TODO ES MUY RARO

 

 Hace unos días un amigo me decía:" oye , ya está bien con tanta Camille, Camille..no se que le ves". Si, la verdad es que he puesto unos tres videos o así y es que debe tener algo, porque los organizadores del Sonar de este año la traen y no a cualquier sitio ,sino al Palau de la Música.

Este año esta dedicado a dimensionar el papel de la mujer en la música y ese es un tema que me interesa mucho. Las voces femeninas siempre han tenido su sitio importante en el Country pero hasta que no llegó Janis Joplin no se puede decir que hubieran tenido un papel relevante, de liderazgo en el rock. Luego vino Grace Slick de Jefferson Airplane y todas las demás que hasta Camille han sido :Nico, Martha Davis,, tantas más&&&&El lider , el cantante de un grupo de chicos tiene un carisma que le cuesta mantener entre los leones de su grupo, el macho alfa,nunca he entendido como, en estas circunstancias, las chicas lideres podían sobrevivir entre una pandilla de alborotados  machistas con feromonas desajustados

 

                        

Grace Slick de Jefferson Airplane

 

  

 

                      

Camille

    

A Elisabet, la única mujer entre 12 hombres.

  

 

Después de veintisiete años de  existencia, es muy difícil decir algo nuevo sobre el tema de los graffitis. Solo se me ocurre imaginar a un joven de 16 años, en Nueva York o en California, iniciando su aventura en los años ochenta. Hoy ya tiene 43,  que no es moco de pavo. Pero eso no debe ser inconveniente, pues, tengo amigos  de edad madura que todavía  hacen gala de su actitud antisistema y es que no hay edad para la revolución.

Hay tres tipos básicos de acción sígnica de estos "writers": el tag (firma), el flop (letras grandes) . El spray o el rotulador grueso son sus armas contra el orden establecido. Los "tags" son estados de ánimo, son monumentos idolátricos de tipo secreto. El yo se quiere magníficar en su máxima potencia, como en cualquier época. Hace años, subí al "Atomium" ,en Bruselas y en un rincón de ese gran monumento de la modernidad, ví una inscripción: "aquí a estao manolo el tocho de Palencia." Esta proclama del yo , inculta y afirmativa de la identidad, ha sido sustituida por unas graciosas y complejas formalizaciones. La afirmación del cateto ha sido sustituida por una firma que es una manifestación de energía interior. Así nació el Gestualismo y la Abstracción Expresionista. El "writter" deja un mensaje que desprende algo positivo o negativo según el estado de ánimo en el que se encuentra el que escribe. Por el mismo motivo por el que los japoneses conocen las noticias de las cartas, tan solo , al ver la intensidad de la tinta, el lazo que anuda la carta o el papel escogido. Lo que más se ve en una escuela de arte, más que proyectos de diseño, más que pinturas o esculturas son: "tags". Y sin querer hacer un análisis mayor, que dejo para otra ocasión, aquí he puesto algunos:

                                                                                                       

 

El pasado Lunes día 18 de Febrero del 2008 se publicó en la sección de Cultura de La Vanguardia de Barcelona en la sección Vidas Contadas de Josep Massot un artículo sobre mi amigo  y profesor de la Escola Massana Gabriel / Escultor con el título:

 CUANDO LA FORMA ES IMPORTANTE       Y esta mágnífica foto de JORDI  RIBOT publicada en La Vanguardia del mismo día.  

Transcribo algunos párrafos de  la buena entrevista realizada por Josep Massot:

  

Gabriel es un escultor que no desiste en su búsqueda de nuevas formas artísticas. No reniega de ningún tipo de arte -empezó haciendo instalaciones cuando en España era consideradas desdeñosamente una rama de la fontanería-, aunque cree que hay una presencia tan nutrida del arte relacional, basado en presupuestos sociológicos o políticos, que no deja ver a quienes como él siguen investigando en los lenguajes formales de la obra de arte. Expone hasta fin de mes en el Tinglado 2 del Port de Tarragona una serie de objetos englobados bajo el nombre de polutropon. Ha escrito poesía La rossor de la tenebra y ha sistematizado sus teorías artísticas en el libro Ultra la forma autárquica. L´ art sense significat.

 

Hay artistas que prefieren la  navegación solitaria al grupo, avanzar según sus movimientos interiores antes que dejarse aconchar dócilmente por vientos y corrientes. Las esculturas de Gabriel son un ejemplo de que el bosque de signos de la naturaleza sigue teniendo territorios por descubrir, un alfabeto que, desde Altamira, los artistas de cada generación amplían, refundan o re inventan, porque, como dice una de sus frases favoritas, "la forma es el sueño de la materia: tal vez hacemos formas para contemplar este sueño"&&&..&

& A la hora de  escoger estudios, no vaciló en matricularse en Bellas Artes de Sant Jordi." "Estuve trece meses y me largué. Si hubiesen enseñado la técnica de dibujar con la exacta pristinidad, la capacidad de delimitar la forma, hubiera aguantado los cinco años", dice Gabriel, que, antes de citar a Aristóteles, Heidegger o Husserl, cree conveniente subrayar que es un autodidacta cultural, un autodidacta que iba de la Badalona industrial al Palau burgués , atraido por Schönberg, la música dodecafónica&&&

Empezó a exponer de verdad en la Galeria 13, cadenas de formas delimitadas con precisión extrema, micrografías de transparencias y vestigios de movimientos dibujados con minuciosidad de lupa. Era cuando Cirici Pellicer dominaba el ámbito artístico de Barcelona y Gabriel ensayó sus instalaciones de hielo, del movimiento del agua y distorsiones de luz. Siempre-dice- he huido de eso que s e llama estar "à la page.".Un exceso de referencias te convierte en especialista, me interesa más la navegación precursora, el sustrato que te sitúa a la intemperie,en el exterior del sistema, porque el sistema te da la respuesta que él desea y esto es incompatible con la creación".

me interesa más la navegación precursora, el sustrato que te sitúa a la intemperie, en el exterior del sistema, porque el sistema te da la respuesta que él desea y esto es incompatible con la creación

"Gabriel vive con su mujer, la pintura Gloria Cots, en Palau de Santa Eulalia, apenas siete casas, en un caserón del XVI que fue antiguo hospital de los peregrinos del camí-no de Santiago. Allí está preparando su nuevo estudio, aún en Reus. Profesor de la Massana, habla pausado sobre "la incineración del panteón simbólico a la que asistimos por parte de los defensores del arte sociológico, un nuevo espíritu iconoclasta en el que la forma se tilda de manierista, esteticista, cuando, de hecho, no hay lenguaje ni pensamiento, si no está construido por la forma; y si no hay símbolo, no hay síntesis abstracta" . Gabriel reivindica la metáfora y la forma como puerta que abre un abismo.

En su obra vincula naturaleza e historia, la búsqueda de la forma precisa, la forma que contiene el tiempo. Están ahí los secretos de la creación, el caos vinculado al orden, lo orgánico con lo inorgánico, la piel con su musculatura interna, el peso matérico de la obra con las revelaciones que crea la luz. No hay placer en el proceso de creación de Gabriel, como en ese objeto de aparente densidad insostenible y metálica superficie escamada por mil cabezas de clavo, casi un animal.

 

Para más información y más fotos  ver mi post en el Blog con el nombre de Gabriel Polutropon en Tinglado 2

 

 Entre horas, tenía un rato libre y descuidadamente, fui "flaneando" hasta llegar a la Sala Parés en la histórica calle de Petritxol . La Sala Parés es una galería de arte fundada en 1840, en  los albores del arte moderno. La galería es un monumento , una fortaleza, un bastión del arte. Debo reconocer que no voy a menudo, pero cuando entro, el crujir de las maderas me recuerda que estoy en un lugar con historia, no oigo mis pasos sino los pasos de la memoria. Además tiene éxito de público, pues, unas 60.000 personas al año la visitan. Un record para una empresa privada. La luz cenital de su sala principal ha acogido a los artistas de muchas generaciones y su columna central es un símbolo de resistencia hercúlea del clasicismo artístico. En la sala principal  expone , hasta el 4 de Marzo Jordi Alumá(1924) que es un artista muy conocido en Barcelona. Tiene casi la misma edad que Antoni Tápies (1923) y un pulso de acero. Su obra es de una corrección impecable, transparencias, estructuras, colores son utilizadas con el máximo virtuosismo, para representar espacios urbanos, tejados de Barcelona. Obedece adecuadamente a los cánones de la galería, a línea de exposiciones que  consiste en apostar por un arte formalista, bello, sin estridencias, que busca placer estético en el observador, que no quiere molestar, ni violentar al que mira. Se ha convertido en el refugio del arte bien hecho, pulcro, cuidado, controlado y sobre todo de un arte  que se vende, sin perder calidad. Nunca abstracto siempre figurativo.

  

 

                      

 

                     

                       

 

 

 La primera sensación , como no podía ser de otro modo, fue muy agradable, pero cuando me acerqué a ver la obras con más detalle, una ligera y áspera sensación  pasó por la parte interna de mi labio superior. Como cuando veo que alguien muerde un trapo. Sorprendido de mi sensación, quise saber porqué, entonces, me di cuenta que, el artista, había utilizado lápiz pastel sobre papel japonés. Y  lo entendí todo. A  Alumá esa técnica le permite levantar las microfibras del papel  japonés al frotarlo con el pastel , visivamente le da un resultado impecable pero a mi me produce esa sensación labial interna. Debe ser un problema mío, porque estoy muy acostumbrado a utilizar este tipo de papel, podría decir incluso que soy un pequeño coleccionista, maniático de este soporte oriental. En él, el agua, la tinta e incluso la acuarela se armonizan muy bien, resbalan, humedecen.Pero una técnica seca, como es el lápiz pastel ,me producía el efecto labial mencionado. Bien mirado debe ser una tontería y mal mirado algo importante. La adecuada utilización del soporte es lo correcto, lo académico , sino se puede caer en las "aberraciones" procesuales de F. Bacon, que como  ya he escrito recientemente, pintaba por el lado malo de la tela, por el lado no preparado del lienzo, para irritación de ortodoxos y academicistas. Salvando las distancias, en este caso, se daba un poco eso, yo me convertía en un ortodoxo irritado ante un determinado uso de la técnica. Todo, debido al procedimiento empleado. Y es que como ya decía Marshall McLuhan: "El Medio es el Mensaje". Lo que trasladado al terreno del arte quiere decir que  tan importante es  el efecto que produce en el espectador el tema representado en una pintura, como la técnica utilizada .

                                  

 

 

                                      

 

 

Pensando que pensarás, cosa que no hago a menudo, (je,je) me vino a la cabeza el Blog de Jacob y su comentario sobre la obra de Vanesa Tiegs. Y pensé que la  obra de esta artista, en los temas,  es de un preciosismo virtuoso, unas blondas barrocas, unos dibujos sutiles. Parece dibujar ángeles Todo esta hecho con la corrección suficiente como para poder exponer en una sala tradicionalista como la Sala Parés. Entonces me imaginé algo terrible, veía a Vanesa , con un dossier de su obra, dispuesta a convencer  a los regentes de la Galería. Y  me imaginaba el momento de la terrible pregunta: ¿Con que técnica están hechos estos dibujos tan bonitos, Vanesa? Y entonces Vanesa, en Inglés diría:   

Menstrual blood.I created this journal of paintings between 2000-2003 to present a positive image of menstruation. I painted 88 paintings over approximately 36 menstrual cycles to affirm the bright red cycle -- the hidden forbidden monthly renewal process.13 paintings selected from this menstrual journal called Spiraling Moon are presented.

                                   

                                    

 

 

  

Supongo que, a muchos, les habrá sucedido, al entender de que van  estas obras, lo que a  mí me sucedió con el labio interno de la boca ,al ver el lápiz pastel  aplicado sobre papel japonés, una intensa sensación de rechazo en algún lugar de los sentidos, al saber que el peculiar material pictórico de Vanesa Tiegs es sangre menstrual.. A mi me  vino una sensación de rechazo espontáneo , después, un intento de justificación y finalmente una definitiva  condena. Por muy bellos que sean sus dibujos el Galerista dirá, con toda seguridad, que esa obra no la expone y además es una guarrada. Pero lo que es indudable es que en esta ocasión, como pretende Vanesa Tiegg, la vieja máxima de Marshall McLuhan recobra su significado: el medio es el mensaje.

 

 

 

 

                                       

El debate puede empezar. ¿no?

            

                  

                                           1.Ausstellung CAC Málaga, 2005
   

José Noguero es de esos alumnos que dan prestigio a una escuela de arte. Entró con dieciséis años estuvo siete años en la Escuela Massana, ha estado en Ámsterdam, en la India y actualmente vive en Berlín. Hoy inauguraba en la Fundació Suñol , Rosselló,240,sus obras recientes con el título de Escenografías. Todos los que le conocimos  en su paso por la Escuela queríamos acompañarle en este día. Había tres ex directores , varios profesores y algunos ex compañeros. Todos estábamos allí. Cada uno de nosotros reflejaba en su rostro, el orgullo del padre, la satisfacción del que cree que está ante un  discípulo brillante y que lo es porque lo ha tenido a él como profesor.

                 

                       2.Sin Título, 1990 Fotografie - 80 × 120 cm

                  

                        3.Autorretrato sentado con Perro, 1995
                        Fotografie - 80 × 120 cm

                  

                   4.Grauwal, 2003 Fotografia - 73 × 100 cm

 

José Noguero hace una obra compleja, al límite del concepto, utilizando todo tipo de recursos, la estatuaria, las molduras neobarrocas, los espejos, las citaciones elípticas sobre el propio trabajo,  incluso ha pintado y construye escenografías que luego fotografía y expone. Todo eso y mucho más  ha distinguido su obra en estos años en los que ha conseguido un lugar en el arte contemporáneo. Cada uno de nosotros, estaba allí, orgullosos de la parte que nos correspondía.

Pero en conversación con él ,  tan solo una vez utilizó la palabra Maestro. Fue cuando se refirió a un modesto tallador de esculturas de madera llamado Lingaraj Maharana en Orissa, India.  Lo conoció hace tres años , convivió durante seis meses ,y además me ha dicho que quería volver.

Y es que ser Maestro es muy difícil, normalmente ,un Maestro no escoge a sus discípulos, sino que son ellos  quienes van a buscar al Maestro . Los demás somos Leyes Generales de Educación, LOGSES,LODES y BOLONIAS.

                   

www.josenoguero.com

 

                  

El monje Dokushô Villalba,  ha salido de su anonimato y de su retiro en Luz Serena. En dos semanas ha vendido 6.000 ejemplares de su libro : Zen en la Plaza del Mercado y ha agotado todas las ediciones .Su éxito es imparable, Dokusho es un buen nombre para un hombre leído y culto. Se lo pusieron seguramente en Japón con la intención de subrayar su capacidad mental, la curiosidad intelectual del hasta entonces llamado Francisco. Un joven  nacido  en Utrera, Sevilla en 1956. Su libro se presenta como el depósito de las claves para comprender y sanar el malestar existencial en la era de la globalización, y nos ayuda a comprendernos y a desenvolvernos en un entorno social dominado por la nueva religión del Dios Mercado .

Últimamente, la filosofía oriental y especialmente el Zen se ha utilizado de manera perversa. Todo es Zen, una  empresa de publicidad, una marca de perfume, unas braguitas-tanga, la decoración  de la casa de  mi cuñada y sobre todo es una palabra mágica  en el mundo empresarial.  Por ejemplo, el señor Masaki Imai, filósofo de empresa y colaborador de ESADE ha creado el método kaizen (mejora continua) , y dice cosas que parecen inspiradas en el principio de vacuidad budista, en la belleza de la nada:"En tu empresa, en tu profesión, en tu vida: lo que no hace falta sobra; lo que no suma resta", también lo decía el arquitecto Mies Van der Rohe: "Menos es más"

Los especialistas en administración de empresas aseguran que :con su luminosa combinación de sencillez y pensamiento lateral, la filosofía del zen puede mejorar mucho el funcionamiento de la empresa y, en particular, las relaciones interpersonales que tienen lugar en ella. El zen es especialmente eficaz a la hora de romper visiones rígidas ,por muy cómodas que puedan resultar, y  cuestiona los argumentos lógicos que a menudo ocultan la desidia o el miedo a innovar.

Así pues hay que ponerse a la labor y eliminar el muda . El Muda es lo que no es necesario y en consecuencia estorba, si lo eliminamos  de nuestra vida: respiraremos. Pero, no es fácil saber qué o quién sobra. Y para ello hay unas normas del kaizen que actúan para eliminar lo innecesario en: almacenamiento,  sobreproducción, movimiento,  espera,  re-trabajo...

Kaizen, quiere decir mejora continua para progresar. En Japón se cree en mejorar las pequeñas cosas - incluso de manera imperceptible- porque millones de pequeños detalles mejorados, acumulados de generación en generación, mejorar es sobre todo eliminar lo superfluo, el muda.  La mera presencia de algo o alguien que no contribuya a mejorar su trabajo y su vida... es muda: le roba energía, le distrae. Lo que necesita y a quienes necesita, deben estar siempre a mano y siempre dispuesto. Haz lo que haces. Sólo lo logrará si es consciente de cada momento. Convierta la virtud en rutina y mejore cada día esa rutina en cada detalle. Sea consciente de cada paso que da en el trabajo y por qué: damos muchos para nada y movemos demasiadas cosas sin necesidad.  Concéntrese en mejorar su proceso de producción , mejorará el resultado y ganará tiempo.

 Sun Tzu y el arte de los negocios , de un tal  Mc Neilly,  se basa en el libro que escribió Sun Tzu, en trece capítulos, llamado "El Arte de la guerra" el cual es considerado como una obra maestra sobre la estrategia, y se ha extendido más allá del ámbito militar para adentrarse al mundo de los negocios. Sin embargo el gran merito de Mc Neilly es el poder convertir la obra de "el Arte de la guerra" escrito por un general para aplicar su filosofía a los campos de batalla, aplicando la esencia de la sabiduría taoista aplicada a la resolución de conflictos, con el ideal de vencer sin llegar a luchar, como  sucedía con Shingen, un guerrero rápido como el viento, sereno como el bosque, fiero como el fuego, inmóvil como la montaña, y capaz de ganar una batalla sentado en la cima de una montaña, todos estos principios garantizan la victoria; y hay que aplicarlos a conceptos de negocios que son claros para entenderlos y ponerlos en práctica. Aquí vuelven a aparecer las máximas del triunfo: Gane todo sin combatir. Evite la fortaleza y ataque la debilidad. Hay que tener velocidad y preparación. Influya en su oponente .Liderazgo basado en el carácter. Ejercer un liderazgo eficaz en épocas turbulentas. Como hemos visto, todo parecen normas de actuación e intervención inmediata para sacarnos del fracaso. Unas normas imperativas, unas máximas eficaces que tienen algo de marcial, de lucha , de guerra permanente. Mercado, Empresa y Guerra son los territorios actuales del Zen.

 

 

 

 Bodhidharma, el primer patriarca del Zen, estuvo casi toda su vida sentado en meditación frente a un muro , sin decir nada y  su sucesor Eka, que era barrendero en la plaza del mercado, nunca habló. El maestro Sosan, sucesor de Eka fue el primero en romper ese silencio y escribió el texto "Shin Jin Mei" o "Poema de la Fe en la atención, la conciencia, el espíritu ".Unos poemas breves de cuatro Kanjis, 146 frases breves que , como fogonazos, iluminaron a generaciones y generaciones desde el siglo V de nuestra era. Se considera el primer texto, el principal, la fuente de todo lo que conduce posteriormente a la decoración de la casa de mi cuñada y al eficaz mundo empresarial.

Kamo no Chomei escribió en 1212  "Un relato desde mi cabaña",(Hojoki), un librito ,que ochocientos años más tarde, aún leemos. Una obra mítica de la vida eremítica, ascética y de plena conciencia de lateralidad y marginación. Ambos ejemplos parecen ir en contra de la tendencia actual de las cosas, pero como ya aprendí de pequeñito no es bueno permanecer en ninguno de los dos extremos de las cosas, buscando un ineficaz dualismo. El Shin Jin Mei dice que no hay que discriminar entre lo sutil y lo grosero. No hay ningún partido que tomar. Por eso mejor cantar el Maka Hannya Haramita Shin Gyo caminando por la nieve,bebiendo agua y durmiendo sobre la tarima de una vieja cabaña .La casa de madera,austera y pobre a donde irán a parar los nuevos empresarios que practiquen las enseñanzas del Zen. Así sea.

                   

 

 

Per a Iacob que s´en va a Pàdua.

Escribo esto en estas fechas cuando todo el mundo está en Arco buscando novedades, y resulta que es el momento elegido por Elena Kervinen para inaugurar su exposición, cuando seguramente podía haber escogido cualquier otra fecha del calendario. Pienso que es una primera y eficaz reflexión, creo que en su elección está diciendo: hay vida más allá del planeta Arco, y que el arte verdadero no está sometido a modas. Voy para La Galería ,en Consell de Cent 279, que se ha especializado en arte escandinavo y especialmente finlandés, con el convencimiento  de que, como en otras ocasiones, disfrutaré de un remanso de belleza escogida, voy con la seguridad de que encontraré amabilidad , sonrisas y un delicado ambiente .

La otra posibilidad era aceptar la invitación de unos amigos y asistir a la presentación de la película de un viejo conocido portugués, José María Nunes, que en el marco de unas jornadas sobre la Escuela de Barcelona, una vez más ,volvía a hablar de su  "opera magna": Noche de vino tinto", un paseo etílico por la Barcelona del barrio chino en los años sesenta, con Serena Vergano y Enrique Irazoqui. Que brutal contraste. La elección me condujo al lado bueno de la existencia y en lugar de asistir al espectáculo de los terribles efectos alcohólicos del "delirium tremens" de Nunes, me encontré tomando unos canapés vegetarianos con zumo de naranja y arrullado en los  brazos de la pureza de la obra de  Elena Kervinen.

      

La anterior exposición de Elena Kervinen,  hace dos años, y de la que he sacado las fotos que acompañan mi comentario ,se llamaba: "El Mundo de las cosas Puras" y la reciente :"Donde vuelan los pájaros. (www.lagaleria-art.com) La pureza es una noción ética que se ha aplicado, en otras ocasiones al arte: abstracción pura, pureza geométrica, pura an-objetualidad etc, etc. Elena lleva pintando durante diez años el mismo tema, con el mismo encuadre, sólo cambian , ligeramente los formatos .Pinta  la  vista que tiene sobre una montaña y un castillo que se divisa desde su casa en un lugar cercano a Barcelona, en el Montseny. En su obra se encuentra los arquetipos del comportamiento contemplativo , pues alude a la calma, al silencio de la naturaleza, a la soledad, al misterio nunca alcanzado en la lejanía.

 

Pero sobre todo, es la mirada insistida durante esos diez años que convierte su observación en una  persistencia virtuosa, en una reflexión sobre las infinitas variaciones de lo idéntico.Me fascina, ese momento en el que la pintura, sin dejar de serlo , permite el acceso de la idea, la aceptación de un  conocimiento basado en la atención y en la observación. Eso siempre nos salva. Para mi visión de las cosas, la causa principal de la angustia, ansiedad, malestar existencial es el desconocimiento de las virtudes de la mirada, considero como un error del conocimiento es no saber ver las cosas tal como se presentan ante nuestros ojos , hay  que verlas en lo que son en sí mismas y no con  una percepción deformada de la realidad. La base de este estado de ignorancia es una atención deficiente. Por ello, la obra de Elena Kervinen , nos propone  una práctica de meditación  basada  en el desarrollo sistemático de la atención.

   

Elena Kervinen fenomenologiza su observación pura y atenta, pero además, incorpora ese principio estético formulado por  las teorías paisajistas de Kuo Shi(1020.1090) y  también por el paisajismo romántico de G. D. Friedrich , según el cual: hay que pintar desde lo más profundo del alma, pero concentrándose en los detalles de lo esencial. Solo así, puede entenderse que la obra de Elena, sea a la vez: una magnífica constatación de los numerosos cambios de luz y de atmósfera que afectan a su montaña y su castillo ,pero también una constatación en formas y colores de las variaciones de  su ánimo. Hace dos años,  las obras estaban dominadas por brumas, en esta ocasión hay más cielos  claros, noches y diversidad de colores que pregonan un estado emocional diferente. La pintura de Elena Kervinen, como toda buena obra de arte, se convierte en el único modo posible de acceder a la esencia escondida de las cosas, su alma desconocida  se revela a través de un paisaje, día a día, momento a momento.Debido a este carácter altamente subjetivista de su experiencia estética, su obra, como mujer del norte, está más cerca de la vivencia religiosa vivida en intimidad, de un pietismo que interioriza la experiencia de lo divino ,que de una mera descripción visiva,es una naturaleza interiorizada y confidente que guarda para ella celosamente y que cada dos años nos muestra, para animarnos a buscar  nuestra propia montaña.

  

 

        

Minimanifiesto kokonico:

 

Puede sorprender, a quien siga este Blog., la diversidad de citaciones artísticas, la variedad de eventos que voy comentando, y puede extrañar que algunos sean diametralmente opuestos entre si, por ejemplo, que tras mi elogioso post. sobre  Antoni Tàpies,el maestro del informalismo matérico, haya hecho este comentario a una obra como la de Elena Kervinen de una delicadísima figuración paisajística. Creo que el mundo del arte está lleno de pre-juicios que felizmente, pero con mucho esfuerzo ,he conseguido desterrar de mis criterios estéticos.

 

Me fascina el arte, porque no consigo comprender sus mecanismos, sus objetivos, ni sus logros. Es un fenómeno en el que me encuentro plenamente inmerso pero del que no conozco apenas nada. Por este motivo toda búsqueda sincera, todos los hallazgos de los artistas me interesan, forman parte de la incesante búsqueda de la causa del arte. Reconozco que la aceptación ecléctica no es el mejor lugar para ejercer un comentario, ni una crítica sobre arte. Pero es ahí donde me encuentro y me interesan hasta los primeros dibujos, los más elementales indicios de aquellos que han decidido ser artistas. Además , como ya he escrito en otras ocasiones y no me cansaré de repetir, mi nombre Bloggistico: Kokon , es una consideración acerca de lo antiguo y lo moderno, es un término que indica la contemporaneidad de la tradición y una muestra más de falta de prejuicios..

 

  

Nadie con 90 años  ha sido capaz de cantar tan bien el enamoramiento como Henri Salvador. Ha muerto para estas fecha de invierno y de celebración del amor. Su canción Jardin d ´Hiver y su último disco fue un éxito cuando todas las discográficas ya  lo habían desahuciado por motivos de edad. La noticia me la ha dado mi amigo Benet Ferrer que es un buen ejemplo de que en la edad no existe la rendición, y que él, que es un hombre de sesenta años, es como tres de veinte o dos de treinta, haber si alguien se entera de una vez por alguna escuela que hay por ahí y  lo graba con letras de fuego en la cabecera de su cama postadolescente en la que las feromonas del poder rebotan con tanta intensidad que anulan sensibilidades y detalles protocolarios.

 

                    

 

 

Secuencia  fotográfico - kokonica sobre un corazón de Carlos Pazos

   

para María.

       

 

               

Por la puerta entró Biel Mesquida con un ramo de flores amarillas en la mano, las llevaba con la ilusión del que vive un acontecimiento ,de quien va a felicitar a alguien, o a una madre  joven recién parida .El motivo era la inauguración de la última exposición de Antoni Tàpies en la galería de su hijo Toni. Con 84 años y toda una vida de trabajo artístico constante, la expresión Obra Reciente tiene un sentido muy especial en las exposiciones de Antoni Tàpies. Esta expresión indica su vitalidad constante, su energía incombustible , pero ,sobre todo ,es una nueva manifestación de un don augural que siempre  le ha  llevado a  exponer al mundo sus hallazgos, sea una intuición reciente sobre la vida, o una premonición sobre la muerte, pero siempre sobre algo  que nos sucede y nos afecta. Por eso, he titulado este post : "modelo reciente". Cada dos años espero y veo con la máxima atención sus nuevas obras. Su palabra plástica me  esclarece momentos presentes y me  augura situaciones futuras. Es así como se confirma la ilusión que  Antoni Tapies  ha tenido siempre, de ser útil a la sociedad, a las personas. Puedo asegurar que esta ilusión  es cierta, porque la pude escuchar de sus propios labios claramente el día de la inauguración en medio del rumor de la voces de tantas personas que acudimos a acompañarle en ese día.

 

En esta ocasión el azul , el blanco  el gris  y el negro del grafito dan a la exposición, y también, al catálogo un tono dominantemente frío , austero y sereno .El azul aparece  claramente en tres de sus obras recientes "Clau Blava",primera obra en el catálogo, en "Tinta Blava", en "C sobre cartro", muy sutilmente en "Paper d´Estrassa I ", el contraste entre la claridad del fondo y la oscuridad del grafito, aparece en:"Difuminat i Traç,"también en: "Entrada i Sortida".

    

fragmento de "Clau blava"100x70 pintura s papel

Juan Eduardo Cirlot fue de los primeros en celebrar en su libro "Arte Otro" la obra del  joven  Antoni Tápies, diciendo, en 1957, que  era uno de los artistas más puros, eficaces e intensos del recién aparecido movimiento europeo de arte Informalista y  lo colocó al lado de los más grandes. Entre 1954 y 1958 Cirlot estudió intensamente el significado simbólico de casi todo. Entre sus preocupaciones personales se encontraban: la ciudad de Carcassone, la Imagen del Despeñado y el color Blanco y Azul. El mismo Cirlot lo explica magistralmente en un texto epílogo para su libro de poemas "88 Sueños".Describe sus  tres sueños-símbolo y uno de ellos es sobre el uso del blanco y del azul: "En un tiempo no muy lejano tuve casi una pequeña colección de obras de arte actual. Entre ellas había dos obras extraordinarias: un cuadro azul y otro blanco, abstractos. Me atraían mucho. Pero mi sentimiento era ambiguo, ambivalente. Primero sentí necesidad de desprenderme del cuadro azul, luego del blanco." Eso mismo le sucedió con unos libros de cubiertas blancas y otro azules. Pasado el tiempo y sumergido en sus estudios sobre simbología, Cirlot deduce que: " el eje blanco-azul es descendente y que alude a la muerte, al paso del cielo a la tierra  y una alusión inconsciente de quien  no quiere desprenderse aún de su existencia vital, de su vida instintiva".

 

 fragmento de tinta blava  56x76 tinta, lapiz i collage

   

Me ha parecido ver en estas obras recientes de Antoni Tápies la ilusión de lo que se inicia conviviendo con la ilusión de lo que termina. Ni vida, ni no vida, como un ser que no aspira ni a ser puro ,ni impuro. La unidad de los contrarios perfectamente representada por un trazo único, sintético, caligráfico en "Difuminat y Traç" , una obra con un resplandor especial en la que la luz del fondo contrasta con la negritud de un trazo que es perfecta representación de lo UNO, "to hen" en griego, Ichi en japonés, la unidad de todo lo existente como une la línea del horizonte en el desierto, con dos indicaciones , una arriba y otra abajo. En esta exposición, todo alude al transitorio paso por la vida, esta exposición es una reflexión lúcida sobre el sentido del inicio y el final irremediable de todo lo existente. En "Vernis i Llapis" el primer trazo del dibujo con un lápiz dialoga con el barniz, ultima estado de la materia pictórica que a lude a lo que ya ha acabado.

 

                                                                           

       

fragmento de Barniz y lápiz.                                               fragmento de Entrada y Salida 

En "Entrada y Salida" este sentido se hace manifiesto, programa de vida con la maestría y simplicidad de  quien con unos trazos básicos lo sabe decir todo.

La reflexión esta hecha desde la serenidad de un buda en "paranirvana", ese Buda yacente y sin signos de dolor ni sacrificio que, sosteniendo su cabeza con la mano, acepta como algo natural la cercanía de la muerte.

Tapiés, vuelve a ser útil, vuelve a ser un modelo reciente, nos enseña  que, con la misma actitud de naturalidad  que tenemos ante la aparición de una nueva vida en el mundo, debemos celebrar su inevitable ausencia.

 

 

 

                    

 

 

  

Para mi padre, a quien siempre confunden con Antoni Tàpies

                       

  

A Joan Bufill e hijo.

 

Me encanta suspender con un cero a mis alumnos, pero nunca lo consigo. El cero es una ilusión para mi, tengo compañeros que no dudan ni un segundo en ponerlo, redondo, orondo, geométrico, pero yo no alcanzo nunca esa satisfacción íntima ese placer estético.

La quiebra de los modelos académicos me han dificultado mucho las cosas, antes dibujar una mano era dibujar una mano. Lo sabías hacer o no,  aun y así, no conseguía nunca mi objetivo: colocar un cero. Si hay unas pautas definidas y claras, si hay un patrón, si hay un espejo en el que mirarse el alumno y el profesor sabrán en que  han fallado ambos, y de mutuo acuerdo, pondrán un cero en la casilla correspondiente, uno para cada uno. Eso aun es válido para las ciencias y las profesiones con responsabilidad social, pues quiero que mi cirujano sea excelente y el arquitecto de notas brillantes.

Pero el problema en las artes plásticas, como sucede con los líderes políticos, es que no existen modelos  contemporáneos fiables. Por ejemplo, si el profesor se esfuerza por enseñar las virtudes de lo conveniente y pasa un video a sus alumnos de uno de los mejores dibujantes y artistas del S. XX, como Francis Bacon,  en un momento o en otro del film ,aparecerá la frase, la dichosa frase: "F.Bacon era autodidacta y repudiaba las escuelas, porque decía que no le podían enseñar nada y además pintaba por el lado no preparado de la tela, por el lado malo."

Un autodidacta puede hacer lo que quiera pero  las escuelas están huérfanas de modelos exteriores, de cánones oficiales y en consecuencia el único modelo fiable y del que se puede aprender mucho es del ejemplo artístico que ofrece cada profesor, el ejemplo de su búsqueda personal, el ejemplo de su aventura creativa de la que el alumno va  aprender mucho. En ese caso  habrá la complicidad y humanismo que debe existir entre maestro y discípulo, una complicidad antiautoritaria , una transferencia de conocimientos y una relación en la que exista la corrección  amable , el liderazgo seguro del maestro pero en la que no habita el humillante CERO.

   

 

  

Carles Hac Mor es un poeta, con camisa roja, que se ha propuesto reclamar para el arte su condición de enigma irresoluble, su condición autárquica y su dignidad. C.H.M quiere reivindicar la insumisión y el caos como la única manera fiable de aproximarse al arte . Según él mismo escribe: su principal objetivo son los "criticarros interpretadores que después de liarse y liarnos con clasificaciones  y concomitancias sensatas, siempre mal demostradas, concluyen que tal obra o tal otra, dicen tal cosa o quieren decir tal otra" .

  

Al leer esto, ninguno de nosotros queda redimido, todos nos sentimos aludidos ante tamaña acusación, ningún exégeta, ni el más honrado hermeneuta queda a salvo de su ira contrainterpretadora. Para los iconoclastas del sentido, para los contrainterpretadores del arte, este libro de  Carles Hac Mor, es un auténtico manifiesto, un pozo de sabiduría insumisa. Una ocasión única para fortalecer la desidentidad positiva  y aniquilar el ego racionalizador en beneficio de un caos positivo. Ya he glosado parte de su sabiduría crítica en el Post. sobre Jubany que antecede a este.

 

No hay duda  que Enderroc i Construcció (Derribo y Construcción) es un libro imprescindible , un ensayo fundamental para situarse en el núcleo del arte contemporáneo, pero haciendo honor al titulo del blog, he encontrado una fuente de rareza, de perplejidad  que no quiero dejar de señalar . Este monumento literario contra la interpretación se ha  publicado por  Arola Editors. Esta editorial no deja de progresar desde su fundación en 1998,   y  aunque tiene varias líneas de edición, se ha dedicado a publicar los textos herméticos más importantes de la tradición occidental. El mensaje reencontrado o el reloj de la noche y del día de Dios de Louis Cattiaux, Hermes Trismegisto, El origen de la alquimia, Un comentario sobre el Atalanta Fugiens, Hermes y la Tabula Esmeraldiana ,la   Belleza secreta o El buscador de orden  del propio fundador de la editorial :Raimon Arola, son algunos de los temas que se pueden encontrar en el índice de esta editorial. Todos estos títulos son anuncios, casi exhortaciones a la búsqueda  del misterio ontológico que se encuentra detrás de todas las cosas, de toda la existencia. Sin una buena capacidad interpretadora no se puede acceder a esos textos, se necesitan unas alforjas llenas de  buena fe, de confianza absoluta en la  exégesis hermenéutica basada siempre en  el amor. Sin fe, ni amor nunca aparece el significado simbólico.

 

 Las preguntas surgen  en racimos: ¿Cómo este alegato contrainterpretador del arte se ha publicado en una editorial fundada sobre los mismos cimientos de la capacidad por interpretar que tiene el ser humano?  ¿Cabe pues  ubicar al pensamiento de Carles Hac Mor, como un libro de revelaciones, junto a los de  Louis Cattiaux o a los de Raimon Arola? Si la respuesta es sí, entonces dispongámonos, con las herramientas adecuadas a atravesar el cristal sin romperlo, dispongámonos a operar con los útiles de la interpretación y el sentido para actuar sobre el libro revelado  de Carles Hac Mor como si fuera una Biblia, y entonces ,solo a través de la amorosa interpretación y la actitud adecuada, y la fe, podremos interpretar la contrainterpretación de sus textos  y accederemos a la esencia del sentido, al núcleo del ser y del no ser que su pensamiento esconde.

 

Si la respuesta es no, la controversia está servida porque el lobo habrá entrado en el redil de los corderos, y entonces su alegato contrainterpretador dejará mudos para siempre a los grandes autores herméticos, su sentido quedará definitivamente cerrado para todo el mundo. Solo escucharemos palabras, sonidos que no comprenderemos pero que nos producirán profunda reverencia al oír su pronunciación en el aire. Y entonces se repetirá el argumento con el que iniciaba esta extraña reflexión: Carles Hac Mor es un poeta, con camisa roja ,que se ha propuesto reclamar para el arte su condición de enigma irresoluble, su condición autárquica y su dignidad. C.H.M quiere reivindicar la insumisión y el caos como la única manera fiable de aproximarse al arte .

     

m.VIII.2001 acrilico/s/papel 160x120.

 

La casualidad ha hecho confluir en un mismo tiempo y geografía a dos viejos amigos Ramón Herreros en la René Metrás y Josep Lluis Jubany en Fidel Balaguer.  La afición de ambos a la cinematografía me pone a tiro un buen titular: Dos hombres y un  destino. Ambos se formaron en la Escola Massana de Barcelona y también en Eina, ambos formaron parte del llamado Grupo A y en los tres primeros años de la década de los setenta hubo gran comunicación artística entre ellos, y también con Nuria Vidal, con Isidre Manils, Ferran Garcia Sevilla, incluso hicieron una película, hoy desaparecida, llamada:" Imatge"  ,y por si fuera poco, ambos trabajaron en la editorial Destino. De Ramón Herreros ya hablé, ahora quiero hacerlo de Jubany.

 

Josep Lluis Jubany  hizo su última exposición hace diez años: "Vermell-Vermell en la Galería Joan Gaspar ,no se prodiga mucho y es  persona silenciosa, discreta, habla poco y no necesita que nadie lo explique ante los demás, que nadie le represente. Me da la impresión que no es persona a quien le guste la interpretación de su obra y que dado el carácter geométrico de su pintura , solo exige del espectador una actitud fenoménica adecuada. En esta misma línea,  Jubany  ha querido prologar su obra con los vapores contra-mercurianos de la contra-interpretación y ha querido contar con el No-Crítico  Carles Hac Mor. Este, en su texto : "El Arte de Jubany contra su Interpretación", alude al arte silencioso de este artista y argumenta que su obra no necesita muletas , que es lo que es en sí misma y que cualquiera que lo intente puede caer en el abismo del absurdo. En este texto hay una apología muy bien armada del no-ser como condición de lo artístico. Paradójica y ejemplarmente los artistas confían, cada vez más, en C.H.M,  a sabiendas de que, probablemente, no esclarecerá el enigma de sus obras, confían fielmente en alguien que es como ellos y que se aproxima  a sus obras con la delicadeza de un amante.

Fragmento de m.I 2006

  fragmento m.V.2001  

Yo Kokon , con modos modestamente fenomenológicos, he creído encontrar sobre la obra misma de Jubany la presencia física de esa instancia evanescente que C.H.M denomina como  no-ser. Lo he creído ver en las fronteras, en los bordes del encuentro de un color con otro, en ese espacio de nadie que aparece tras las reservas de los colores, para que se mantengan distintos, equidistantes pero en buena relación. Hay en ese lugar de nadie  un espacio en el que reside  lo artístico. Es decir allí donde se da la mínima expresión del yo del artista. Allí donde realmente existe el vacío y el silencio de la obra.

       

                  

 

gRACIES bENET

 

Ayer vino Enrique, un vecino y amigo  del 2º 1ª .Solemos hablar de cosas, de la escalera,de exposiciones, de cómo nos va todo. Como era lógico salieron a relucir los terribles episodios de días pasados. Yo le expliqué las circunstancias que viví y el añadió alguna más. Hablando y, como el que no quiere la cosa, Enrique me dijo que desde hace algún tiempo está interesado en un tema que le ocupa y me lo contó. A medida que hablábamos, como tenía el ordenador a mano, fui buscando algunos datos que me indicaba en la conversación,los fuimos curioseando y así fuimos a parar a su tema ,que para mí es nuevo y del que creo que es una importante reflexión para los tiempos presentes y futuros, me refiero al fenómeno físico-psiquico de :LA RESILENCIA.

 

  

 

Este neologismo y lo es porque no consta en la R.A.E., proviene del campo de la ingeniería, del campo científico y eso  es, en principio, una buena tarjeta de presentación. Por lo que he podido saber  es un término utilizado por  un neurólogo, psiquiatra francés que se llama Boris Cyrulnik (Burdeos, 26 de julio de 1937)que  además de sus credenciales como médico es un especialista en etología clínica del hospital de Toulon. La etología estudia el comportamiento humano, desde la óptica de lo humano, pero no olvidemos que los etólogos también estudian el comportamiento animal de los simios y los primates.

 

 La Resilencia , se refiere , originalmente en ingeniería, a la capacidad
de un material para adquirir su forma inicial después de someterse a una
presión que lo deforma. Tras un impacto  previsible por alguna circunstancia natural adversa, un material recupera su condición y sigue funcionando. Eso es lo que sucede con la caña de bambú.

Para conseguir una buena Resilencia es necesario prever las circunstancias adversas que pueden actuar sobre la cosa. Trasladando el concepto a las personas, al hablar de resiliencia humana se afirma que es la capacidad de un individuo o de un sistema social de vivir bien ydesarrollarse positivamente, a pesar de las difíciles condiciones de vida ymás aún, de salir fortalecidos y ser transformados por ellas y tras un impacto de fuerte conmoción traumática.

 

Esta aportación sobre la conducta humana, tiene antecedentes nobilísimos en la filosofía: desde la búsqueda de la Ataraxia estoica, pasando por los remedios epicúreos y acabando en la filosofía, que no religión, budista. Territorios que siempre me han interesado y sobre los que no dejo de trabajar. Ahora, la novedad  es que este  término Resilencia, que se parece mucho al remedio de un bálsamo, se ha puesto en boca de científicos y cuando estos toman la palabra quiere decir que hay algo urgente que resolver en la humanidad. Vivimos en tiempos crudos en los que se nos dice , con toda naturalidad, que sin saberlo, vivíamos y tomábamos el te de la tarde en un supuesto polvorín de un grupo radical. La muerte por pandemias es una constante amenaza, se nos dice que el tiempo de la tierra se acaba por los cambios climáticos y así la lista sería interminable. Ante estos sucesos la perspectiva de vida futura alcanza el tono más negro de la gama cromática  y hay que buscar un medio de oxigenación, un método que resuelva los posibles conflictos con los que nos podamos encontrar y que permita que el "murmullo de los fantasmas", titulo de uno de los libros de Boris Cyrulnik dejen de atormentarnos.

 

 

La Resilencia quiere potenciar desde la más tierna infancia, en los seres adultos y en los grupos humanos la capacidad de respuesta ,saber afrontar situaciones de crisis ante la destrucción , la presión, lo súbito, lo inesperado y  encontrar el camino de la superación del dolor y la muerte,  como situaciones límites ante las cuales se debe encontrar una manera de superación. Esta capacidad forma parte de la historia personal de la mayoría de las personas, que han sobrevivido a la adversidad utilizando la intuición y un saber improvisado, entiendo que la Resilencia, pretende educar desde la infancia para dar las herramientas adecuadas para afrontar la adversidad, fomentando en el futuro adulto la capacidad de construir o reconstruir su propia vida a pesar de las circunstancias difíciles. Ya he dicho que este principio me viene como anillo al dedo  por mi deriva hacia lo  oriental. El budismo requiere como primer requisito el reconocimiento del dolor como algo consustancial al ser humano, también reconoce que ese dolor obedece a una causa y que puede cesar porque hay un camino para conseguirlo. Es decir que , como predicaba el filósofo, mal llamado pesimista, Schopenhauer hay que reconocer que tras el reconocimiento "pesimista" de todo lo que nos afecta se augura un camino de acceso a un bienestar seguro.

Por último creo que como se suele decir, en el "argot" popular, y confirma la sabiduría taoista: los conflictos son la base del desarrollo, cuando aparece esta dialéctica se  está anunciando crecimiento, transformación y entonces el dolor se convierte en una buena oportunidad  para el crecimiento y la imperturbabilidad.

                    Para Guila 3

Yosu: dentro de un ratito cerramos un año más... ahora empiezas una libreta nueva, así que se aplicado y ordenado; cuando lleves unas semanas ya será como el año anterior.

Muchos besos y muchas felicidades,

Tu primina Guillermina     Guila los astros nos han emparentado felicidades a ti también en el día 3. Que tu libreta se llene de buenos artistas para tu fantástica galeria

 

Para Yosu 3.

                  

  

Una buena amiga me ha enviado la fotografía que acompaña este Post. Me ha dicho que esta imagen  se llama "las manos de Dios" y  que sale una vez cada dos años en Okinawa, sur de Japón.  No conocía este fenómeno , pero es curioso que se dé en Okinawa que es la patria del Kara-Te. Un arte marcial que empezó denominándose Okinawa - Te y que contiene todo el espíritu del vacío en las dos manos, convirtiendo la mano  desnuda ( Te) en un arma letal. Las armas más eficaces son las manos vacías.  Y la naturaleza lo recuerda cada dos años. El que no quiere nada lo tiene todo,las manos vacias están llenas.