son monumentos idolátricos de tipo secreto. El yo se quiere magníficar en su máxima potencia, como en cualquier época. Hace años, subí al "Atomium" ,en Bruselas y en un rincón de ese gran monumento de la modernidad, ví una inscripción: "aquí a estao manolo el tocho de Palencia." Esta proclama del yo , inculta y afirmativa de la identidad, ha sido sustituida por unas graciosas y complejas formalizaciones. La afirmación del cateto ha sido sustituida por una firma que es una manifestación de energía interior. Así nació el Gestualismo y la Abstracción Expresionista. El "writter" deja un mensaje que desprende algo positivo o negativo según el estado de ánimo en el que se encuentra el que escribe. Por el mismo motivo por el que los japoneses conocen las noticias de las cartas, tan solo , al ver la intensidad de la tinta, el lazo que anuda la carta o el papel escogido. Lo que más se ve en una escuela de arte, más que proyectos de diseño, más que pinturas o esculturas son: "tags". Y sin querer hacer un análisis mayor, que dejo para otra ocasión, aquí he puesto algunos:

                                                                                                       

 

El pasado Lunes día 18 de Febrero del 2008 se publicó en la sección de Cultura de La Vanguardia de Barcelona en la sección Vidas Contadas de Josep Massot un artículo sobre mi amigo  y profesor de la Escola Massana Gabriel / Escultor con el título:

 CUANDO LA FORMA ES IMPORTANTE       Y esta mágnífica foto de JORDI  RIBOT publicada en La Vanguardia del mismo día.  

Transcribo algunos párrafos de  la buena entrevista realizada por Josep Massot:

  

Gabriel es un escultor que no desiste en su búsqueda de nuevas formas artísticas. No reniega de ningún tipo de arte -empezó haciendo instalaciones cuando en España era consideradas desdeñosamente una rama de la fontanería-, aunque cree que hay una presencia tan nutrida del arte relacional, basado en presupuestos sociológicos o políticos, que no deja ver a quienes como él siguen investigando en los lenguajes formales de la obra de arte. Expone hasta fin de mes en el Tinglado 2 del Port de Tarragona una serie de objetos englobados bajo el nombre de polutropon. Ha escrito poesía La rossor de la tenebra y ha sistematizado sus teorías artísticas en el libro Ultra la forma autárquica. L´ art sense significat.

 

Hay artistas que prefieren la  navegación solitaria al grupo, avanzar según sus movimientos interiores antes que dejarse aconchar dócilmente por vientos y corrientes. Las esculturas de Gabriel son un ejemplo de que el bosque de signos de la naturaleza sigue teniendo territorios por descubrir, un alfabeto que, desde Altamira, los artistas de cada generación amplían, refundan o re inventan, porque, como dice una de sus frases favoritas, "la forma es el sueño de la materia: tal vez hacemos formas para contemplar este sueño"&&&..&

& A la hora de  escoger estudios, no vaciló en matricularse en Bellas Artes de Sant Jordi." "Estuve trece meses y me largué. Si hubiesen enseñado la técnica de dibujar con la exacta pristinidad, la capacidad de delimitar la forma, hubiera aguantado los cinco años", dice Gabriel, que, antes de citar a Aristóteles, Heidegger o Husserl, cree conveniente subrayar que es un autodidacta cultural, un autodidacta que iba de la Badalona industrial al Palau burgués , atraido por Schönberg, la música dodecafónica&&&

Empezó a exponer de verdad en la Galeria 13, cadenas de formas delimitadas con precisión extrema, micrografías de transparencias y vestigios de movimientos dibujados con minuciosidad de lupa. Era cuando Cirici Pellicer dominaba el ámbito artístico de Barcelona y Gabriel ensayó sus instalaciones de hielo, del movimiento del agua y distorsiones de luz. Siempre-dice- he huido de eso que s e llama estar "à la page.".Un exceso de referencias te convierte en especialista, me interesa más la navegación precursora, el sustrato que te sitúa a la intemperie,en el exterior del sistema, porque el sistema te da la respuesta que él desea y esto es incompatible con la creación".

me interesa más la navegación precursora, el sustrato que te sitúa a la intemperie, en el exterior del sistema, porque el sistema te da la respuesta que él desea y esto es incompatible con la creación

"Gabriel vive con su mujer, la pintura Gloria Cots, en Palau de Santa Eulalia, apenas siete casas, en un caserón del XVI que fue antiguo hospital de los peregrinos del camí-no de Santiago. Allí está preparando su nuevo estudio, aún en Reus. Profesor de la Massana, habla pausado sobre "la incineración del panteón simbólico a la que asistimos por parte de los defensores del arte sociológico, un nuevo espíritu iconoclasta en el que la forma se tilda de manierista, esteticista, cuando, de hecho, no hay lenguaje ni pensamiento, si no está construido por la forma; y si no hay símbolo, no hay síntesis abstracta" . Gabriel reivindica la metáfora y la forma como puerta que abre un abismo.

En su obra vincula naturaleza e historia, la búsqueda de la forma precisa, la forma que contiene el tiempo. Están ahí los secretos de la creación, el caos vinculado al orden, lo orgánico con lo inorgánico, la piel con su musculatura interna, el peso matérico de la obra con las revelaciones que crea la luz. No hay placer en el proceso de creación de Gabriel, como en ese objeto de aparente densidad insostenible y metálica superficie escamada por mil cabezas de clavo, casi un animal.

 

Para más información y más fotos  ver mi post en el Blog con el nombre de Gabriel Polutropon en Tinglado 2

 

 Entre horas, tenía un rato libre y descuidadamente, fui "flaneando" hasta llegar a la Sala Parés en la histórica calle de Petritxol . La Sala Parés es una galería de arte fundada en 1840, en  los albores del arte moderno. La galería es un monumento , una fortaleza, un bastión del arte. Debo reconocer que no voy a menudo, pero cuando entro, el crujir de las maderas me recuerda que estoy en un lugar con historia, no oigo mis pasos sino los pasos de la memoria. Además tiene éxito de público, pues, unas 60.000 personas al año la visitan. Un record para una empresa privada. La luz cenital de su sala principal ha acogido a los artistas de muchas generaciones y su columna central es un símbolo de resistencia hercúlea del clasicismo artístico. En la sala principal  expone , hasta el 4 de Marzo Jordi Alumá(1924) que es un artista muy conocido en Barcelona. Tiene casi la misma edad que Antoni Tápies (1923) y un pulso de acero. Su obra es de una corrección impecable, transparencias, estructuras, colores son utilizadas con el máximo virtuosismo, para representar espacios urbanos, tejados de Barcelona. Obedece adecuadamente a los cánones de la galería, a línea de exposiciones que  consiste en apostar por un arte formalista, bello, sin estridencias, que busca placer estético en el observador, que no quiere molestar, ni violentar al que mira. Se ha convertido en el refugio del arte bien hecho, pulcro, cuidado, controlado y sobre todo de un arte  que se vende, sin perder calidad. Nunca abstracto siempre figurativo.

  

 

                      

 

                     

                       

 

 

 La primera sensación , como no podía ser de otro modo, fue muy agradable, pero cuando me acerqué a ver la obras con más detalle, una ligera y áspera sensación  pasó por la parte interna de mi labio superior. Como cuando veo que alguien muerde un trapo. Sorprendido de mi sensación, quise saber porqué, entonces, me di cuenta que, el artista, había utilizado lápiz pastel sobre papel japonés. Y  lo entendí todo. A  Alumá esa técnica le permite levantar las microfibras del papel  japonés al frotarlo con el pastel , visivamente le da un resultado impecable pero a mi me produce esa sensación labial interna. Debe ser un problema mío, porque estoy muy acostumbrado a utilizar este tipo de papel, podría decir incluso que soy un pequeño coleccionista, maniático de este soporte oriental. En él, el agua, la tinta e incluso la acuarela se armonizan muy bien, resbalan, humedecen.Pero una técnica seca, como es el lápiz pastel ,me producía el efecto labial mencionado. Bien mirado debe ser una tontería y mal mirado algo importante. La adecuada utilización del soporte es lo correcto, lo académico , sino se puede caer en las "aberraciones" procesuales de F. Bacon, que como  ya he escrito recientemente, pintaba por el lado malo de la tela, por el lado no preparado del lienzo, para irritación de ortodoxos y academicistas. Salvando las distancias, en este caso, se daba un poco eso, yo me convertía en un ortodoxo irritado ante un determinado uso de la técnica. Todo, debido al procedimiento empleado. Y es que como ya decía Marshall McLuhan: "El Medio es el Mensaje". Lo que trasladado al terreno del arte quiere decir que  tan importante es  el efecto que produce en el espectador el tema representado en una pintura, como la técnica utilizada .

                                  

 

 

                                      

 

 

Pensando que pensarás, cosa que no hago a menudo, (je,je) me vino a la cabeza el Blog de Jacob y su comentario sobre la obra de Vanesa Tiegs. Y pensé que la  obra de esta artista, en los temas,  es de un preciosismo virtuoso, unas blondas barrocas, unos dibujos sutiles. Parece dibujar ángeles Todo esta hecho con la corrección suficiente como para poder exponer en una sala tradicionalista como la Sala Parés. Entonces me imaginé algo terrible, veía a Vanesa , con un dossier de su obra, dispuesta a convencer  a los regentes de la Galería. Y  me imaginaba el momento de la terrible pregunta: ¿Con que técnica están hechos estos dibujos tan bonitos, Vanesa? Y entonces Vanesa, en Inglés diría:   

Menstrual blood.I created this journal of paintings between 2000-2003 to present a positive image of menstruation. I painted 88 paintings over approximately 36 menstrual cycles to affirm the bright red cycle -- the hidden forbidden monthly renewal process.13 paintings selected from this menstrual journal called Spiraling Moon are presented.

                                   

                                    

 

 

  

Supongo que, a muchos, les habrá sucedido, al entender de que van  estas obras, lo que a  mí me sucedió con el labio interno de la boca ,al ver el lápiz pastel  aplicado sobre papel japonés, una intensa sensación de rechazo en algún lugar de los sentidos, al saber que el peculiar material pictórico de Vanesa Tiegs es sangre menstrual.. A mi me  vino una sensación de rechazo espontáneo , después, un intento de justificación y finalmente una definitiva  condena. Por muy bellos que sean sus dibujos el Galerista dirá, con toda seguridad, que esa obra no la expone y además es una guarrada. Pero lo que es indudable es que en esta ocasión, como pretende Vanesa Tiegg, la vieja máxima de Marshall McLuhan recobra su significado: el medio es el mensaje.

 

 

 

 

                                       

El debate puede empezar. ¿no?

            

                  

                                           1.Ausstellung CAC Málaga, 2005
   

José Noguero es de esos alumnos que dan prestigio a una escuela de arte. Entró con dieciséis años estuvo siete años en la Escuela Massana, ha estado en Ámsterdam, en la India y actualmente vive en Berlín. Hoy inauguraba en la Fundació Suñol , Rosselló,240,sus obras recientes con el título de Escenografías. Todos los que le conocimos  en su paso por la Escuela queríamos acompañarle en este día. Había tres ex directores , varios profesores y algunos ex compañeros. Todos estábamos allí. Cada uno de nosotros reflejaba en su rostro, el orgullo del padre, la satisfacción del que cree que está ante un  discípulo brillante y que lo es porque lo ha tenido a él como profesor.

                 

                       2.Sin Título, 1990 Fotografie - 80 × 120 cm

                  

                        3.Autorretrato sentado con Perro, 1995
                        Fotografie - 80 × 120 cm

                  

                   4.Grauwal, 2003 Fotografia - 73 × 100 cm

 

José Noguero hace una obra compleja, al límite del concepto, utilizando todo tipo de recursos, la estatuaria, las molduras neobarrocas, los espejos, las citaciones elípticas sobre el propio trabajo,  incluso ha pintado y construye escenografías que luego fotografía y expone. Todo eso y mucho más  ha distinguido su obra en estos años en los que ha conseguido un lugar en el arte contemporáneo. Cada uno de nosotros, estaba allí, orgullosos de la parte que nos correspondía.

Pero en conversación con él ,  tan solo una vez utilizó la palabra Maestro. Fue cuando se refirió a un modesto tallador de esculturas de madera llamado Lingaraj Maharana en Orissa, India.  Lo conoció hace tres años , convivió durante seis meses ,y además me ha dicho que quería volver.

Y es que ser Maestro es muy difícil, normalmente ,un Maestro no escoge a sus discípulos, sino que son ellos  quienes van a buscar al Maestro . Los demás somos Leyes Generales de Educación, LOGSES,LODES y BOLONIAS.

                   

www.josenoguero.com

 

                  

El monje Dokushô Villalba,  ha salido de su anonimato y de su retiro en Luz Serena. En dos semanas ha vendido 6.000 ejemplares de su libro : Zen en la Plaza del Mercado y ha agotado todas las ediciones .Su éxito es imparable, Dokusho es un buen nombre para un hombre leído y culto. Se lo pusieron seguramente en Japón con la intención de subrayar su capacidad mental, la curiosidad intelectual del hasta entonces llamado Francisco. Un joven  nacido  en Utrera, Sevilla en 1956. Su libro se presenta como el depósito de las claves para comprender y sanar el malestar existencial en la era de la globalización, y nos ayuda a comprendernos y a desenvolvernos en un entorno social dominado por la nueva religión del Dios Mercado .

Últimamente, la filosofía oriental y especialmente el Zen se ha utilizado de manera perversa. Todo es Zen, una  empresa de publicidad, una marca de perfume, unas braguitas-tanga, la decoración  de la casa de  mi cuñada y sobre todo es una palabra mágica  en el mundo empresarial.  Por ejemplo, el señor Masaki Imai, filósofo de empresa y colaborador de ESADE ha creado el método kaizen (mejora continua) , y dice cosas que parecen inspiradas en el principio de vacuidad budista, en la belleza de la nada:"En tu empresa, en tu profesión, en tu vida: lo que no hace falta sobra; lo que no suma resta", también lo decía el arquitecto Mies Van der Rohe: "Menos es más"

Los especialistas en administración de empresas aseguran que :con su luminosa combinación de sencillez y pensamiento lateral, la filosofía del zen puede mejorar mucho el funcionamiento de la empresa y, en particular, las relaciones interpersonales que tienen lugar en ella. El zen es especialmente eficaz a la hora de romper visiones rígidas ,por muy cómodas que puedan resultar, y  cuestiona los argumentos lógicos que a menudo ocultan la desidia o el miedo a innovar.

Así pues hay que ponerse a la labor y eliminar el muda . El Muda es lo que no es necesario y en consecuencia estorba, si lo eliminamos  de nuestra vida: respiraremos. Pero, no es fácil saber qué o quién sobra. Y para ello hay unas normas del kaizen que actúan para eliminar lo innecesario en: almacenamiento,  sobreproducción, movimiento,  espera,  re-trabajo...

Kaizen, quiere decir mejora continua para progresar. En Japón se cree en mejorar las pequeñas cosas - incluso de manera imperceptible- porque millones de pequeños detalles mejorados, acumulados de generación en generación, mejorar es sobre todo eliminar lo superfluo, el muda.  La mera presencia de algo o alguien que no contribuya a mejorar su trabajo y su vida... es muda: le roba energía, le distrae. Lo que necesita y a quienes necesita, deben estar siempre a mano y siempre dispuesto. Haz lo que haces. Sólo lo logrará si es consciente de cada momento. Convierta la virtud en rutina y mejore cada día esa rutina en cada detalle. Sea consciente de cada paso que da en el trabajo y por qué: damos muchos para nada y movemos demasiadas cosas sin necesidad.  Concéntrese en mejorar su proceso de producción , mejorará el resultado y ganará tiempo.

 Sun Tzu y el arte de los negocios , de un tal  Mc Neilly,  se basa en el libro que escribió Sun Tzu, en trece capítulos, llamado "El Arte de la guerra" el cual es considerado como una obra maestra sobre la estrategia, y se ha extendido más allá del ámbito militar para adentrarse al mundo de los negocios. Sin embargo el gran merito de Mc Neilly es el poder convertir la obra de "el Arte de la guerra" escrito por un general para aplicar su filosofía a los campos de batalla, aplicando la esencia de la sabiduría taoista aplicada a la resolución de conflictos, con el ideal de vencer sin llegar a luchar, como  sucedía con Shingen, un guerrero rápido como el viento, sereno como el bosque, fiero como el fuego, inmóvil como la montaña, y capaz de ganar una batalla sentado en la cima de una montaña, todos estos principios garantizan la victoria; y hay que aplicarlos a conceptos de negocios que son claros para entenderlos y ponerlos en práctica. Aquí vuelven a aparecer las máximas del triunfo: Gane todo sin combatir. Evite la fortaleza y ataque la debilidad. Hay que tener velocidad y preparación. Influya en su oponente .Liderazgo basado en el carácter. Ejercer un liderazgo eficaz en épocas turbulentas. Como hemos visto, todo parecen normas de actuación e intervención inmediata para sacarnos del fracaso. Unas normas imperativas, unas máximas eficaces que tienen algo de marcial, de lucha , de guerra permanente. Mercado, Empresa y Guerra son los territorios actuales del Zen.

 

 

 

 Bodhidharma, el primer patriarca del Zen, estuvo casi toda su vida sentado en meditación frente a un muro , sin decir nada y  su sucesor Eka, que era barrendero en la plaza del mercado, nunca habló. El maestro Sosan, sucesor de Eka fue el primero en romper ese silencio y escribió el texto "Shin Jin Mei" o "Poema de la Fe en la atención, la conciencia, el espíritu ".Unos poemas breves de cuatro Kanjis, 146 frases breves que , como fogonazos, iluminaron a generaciones y generaciones desde el siglo V de nuestra era. Se considera el primer texto, el principal, la fuente de todo lo que conduce posteriormente a la decoración de la casa de mi cuñada y al eficaz mundo empresarial.

Kamo no Chomei escribió en 1212  "Un relato desde mi cabaña",(Hojoki), un librito ,que ochocientos años más tarde, aún leemos. Una obra mítica de la vida eremítica, ascética y de plena conciencia de lateralidad y marginación. Ambos ejemplos parecen ir en contra de la tendencia actual de las cosas, pero como ya aprendí de pequeñito no es bueno permanecer en ninguno de los dos extremos de las cosas, buscando un ineficaz dualismo. El Shin Jin Mei dice que no hay que discriminar entre lo sutil y lo grosero. No hay ningún partido que tomar. Por eso mejor cantar el Maka Hannya Haramita Shin Gyo caminando por la nieve,bebiendo agua y durmiendo sobre la tarima de una vieja cabaña .La casa de madera,austera y pobre a donde irán a parar los nuevos empresarios que practiquen las enseñanzas del Zen. Así sea.

                   

 

 

Per a Iacob que s´en va a Pàdua.

Escribo esto en estas fechas cuando todo el mundo está en Arco buscando novedades, y resulta que es el momento elegido por Elena Kervinen para inaugurar su exposición, cuando seguramente podía haber escogido cualquier otra fecha del calendario. Pienso que es una primera y eficaz reflexión, creo que en su elección está diciendo: hay vida más allá del planeta Arco, y que el arte verdadero no está sometido a modas. Voy para La Galería ,en Consell de Cent 279, que se ha especializado en arte escandinavo y especialmente finlandés, con el convencimiento  de que, como en otras ocasiones, disfrutaré de un remanso de belleza escogida, voy con la seguridad de que encontraré amabilidad , sonrisas y un delicado ambiente .

La otra posibilidad era aceptar la invitación de unos amigos y asistir a la presentación de la película de un viejo conocido portugués, José María Nunes, que en el marco de unas jornadas sobre la Escuela de Barcelona, una vez más ,volvía a hablar de su  "opera magna": Noche de vino tinto", un paseo etílico por la Barcelona del barrio chino en los años sesenta, con Serena Vergano y Enrique Irazoqui. Que brutal contraste. La elección me condujo al lado bueno de la existencia y en lugar de asistir al espectáculo de los terribles efectos alcohólicos del "delirium tremens" de Nunes, me encontré tomando unos canapés vegetarianos con zumo de naranja y arrullado en los  brazos de la pureza de la obra de  Elena Kervinen.

      

La anterior exposición de Elena Kervinen,  hace dos años, y de la que he sacado las fotos que acompañan mi comentario ,se llamaba: "El Mundo de las cosas Puras" y la reciente :"Donde vuelan los pájaros. (www.lagaleria-art.com) La pureza es una noción ética que se ha aplicado, en otras ocasiones al arte: abstracción pura, pureza geométrica, pura an-objetualidad etc, etc. Elena lleva pintando durante diez años el mismo tema, con el mismo encuadre, sólo cambian , ligeramente los formatos .Pinta  la  vista que tiene sobre una montaña y un castillo que se divisa desde su casa en un lugar cercano a Barcelona, en el Montseny. En su obra se encuentra los arquetipos del comportamiento contemplativo , pues alude a la calma, al silencio de la naturaleza, a la soledad, al misterio nunca alcanzado en la lejanía.

 

Pero sobre todo, es la mirada insistida durante esos diez años que convierte su observación en una  persistencia virtuosa, en una reflexión sobre las infinitas variaciones de lo idéntico.Me fascina, ese momento en el que la pintura, sin dejar de serlo , permite el acceso de la idea, la aceptación de un  conocimiento basado en la atención y en la observación. Eso siempre nos salva. Para mi visión de las cosas, la causa principal de la angustia, ansiedad, malestar existencial es el desconocimiento de las virtudes de la mirada, considero como un error del conocimiento es no saber ver las cosas tal como se presentan ante nuestros ojos , hay  que verlas en lo que son en sí mismas y no con  una percepción deformada de la realidad. La base de este estado de ignorancia es una atención deficiente. Por ello, la obra de Elena Kervinen , nos propone  una práctica de meditación  basada  en el desarrollo sistemático de la atención.

   

Elena Kervinen fenomenologiza su observación pura y atenta, pero además, incorpora ese principio estético formulado por  las teorías paisajistas de Kuo Shi(1020.1090) y  también por el paisajismo romántico de G. D. Friedrich , según el cual: hay que pintar desde lo más profundo del alma, pero concentrándose en los detalles de lo esencial. Solo así, puede entenderse que la obra de Elena, sea a la vez: una magnífica constatación de los numerosos cambios de luz y de atmósfera que afectan a su montaña y su castillo ,pero también una constatación en formas y colores de las variaciones de  su ánimo. Hace dos años,  las obras estaban dominadas por brumas, en esta ocasión hay más cielos  claros, noches y diversidad de colores que pregonan un estado emocional diferente. La pintura de Elena Kervinen, como toda buena obra de arte, se convierte en el único modo posible de acceder a la esencia escondida de las cosas, su alma desconocida  se revela a través de un paisaje, día a día, momento a momento.Debido a este carácter altamente subjetivista de su experiencia estética, su obra, como mujer del norte, está más cerca de la vivencia religiosa vivida en intimidad, de un pietismo que interioriza la experiencia de lo divino ,que de una mera descripción visiva,es una naturaleza interiorizada y confidente que guarda para ella celosamente y que cada dos años nos muestra, para animarnos a buscar  nuestra propia montaña.

  

 

        

Minimanifiesto kokonico:

 

Puede sorprender, a quien siga este Blog., la diversidad de citaciones artísticas, la variedad de eventos que voy comentando, y puede extrañar que algunos sean diametralmente opuestos entre si, por ejemplo, que tras mi elogioso post. sobre  Antoni Tàpies,el maestro del informalismo matérico, haya hecho este comentario a una obra como la de Elena Kervinen de una delicadísima figuración paisajística. Creo que el mundo del arte está lleno de pre-juicios que felizmente, pero con mucho esfuerzo ,he conseguido desterrar de mis criterios estéticos.

 

Me fascina el arte, porque no consigo comprender sus mecanismos, sus objetivos, ni sus logros. Es un fenómeno en el que me encuentro plenamente inmerso pero del que no conozco apenas nada. Por este motivo toda búsqueda sincera, todos los hallazgos de los artistas me interesan, forman parte de la incesante búsqueda de la causa del arte. Reconozco que la aceptación ecléctica no es el mejor lugar para ejercer un comentario, ni una crítica sobre arte. Pero es ahí donde me encuentro y me interesan hasta los primeros dibujos, los más elementales indicios de aquellos que han decidido ser artistas. Además , como ya he escrito en otras ocasiones y no me cansaré de repetir, mi nombre Bloggistico: Kokon , es una consideración acerca de lo antiguo y lo moderno, es un término que indica la contemporaneidad de la tradición y una muestra más de falta de prejuicios..

 

  

Nadie con 90 años  ha sido capaz de cantar tan bien el enamoramiento como Henri Salvador. Ha muerto para estas fecha de invierno y de celebración del amor. Su canción Jardin d ´Hiver y su último disco fue un éxito cuando todas las discográficas ya  lo habían desahuciado por motivos de edad. La noticia me la ha dado mi amigo Benet Ferrer que es un buen ejemplo de que en la edad no existe la rendición, y que él, que es un hombre de sesenta años, es como tres de veinte o dos de treinta, haber si alguien se entera de una vez por alguna escuela que hay por ahí y  lo graba con letras de fuego en la cabecera de su cama postadolescente en la que las feromonas del poder rebotan con tanta intensidad que anulan sensibilidades y detalles protocolarios.