TODO ES MUY RARO

 

Por estas fechas hay dos acontecimientos que ningún año me he perdido, uno es  la retransmisión de TVE  del concierto de año nuevo desde La Sala Dorada del  Wiener Musikverein de la Wiener Philharmoniker y el otro es la retransmisión desde Garmisch-Partenkirchen de los saltos de esquí. El uno de Enero, desde 1939, un baile circular  anuncia el "Perpetuum Mobile" de la existencia, vueltas y más vueltas sobre uno mismo, el vals es un  baile  que me recuerda que todo se repite, que todo es idéntico a si mismo, es más que un baile, es una alusión al movimiento eterno de los astros que nos dicen que no existe la novedad y año tras año cuando suena la Marcha Radetzky empiezo a  dar  palmadas como un tonto en el salón.

   Luego, desde la alta Baviera , en Garmisch-Partenkirchen, Paco Grande  hace veinte años que retransmite el salto de esquí, un deporte que no  interesa a nadie en absoluto y que todos miramos con ilusión encandilada el primer día del año, Grande con voz amable, nos explica  como unos jóvenes, auténticos desconocidos y  con apellidos nórdicos de pronunciación imposible: Gregor Schlierenzauer o  Matti Hautamaeki han saltado más y más largo, más longitudinalmente que nadie ,volando por los aires: 125,5 metros, 123,00, sumando puntos y más puntos y yo miro, miro y otra vez parezco el tonto de las palmaditas de la marcha Radetzky y entonces me pregunto que querrá decir eso y llego a la conclusión de que encierra otro simbolismo menor, si, ya lo tengo: después de dar vueltas y más vueltas en circulo se trata de ir hacia adelante, de seguir avanzando de ir más lejos que los demás , de no pararse nunca :id, id, más allá,  al otro lado del río.  

Vadear un río, ir a la otra orilla, guiados por el anhelo de llegar a algún lugar es lo que permite que las hojas del calendario, caigan unas tras otras y que avancemos. La ida a la otra orilla del río, vadeando las aguas y chapoteando en ellas:  Wade in the water  viene desde la época de Moisés. Aquí aparece mi tercera y última aportación. Wade in the water ,cruzar al otro lado del río se ha convertido en el canto Espiritual negro más versionado de la historia y cada cantante le  añade o quita palabras. Algo debe tener la cancioncilla que tantos y tan diversos personajes la han cantado durante tanto tiempo, desde Bob Dylan a Juddy Henske, pasando por los coros de las capillas cristianas, a las voces negras  o a la versión jazzística de Ramsey Lewis son algunos ejemplos. Vaya con estos cinco-cinco vídeos musicales  con versiones muy diferentes del cásico Wade in the Water, el deseo de una feliz travesía del Jordán del año que viene para todos los seguidores de este Blog. tan raro. Kokon.

 

 

                       

                        1.Judy Henske

 

 

 

                       

                        2.The Brotherhood

 

 

 

 

                        

                        3.Rochester College

 

 

 

                       

                       4.Ramsey Lewis

 

 

 

                       

                        5.The Cherie Gears Band

 

 

 

   Wade In The Water Lyrics by Bob Dylan The first release, live version minneapolis, december 22, 1961traditional, arranged by bob dylan) 

 

Wade in the waterWade in the water, childrenWade in the waterGods a-gonna trouble the waterGods a-gonna trouble the water.Well, who are these children all dressed in red? Gods a-gonna trouble the waterMust-a-be the children that moses leadGods a-gonna trouble the water.Wade in the waterWade in the water, childrenWade in the waterGods a-gonna trouble the waterGods a-gonna trouble the water.Well out of the mountain come fire an smokeGods a-gonna trouble the waterJehovah nobody be he couldve spokeGods a-gonna trouble the water.Wade in the waterWade in the water, childrenWade in the waterGods a-gonna trouble the waterGods a-gonna trouble the water.Well, Im walkin down the highway an the waters gettin lowGods a-gonna trouble the water.Walkin down the highway, nowhere to goGods a-gonna trouble the water.But its wade in the waterWade in the water, childrenWade in the waterGods a-gonna trouble the waterGods a-gonna trouble the water.Gods a-gonna trouble the water.    

Begin being ready to find the human mind, 2007

Acrílico, collage sobre cartulina

18,5 x 70,5 cm.

GONZALO TENA, (Teruel 1950) Pintor, escritor, escultor , expone con el  título"The relation of Human Nature to the Human Mind" sus trabajos recientes en la galería Fernando Latorre de Madrid desde 21 de Diciembre a 20 Enero 2008 .

Gonzalo Tena formó parte del grupo de "Trama" en los años setenta con Broto , Xavier Grau ,Javier Rubio,  fueron apadrinados por Tàpies e hicieron sendas exposiciones en la Galería Maeght de Barcelona y en la Fundació Miró, el grupo tuvo una actividad tan intensa en el debate sobre conceptualismo y pintura-pintura que, en Barcelona, aun se recuerda la polémica. Yo creo que los de Trama era tan conceptuales o más que los otros, la diferencia es que se manchaban las manos. En Trama  se daban confluencias intelectuales radicales muy diversas desde el marxismo-leninismo al psicoanálisis, de ese momento tan fructífero  que se desarrolló en Barcelona en los setenta existe un estudio completísimo en dos gruesos volúmenes con más de ochocientas páginas escritas por el psiquiatra y coleccionista Javier Lacruz.

Gonzalo Tena ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas y compagina su trabajo artístico con la escritura y el estudio de algunas obras clásicas de la historia de la pintura, como muestra hay que citar su libro "Bruegel en La Torre de Babel" (2005) cuya presentación fue en el Museo de Teruel y corrió a cargo de Juan Manuel Bonet, exdirector del Museo Nacional Reina Sofía, crítico de arte y comisario de exposiciones. La exposición que se presenta ahora está basada en 50 obras de pequeño formato que forman series incidiendo en fragmentos de la escritura y forma de pensar de Gertrude Stein.quien en 1935 publicó : "The Geographical History of America or the Relation of Human Nature to the Human Mind ". En los últimos años su trabajo está influenciado por la escritura y el pensamiento de Gertrude Stein.

 

The human mind says yes it is, 2007

Acrílico, collage sobre cartulina

18,5 x 70,5 cm
 

La obra y la actitud artística de Gonzalo Tena es muy compleja, por la brevedad que me he auto impuesto en el Blog. quiero tratar someramente algunas facetas del poliedro  de su obra. Una de esas  facetas es la que el mismo Gonzalo llama:"la tarea del entomólogo crítico" ,es decir la capacidad que tiene este artista  por percibir los minúsculos detalles de la vida y aplicarlos a su arte que exije máxima atención a lo menor. Cuando hablas con él, te das cuenta del valor que le da a una mirada o a un gesto, la importancia de la memoria y de las anécdotas. Cuando leí el estudio de Gonzalo Tena sobre Bruegel me dí cuenta  que en ese libro se pone énfasis en la importancia de la mirada en detalle sobre las obras de arte, una mirada que exige concentración, conocimiento y la capacidad interpretativa del entomólogo crítico para enfrentarse a las formas y a la vida. Solo personas como él o como el escritor e ingeniero Juan Benet son capaces de determinar la importancia de que el crecimiento formal  de la Torre de Babel de Bruegel sea de orden helicoidal o telescópica y que en eso resida un aspecto  fundamental de esa obra. Por este motivo, podríamos suponer que G.T  es un entomólogo de la forma que hace un arte cientifista basado en evidencias y análisis objetivos, pero no, no es solo así, desde la precisión y la exactitud como debemos aproximarnos a su obra. Cuando pienso en la obra de G.T me viene a la cabeza una frase ambigua de uso popular que dice: "verde y con asas". Esa frase alude a lo evidente, a lo objetivo, a lo claro, a lo diáfano, a lo que no ofrece duda alguna, podríamos decir una obviedad científica, sin embargo es una frase críptica, cerrada, hermética porque nadie sabe definir de una sola vez que puede ser eso que es verde y con asas. Por otro lado en esa afortunada expresión se reúne la palabra, el objeto y el color y ahí se encuentra el otro lado de la moneda  de S.Tena que esta llena de franjas y turbulencias formales, de actividad energética constante y de palabras que teniendo sentido lo pierden en el conjunto y ahí es donde  yo veo su proximidad al mundo Steiniano. Gonzalo Tena obliga al espectador a definir un nuevo tiempo y un nuevo espacio, obliga al sujeto percibiente a establecer un vínculo  no causal con la obra , no ilustra conceptos, ni frases, obliga  a una percepción simultánea de los dos cerebros: el que es capaz de inteligir y el que es capaz de ver, todo ello en frases que salen de lo lineal temporal de la escritura para convertirse en fragmentos, en detalles energéticos más que de sentido. No hay progresión lineal hay coexistencia espacio temporal.Y así,sin pasado, sin futuro nace el instante, el momento pregnante del sentido. Las frases de Gertrude Stein también enfatizan esa voluntad de momento.

  

Con la obra de Gonzalo Tena hay que dejarse llevar sin obsesionarse por el sentido, no hay que descifrarla necesariamente por el hecho de que existan unas palabras escritas, como tampoco queremos descifrar el entramado complejo de un garabato sígnico lleno de energía. En este aspecto y por mi deriva hacia lo japonés diría que  Gonzalo Tena , además de a Gertrude Stein, se acerca en su obra a esa sensibilidad oriental en la que corazón(Human Nature) y cerebro(Human Mind) forman parte de la misma expresión poética en la que la palabra es la que es, pero en la que el sentido se muestra abierto y a menudo cerrado.      

 

 

  

 

LA TIERRA PLANA O ESFÉRICA.

 Este mapa es ,según la WIPI una adaptación del siglo XV de un mapamundi medieval e ilustra tan solo la parte accesible de una tierra esférica, ya que se creía que nadie podía ser capaz de cruzar el clima tórrido cerca del ecuador para pasar al otro lado del globo. Arriba nieve eterna con el arca de Noé sobre un pico, a la izquierda, en el Oeste cristianos, a la derecha en el Este, moros y se acabó. No sé como Dante pudo imaginar entonces, en 1300, doscientos años antes de este mapamundi que había hemisferio sur y también nieve perpetua. Vale, de acuerdo que algún griegoEspabilado no se conformaba con la idea de que la tierra era plana y calculó una posible circunferencia del posible globo. Claudio Ptolomeo derivó sus mapas de un globo curvado, y desarrollo el sistema de latitud, longitud, y climas. Sus escritos se convirtieron en la base de la astronomía europea durante la Edad Media, aunque la antigüedad tardía y la Alta Edad Media vieron argumentos ocasionales en favor de una Tierra plana.La noción de una Tierra plana se refiere a la idea de que la superficie habitada de la Tierra es plana, en lugar de ser una tierra esférica curvada. En la Europa Medieval se creía que la Tierra era plana, en creyentes modernos en una Tierra plana, y en el uso de la idea de una tierra plana en la literatura y la cultura popular.

El error moderno de que la gente en la Edad Media creía que la tierra era plana se introdujo por primera vez en el imaginario popular en el siglo XIX.Y es así como se enseñaba en el colegio, y que fue Colón quien demostró con su viaje, que no, que no era plana al conseguir avanzar con sus carabelas paralelo tras paralelo hasta bajar hacia las americas. Por eso el problema no es tanto si era plana o esférica, sino que si se sabía que había algo más allá de determinado paralelo y sobre todo, me pregunto:¿cómo lo sabía Dante en el 1300?

  

La salida al hemisferio austral es posible. Si Dante ha imaginado que recorría los senderos tortuosos del infierno donde sólo había oscuridad y dolor, después de pasar por las estancias más horrorosas en donde penan y sufren los castigados y como digo IMAGINABA SALIR AL HEMISFERIO AUSTRAL EN EL 1300,cuando empezó a escribir la Divina Comedia, quiere decir dos cosas :una ,que al final del túnel siempre hay una luz y la segunda que casi doscientos años antes del descubrimiento de América por Cristóbal Colón, Dante ya sabía que la tierra era redonda y que debía existir una tierra opuesta al hemisferio en el que vivimos. Fabián, u otros si sabéis  algo decídmelo, de momento bajo los efectos vaporosos y espirituosos de la sobre mesa de San Esteban, se me ocurre esta chorrada: siempre hay una salida, y entonces podremos salir y volver a ver las estrellas.

  

  No era galería de palacio el lugar                 donde estábamos, mas natural caverna

 que tenía feo suelo y luz escasa.                 Antes que del abismo me arranque,                 Maestro mío, dije yo

cuando estuve erguido,    háblame un poco para quitarme de error:                 ¿dónde está el hielo?

y ¿cómo clavado está                 éste así boca abajo?      ¿y cómo en tan pocas horas de tarde a mañana

ha hecho el Sol su trayecto?                 Y él a mí: Te imaginas todavía que estás                 del otro lado del

centro, donde yo me tomé            de la piel del infame verme que taladra el mundo.                 Allí estuviste en

 tanto descendía;                 cuando me volví, pasaste el punto             al que se atraen de todas partes los

pesos.                

Y ahora al hemisferio has llegado                 que está contrapuesto al que la gran seca            cubre, y en

cuya cima fue muerto                 el hombre que nació y vivió sin pecado;                 los pies tienes sobre una

pequeña esfera             que en la otra cara mira a la Judeca.                 Aquí es mañana, cuando allá es la

tarde;                 y éste, que nos sirvió de escala con el pelo,           clavado está así como antes era.  

                Por este lado cayó desde el Cielo;                 y la Tierra, que antes de acá se tenía,            por

miedo de él hizo del mar vela,                 y vino al hemisferio nuestro; y tal vez,                 por huir de él, dejó aquí un

lugar vacío            que aparece de este lado, y para arriba remonta.                 Lugar hay allí abajo, de

Belcebú bien remoto,                 tanto cuanto la tumba se extiende,            que no vemos, sino por el rumor

percibimos                 de un arroyuelo que aquí desciende                 por el hoyo de una piedra, que él ha roído,  

            con sinuoso curso y de pendiente poca.                 El Conductor y yo, por ese camino escondido,  

                entramos a retornar al claro mundo;             y sin cuidarnos de reposo alguno,                 subimos, él

primero y yo segundo,                 tanto que vi las cosas bellas           que lleva el Cielo, por un resquicio

redondo.     Y entonces salimos a rever las estrellas.

Lo duca e io per quel cammino ascoso

Intrammo a retornar nel chiaro mondo;

E sanza cura aver d´alcun riposo

Salimmo su,el primo e io secondo,

Tanto ch¨i ¨vidi delle cose belle

Che porta ´l ciel,per un pertugio tondo;

E quinde uscimmo a riveder le stelle.

El Conductor y yo, por ese camino escondido,

entramos a retornar al claro mundo;

y sin cuidarnos de reposo alguno,

 subimos, él primero y yo segundo,

 tanto que vi las cosas bellas

que lleva el Cielo, por un resquicio redondo.

Y entonces salimos a rever las estrellas

   

 

Borja no te vayas. Yo cuando sea mayor quiero ser como tú, te necesitamos en Barcelona, eres un modelo para los niños. Que carrerón que llevas. Desde tu Burriana natal a Master of  Universe. Desde bien joven sabias que habías nacido para triunfar, tan solo acabar la carrera en Valencia en 1980, ciudad pequeña para ti, te fuiste a donde hay que ir, no lo dudaste, te fuiste a América. Pero no a  Chicago, ni a Oklahoma , no,  te fuiste  a Nueva York,  allí donde todos queríamos ir. Te dieron becas y doctorados, masters y graduaciones, marcaste la diferencia con nosotros, pobres estudiantes de una universidad poco dada a vanguardismos. OCHO añitos de esfuerzos hasta que conseguimos robarte de los valencianos y llevarte a Barcelona. Aquí en la Fundació Tapies, gracias a tu decisión nos traías lo mejor, lo nuevo, apostabas y arriesgabas y fue el mejor período de la Fundación, pudimos ver a Louise Bourgeois, Brassaï, Marcel Broodthaers, Lygia Clark, Hans Haacke a  Krzysztof  Wodiczko y tantos más. Fueron OCHO años de modesto y constante trabajo, no querías entrar con mucho ruido en la sociedad catalana que te acogió tan bien que no dudo en nombrarte, OCHO años más tarde director del MACBA, el gran portaviones de la flota cultural catalana, allí perseveraste y volviste a triunfar , exposiciones dedicadas a Vito Acconci,  Öyvind Fahlström, Dora Garcia, David Goldblatt, Luís Gordillo, Raymond Hains, Richard Hamilton, William Kentridge, Muntadas, Raymond Pettibon, Adrian Piper, Michelangelo Pistoletto, Gerhard Richter, Martha Rosler, Dieter Roth, Antoni Tàpies , Zush o Carlos Pazos un acierto tras otro ,hasta hoy mismo con tu exposición: Bajo la Bomba que creo que esta siendo muy visitada, y ahora que se cumplen algo más de  OCHO años, te vuelves a ir. Te vas con el enemigo a Madrid y nos dejas solos. Nos dejas en manos de las eternas discusiones culturales, algo provincianas, a las que ya estamos acostumbrados por aquí. Ya desde hoy andamos revueltos, las asociaciones  reclaman un concurso y  como si supieran la noticia de antemano, han emitido hoy mismo un  comunicado conjunto ,son: la Asociación de Artistas Visuales de Cataluña, la Asociación Catalana de Críticos de Arte y la Asociación de Galerías Independientes de Cataluña. También tienen que hablar sobre este tema: Las instituciones titulares del MACBA, la Generalitat, el Ayuntamiento de Barcelona y la Fundación MACBA  que serían las responsables de poner en marcha la convocatoria de un concurso internacional al que se presentaran los cuatro candidatos que has dejado en la cuneta. No, no queremos segundos platos, queremos el menú completo.
Borja no te vayas, nos dejas solos, si los políticos y los expertos tiene que escoger es posible que no acierten o que no se pongan de acuerdo. Ya sabes que nos dejas en un marco de opiniones cuatripartitas que intuyo será una dificultad para encontrar un consenso. Si, de acuerdo, tú también  has optado  por un consenso y una reunión de expertos, haciendo caso a las recomendaciones  del 'Documento de Buenas Prácticas en los Museos y Centros de Arte' has pasado un examen. Pero no es lo mismo .contigo en la convocatoria la decisión era fácil y como ha dicho el ministro de cultura: "Es la persona que se merece este museo y es una persona razonable". Pero Borja la felicidad completa no existe, no te engañes que se acercan las elecciones generales y pueden cambiar los equilibrios parlamentarios : que si  Consejos de Ministros, que  si el  presidente del Gobierno, que si los miembros de la oposición,  que si el Congreso, que si  el Senado. El diablo es puerco y pone trabas inverosímiles, ya sabes lo que le paso a la buena  Rosa Regás que vivía feliz como abuelita y le hundieron la vida  cuando le desapareció el mapa grabado en madera del mapamundi de Ptolomeo. Que no te falte nunca nada ,y si pasa no lo digas.Y es que tienes un inconveniente, aunque la gente en confianza te llame "Manolo" que no Manel, vienes de Barcelona, por cierto no puedo seguir escribiendo que tengo que buscarme un sitito para el partido de hoy entre  MNCARS  y MACBA. Borja no te vayas , pero si lo haces  y  te tratan mal, no esperes a cumplir el ciclo de OCHO años y vuelve a la FUNDACIÓ  TAPIES. Siempre te recordaré. Kokon

 

        

 

 

 

 

ULTIMA HORA: Borja no me hagas esto.He oído en el telediario de ahora mismo, que tu primera exposición será sobre Picasso, ya empezamos, ¿no lo sabemos todo sobre Picasso? Porque no algo más de riesgo?Vuelve aun estás a tiempo.

 

La cena con los amigos en el restaurante mexicano había sido muy agradable y el tequila empezaba a hacer los efectos pertinentes. En medio de cierta confusión dos de los comensales, Ana y Alain, empezaron a hablar de una serie de TV que habían visto cuando eran pequeños y que se llamaba The Prisoner , uno en Francia y otra en España, como nadie más la había visto empezamos a dudar de su existencia. El argumento era tan delirante que parecía inventado por ellos como resultado de los vapores de la Pita mexicana. Pero no, existe , aunque nadie en la mesa la había visto.

The Prisoner es una película de Ciencia Ficción inglesa creada , protagonizada y producida  por  Patrick McGoohan  para la TV consta de 17 episodios que se vieron entre Octubre de 1967 y Febrero de 1968, unas series largas de casi 50 minutos .Una de las gracias de la película es la aparición intermitente de una bola blanda, blanquecina, gigantesca y gaseosa que aparece en los momentos en los que el Prisionero está a punto de liberarse , impidiendo su huida a base de empujones que lo devuelven a su lugar.

                  

 

 

 

Tenían la razón y como se suele decir : si tengo la razón dámela, y si no la tengo no me la des. Pues yo con este Post se la doy .Y como llevo despierto desde las 7:08 hora local, en la que he participado en el día mundial del orgasmo, pues he tenido tiempo para encontrar estos dos documentos: el primero recoge la Presentación de la serie y el segundo es una actuación de los poetas del grupo "Accidents Polipoètics" en el que hacen una divertida reflexión sobre la Razón.

Espero que os guste: Ana y Alain. Felices Fiestas. Teníais la Razón.

 

 

 

 

 

 

 

                                       

      

 

 

Mañana dia 22 de Diciembre hay dos sucesos importantes en nuestras vidas: uno es el sorteo de Navidad y el otro el día mundial del orgasmo. Todos a la 06:08 Universal Time(GMT)tenemos una oportunidad única de ser felices y globalizados por un rato, bueno ratito, y es que mañana se celebra por segunda vez el día mundial del orgasmo que  ha puesto en marcha una entidad pacifista: por la Paz, por la Justicia Social y el Desarmamentismo. Lo que ellos llaman el worsgarm .Teniendo en cuenta que los especialistas en ludopatias aseguran que jugamos a la loteria por envidia y celos. Los estudios demuestran que la gente, aunque sabe que es casi imposible que le toque, compra lotería para evitar que le toque al vecino y a ellos no. Por la misma razón no vamos a dejar de participar en ese momento tan señalado aunque ayude al calentamiento global del planeta. No quiero imaginar que mientras mi vecino goza de ese momento yo estoy  como dice el tango: triste, fané y descangayao.

Hace unos días comente la exposición Pulsions de alumnos de la Escola Massana en la Capella de la calle Hospital,56 , y puse de relieve la importancia de la forma y de la tecnología material en la realización de las obras. Hoy quiero comentar una exposición que coincidiendo con la anterior en  los mismos días, se está motrando en la sala Busquets, en el interior de la misma Escola Massana de Barcelona de alumnos del mismo C.F.G.S de Escultura, una  exposición que he visitado hoy y en la que parece que se enfatiza todo lo contrario.Sé que los objetivos de  una  y otra expo. son diferentes pero me sirven para ilustrar esta reflexión general sobre la práctica artística.

           

 

Viendo ambas exposiciones parece que se pueda plantear la dicotomía que da título a este artículo: entre el poder de la forma y la inteligencia del concepto. En un proceso creativo la cultura del proyecto y la inteligencia formal deben convivir con el poder de las formas materializadas, no debe separarse  el proyecto  de la ejecución, la cabeza y la mano, eso es un error tolerable, hasta cierto punto, en la construcción de un edificio o en el diseño de una máquina pero no en la creación artística .

  

A primera vista parece que se puedan deducir intenciones diferentes en una y otra exposición, siendo los profesores los mismos y los alumnos similares. En el aprendizaje se trata de ir ensayando y errando,  ir probando caminos que nunca acaban de cerrarse y por lo tanto parece lógico que los alumnos tanteen territorios, abran senderos.

   

Los profesores  deben  jugar roles diferenciadores entre  ellos como consecuencia de sus  posiciones creativas, unos criterios  que les da su propia práctica artística. Creo que la búsqueda de caminos necesita respeto y consideración hacia los auténticos rastreadores , sean estos los que sean. Todos los medios son legítimos si se fundan en necesidades expresivas sinceras. No me parece adecuado que existan posicionamientos radicalizados que ensalcen  o condenen los hallazgos  de los alumnos con la intención de beligerar con los puntos de vista que no se comparten con otros profesores. La verdad es que estamos acostumbrados a escoger y se nos ha dicho siempre que el profesor, como el crítico, debe establecer pautas de definición de la excelencia. Eso me parece que debe ser así en las cuestiones de adecuación entre medios y fines, es decir, que el profesor debe guiar los errores y corregir los malos usos de los procedimientos pero también debe ofrecerse como modelo de comportamiento artístico con su propia práctica en esta época de compleja dispersión de valores. Debe observar y aconsejar alternativas tecnológicas y favorecer el desarrollo del trabajo, pero , sobre todo, debe considerar que la fuerza inicial de trabajo, que la piedra escondida del arte se encuentra en el corazón de  cada uno de sus alumnos. Digo alumnos y no artistas para no herir algunas sensibilidades, pero en realidad considero que cuando un joven decide, por su voluntad, no por la de otros, pasar por el dintel de la puerta de una escuela de arte, casi siempre contra la decisión de los padres de quien se ha independizado, lleva una vida esforzada de compatibilización de trabajo y estudios y además viene de otro país, para mi tiene el rango y el rasgo esforzado del artista. Y así  hay que  tratarlo.

    

El profesor pone las condiciones de posibilidad para que el arte aparezca. Sucede, aparece y eso es lo importante, un arte manifestado que no se queda en el limbo de las buenas intenciones o de los proyectos ,sino que se ejecuta.  Como se ha dicho por científicos y filósofos esde antiguo: en realidad ya lo sabemos todo y lo único que podemos hacer es recordar, sacar a la luz y manifestar lo que poseemos, y eso sucede a veces de manera diversa y contradictoria en el arte,puede suceder entre  entre la figuración o la abstracción  , formalizando con materiales densos , pesados  o con la evanescencia de la imagen y del concepto.Y sobre todo en su mixtura. Es fácil, tan solo se trata de escuchar la voz de la necesidad y permitir que el arte aparezca y se imponga sobre la burocracia del Excel y las listas interminables de propósitos absurdos que solo tranquilizan a los funcionarios acomodados en su trabajo.

  

 

 

La interpretación poética de los textos y frases chinas o japonesas siempre esta abierta. En estos "kanjis" que he escrito  aparecen cuatro palabras y podemos jugar con ellas: Antiguo, Ahora, Unico, Paso. Felicidad Kokonica.

C.G.JUNG

 

Pensaba que hoy ya quedaba cubierta mi intervención en el Blog. con un Post que he escrito esta mañana, pero no lo puedo evitar y me he puesto a escribir esto tan solo llegar a casa, ya entrada la madrugada. Hoy he ido a ver ,en sesión de noche, un documento extraordinario en el que durante más de setenta minutos  he podido ver y escuchar, con su propia voz, las principales teorías formuladas por el psiquiatra y ensayista suizo Carl Gustav Jung. Este documento filmado en 16 m/m en 1957 (Houston)se ha recuperado y restaurado por Salomón Shang y se presenta con dos titulares: uno, que más de 10.000 espectadores ya la han visto y el otro que es una película psicoanalítica.

 El documento es interesantísimo pero es también una prueba de gran dureza estética para la sensibilidad contemporánea basada en la aceleración y el movimiento, pues  la realización consiste en tan solo dos o tres cambios de ubicación de la cámara y de plano, el blanco y el negro se confunden y hay momentos de penumbra, también hay subtitulos y el entrevistador va diciendo constantemente que si durante  más de setenta minutos En la película se repasan las principales aportaciones Junguianas que se van contraponiendo a las de Freud y según parece ese fue el motivo de la censura del film en numerosos paises, hasta terminar en el olvido, perdidas en un almacén de América Central . Los contrapuntos a Freud son constantantes:cuando habla de la libido sexual, aclara que para los grupos humanos primitivos ese no es un problema y que anterior a la necesidad sexual está el instinto de nutrición. El sexo es fácil, lo tienen cerca, no es problema pero que la manutención alimenticia si es el auténtico desafío. Y continua diciendo que los poderosos en el mundo empresarial y político son, a menudo, impotentes, no tienen actividad sexual porque desplazan su interés a la acumulación de bienes o de poder. También arremete contra el llamado trauma de nacimiento mantenido por  Freud ,porque, si es algo común a todos, no es una excepción y por lo tanto no puede hablarse de trauma, trauma sería caer al suelo excepcionalmente desde el cielo si la cigüeña abriera su pico, pero no es el caso, es algo común a todos y en ese sentido es poco traumático. Repasa la naturaleza del inconsciente e insiste , varias veces, que de él poco podemos saber por su propia naturaleza de ser inconsciente, incluso, por la obviedad, sonrie  cuando lo dice. Explica con buenos ejemplos la diferencia entre ser perceptivo sensible o intuitivo, y más concretamente introvertido intuitivo. Ahí me he visto retratado. Pero como puede suponerse la estrella del film es junto a la  del Inconsciente, su teoría del Arquetipo. En dos ocasiones aparece con sendos ejemplos, la primera a propósito de una paciente, introvertida intuitiva, que le aseguraba que tenía una serpiente enroscada en el estomago. Ahí, después de una breve narración del caso, ha dicho que ese es un tema que tienen muy bien interiorizado en la India con el Mondalini. Si he dicho Mondalini y no Kundalini como se escribe en realidad el nombre de la serpiente que representa el Arquetipo  de la energía primordial y de gran importancia tántrica. Los rótulos castellanos han tenido ese fallo  y ha sido una prueba para constatar el  buen nivel de información del poco público que se hallaba en la sala, pues con un resorte automático, todos han empezado a cuchichear y comentar en voz baja el error, el lapsus mecanográfico: Mondalini. Mondalini ,decían. Ahí, en el lapsus, he creído entender lo de: film psicoanaítico con el que lo anuncia la promoción.

Por último , ha tratado el espinoso asunto de la transferencia entre paciente y psicoanalista y ha puesto un ejemplo que me ha hecho comprender , de modo definitivo la noción de arquetipo y sus diferencias con S.Freud. Lo he entendido cuando ha explicado el caso de una paciente que investigada en sus sueños para detectar indicios inconscientes , le dijo que  veía en él ,en Jung, a  un ser extraordinariamente alto y fuerte, ella era pequeña, la sentaba en sus rodillas, la acariciaba y acogía en sus  brazos y que en otros momentos lo veía, igual pero en medio de un campo de hierba que se mecía por el viento, mientras Jung balanceaba a la niña- paciente en sus brazos, y cuando todos, con ojos freudianos y libidinosos, imaginabamos la peor imagen del incesto, pues no, resulta que no, que el propio Jung ha asegurado que la paciente veía en él, el arquetipo de la naturaleza y el viento.

       

 

Un comentario aparte merece la promoción gráfica del film que indica cierta "empanadilla" estética o conceptual en sus autores. Hay tres ejemplos que se superan uno al otro en "cutrerio"  y que he recogido a modo de ejemplo de lo que no debe hacerse en materia gráfica.   

 Los bloggers mantenemos la discreta estrategia del anonimato. Muchos hemos optado por un pseudónimo que pone máscara a nuestra identidad. Queremos tener presencia en la red pero no con nombre propio. Narramos experiencias personales y si seguimos con asiduidad un Blog, podemos llegar a conocer los estados de ánimo del que escribe, sus dudas, sus alegrías festivas, su hoja de vida y de enfermedad. Mediante el Blog, comunicamos nuestros avatares diarios, si hemos visto a tal o cual persona, los conciertos a los que asistimos, si nos hemos torcido el pie o si nos aqueja algún mal mayor, la muerte de alguien querido o el desamor pueden aparecer en nuestros Blogs ,pero, a pesar de esos indicios, nunca llegamos a conocer plenamente al escribano. 

 Hoy  mismo se ha publicado en la Vanguardia Digital un informe según el cual el 47 por ciento de los internautas han buscado su nombre para saber qué se puede saber de ellos en la red, un aumento considerable frente al 22 por ciento registrado en 2002, informó hoy una encuesta del centro estadounidense Pew  De entre ellos, el 3 por ciento reconoció que se buscan en la red de manera habitual, el 22 por ciento dijo hacerlo sólo de vez en cuando y el 74 por ciento aseguró sólo haberlo hecho una o dos veces.

El estudio, realizado por el Pew Internet & American Life Project, mostró además que la curiosidad de los usuarios de internet no es sólo sobre ellos mismos, y que el 53 por ciento de los que dijeron haber buscado su información personal reconocieron haberlo hecho sobre otras personas. El anonimato es un placer profundo y a la vez ingrato.

 

El perfil del que escribe en un Blog. lo vamos imaginando caleidoscópicamente, mediante pequeños cristalitos brillantes que con el tiempo pueden llegar a formar una figura completa. Voy siguiendo desde hace tiempo algunas de las aportaciones que se hacen en el  Blog.de Fabián en Alta Mar y respeto, como debe ser,  el anonimato de su autor, tan solo conozco algunos pequeños cristalitos de su caleidoscopio personal En un Post. reciente del día 13 de Diciembre a la 20:34, Fabián, escribió en su Blog.  un Post., con el título de:"El lado oeste palmesano" , empezaba así: "Una puñalada mortal vistió de sangre la noche palmesana" y continuaba con un análisis en el que relacionaba un barrio de Palma con West Side de Nueva York.. Fui leyendo el Post. al tiempo que escuchaba la música que lo acompañaba un buen fondo y adecuado  a  la violencia del  tema. Las volutas del humo del cigarrillo de Fabián aparecieron en la imagen fotográfica  que  estaba haciendo entre las hermosas luces del Gran Hotel palmesano ,me gusto mucho y me causo tanta impresión que no dude en escribir rápidamente el comentario siguiente: "Fabián: buenísima foto. Nunca había apreciado en una fotografía la presencia tan clara del que dispara el obturador, genial,¿me das permiso para publicarla?" .

Si, la verdad, es que me impresiono vivamente ver como el humo del cigarrillo del autor de la fotografía y del Blog, aparecía como un rastro vital, espontáneo , casi como una rubrica que por un momento lo hacía más cercano, menos anónimo, se convertía en una presencia viva a través del humo.

   

 

Como cada año, por estas fechas, en TV3 ponen en marcha un programa de solidaridad con el dolor y la enfermedad con recaudaciones millonarias. Este año el lema era :"El corazón no avisa".Este lema me ha hecho pensar dos cosas, la primera es que si no teníamos bastantes miedos, ahora tenemos otro más y, si , es cierto  que el corazón no avisa, pero Bin Laden tampoco,  un conductor ebrio menos y no digamos la tópica maceta en la cabeza. La otra ,es sobre el amor, y es cierto  que en materia de pasiones : el corazón tampoco avisa. En el amor  es donde nuestra naturaleza animal se vuelve más rara, más imprevisible como a cualquier bicho, por domado que esté, tal como demuestra la siguiente noticia:

Nueva Delhi. (EFE).-  Vuelve al circo la elefanta que escapó a la selva con un 'amante' salvaje."Sabía que Savitri se cansaría de su pareja y volvería con nosotros", dice el cuidador. La elefanta que escapó la semana pasada de un circo indio con un paquidermo de la selva ha abandonado a su compañero y "regresado" a su caravana, informó la agencia IANS.   Savitri, de 26 años, rompió las cadenas con las que estaba atada y se escapó el pasado 29 de agosto por la noche con un macho salvaje que había roto la valla protectora del Circo Olímpico en el distrito bengalí de Raniganj, en el este de la India.

Tras una intensa búsqueda, los miembros del equipo del Departamento forestal divisaron este miércoles a la pareja de animales junto a un lago, momento en el que produjeron un gran estruendo con tambores que provocó la huida del elefante salvaje a la selva, mientras que Savitri siguió las instrucciones de su cuidador, Kalimudin Sheij.
Sin oponer resistencia, la elefanta subió en un camión de vuelta al circo en el que ha pasado los últimos veinte años. "Sabía que Savitri se cansaría de su pareja y volvería con nosotros. No está acostumbrada a vivir en la selva, y se ha debilitado en los últimos días", dijo a IANS el cuidador.

El gestor del circo, Chandranath Banerjee, que se había mostrado desesperado con la huida de Savitri -a la que valoró en 9.700 dólares (7.100 euros)-, mostró su entusiasmo porque "asegurará el lleno en los próximos días. Será una estrella".

Banerjee anunció que el establo de los elefantes será vallado de nuevo y custodiado por guardas armados para proteger a sus cuatro integrantes, todas hembras, pues teme que "el elefante salvaje intente romper de nuevo la valla y llevarse otra vez a Savitri".  

 Uno de los Posts. más comentados de este Blog. es el que hice sobre EL HANG. Ante la insistencia de algunos internautas por conseguir uno puse el  teléfono de un músico muy interesante llamado Pablo Wayne al que  ví  tocar  este  extraño instrumento en un concierto  en Barcelona. Parece ser que desde entonces recibe  frecuentes llamadas preguntando sobre cómo conseguir un Hang, hoy  y por solicitud personal de este músico he retirado su número de teléfono. En justa correspondencia  a su amabilidad quiero colocar un video sobre su música  y su grupo. El grupo se llama SELVA DE MAR y lo forman: Sasha Agranov y Pablo Wayne.Sasha toca el violoncello y la sierra y Pablo Wayne, el Hang y las voces. Tienen un CD publicado que recoge un concierto que hicieron en la Iglesia del Poble Nou en Septiembre 2006.Su web es: www.myspace.com/selvademar   

 

 

                

    

He cogido mi coche, un Volvo 745 SW, un modelo antiguo pero conducirlo aun me da seguridad, la cubierta del radiador brilla con la luz de la tarde, he costeado hasta llegar a la ciudad imperial de Tarragona. El visitante se encuentra con una ciudad plena de indicios romanos que han dejado huellas persistentes de su poder. Ha oscurecido y estoy junto al mar, en el puerto reposa atracado un barco de vela, moderno, de color gris metalizado de manga y eslora extraordinariamente grandes, el mástil enorme,los brillos de las luces del puente levadizo del puerto y del casco del barco se reflejan en el agua. He llegado al Tinglado Dos. El viaje y mi curiosidad era la del que asiste a una inauguración dispuesto a ver y a comprender, yo quería ver la obras apaciblemente, mi mirada está acostumbrada a los encuentros con el arte contemporáneo y no me asusta nada, todo me interesa, todo puedo ubicarlo en los cuadernos del sentido y sin embargo, en esta ocasión, como ya me había sucedido en otras exposiciones de  Gabriel , me he quedado desarmado ante ellas, entonces me he dado cuenta, una vez más, que esas obras escultóricas no me necesitaban.

  

 

 Las obras de Gabriel no necesitan al espectador. Sus brillos radioactivos expulsan al curioso, son autárquicas,  integras, les gusta la soledad, no necesitan la complicidad de nadie. En los pliegues y rugosidades de la madera lacada solo quedan indicios, leves rastros de la relación que el escultor ha tenido con ellas, hasta en eso desean ser anónimas. En el caso de que tengan nombre  ahuyentan al intelecto comprensivo , solo la salmodia de sus sonido :Metatron,Taxon,Zevoul-imum,KarSak, Polutropon, estas obras no quieren ser interpretadas, no les importa lo que se dice de ellas, se resisten a la voluntad de entender y con sus títulos solo se quedan los ignorantes. Cuando las miras puedes oir sus rugidos, una morfología tóxica se desprende de ellas mientras, en un tinglado cercano, se escuchan los tambores que llaman al sacrificio de la inteligencia para ir más allá de lo que somos capaces de comprender.   

           

   

  

   

    

 

   

     

     

       

         

 

  Decía Blanchot, que decía Alain que los verdaderos pensamientos no se desarrollan. La obra de Gabriel permite corroborar esta apreciación filosófica, según la cual afirmar, argumentar o demostrar son infinitivos que quedarían neutralizados por la densa presencia de unas obras que contienen en sí mismas la contundencia de lo indemostrable. La fuerza ignota de la materia primordial con la que trabaja y  el complejo magma de sus pre-formas no aceptan otra cosa que balbuceos, aforismos y fragmentos. La mirada culta debe renunciar a sus estrategias, queda desarmada y sólo cabe el grito o el llanto. Correr por el espacio, tirarse al suelo o babear. Dejar que tengamos por una vez, la sensación de regreso, de estar de nuevo frente a un muro calentado por el sol.   En  las obras de Gabriel el habla no se encuentra fuera de la obra está en ella y dice cosas que nuestros oídos no consiguen cifrar pese a la potencia de su voz. Desde siempre hasta hoy, la atmósfera de sus exposiciones públicas esta sumida en actos de inspiración y pneuma, actos incondicionados que permiten la respiración y el latido del corazón: entre la vida y la muerte sus exposiciones no permiten que se conviertan en superficiales deleites del intelecto. No permiten la mirada rutinaria del que cree saber de que va todo en la cansina liturgia de la cultura. Cuando estoy ante sus obras quisiera hacer lo que ellas hacen, en un intento imposible de mimesis y así, repetir incesantemente sus presencias mudas,  y que en mi aparezca lo que hay de carbón, de transparencia , de brillo luminoso o de dureza refulgente y acerada. Lo que hay en mi  de Rojo y de Negro y también: disolver cualquier rastro o seña de Identidad. En sus obras como en las de los artistas cosmogenéticos se encuentran los filamentos de todo aquello que nos atrae y nos aterroriza. En el umbral de lo que somos capaces de soportar , Gabriel nos propone un acceso deconstructivo del yo, el sujeto que quiere afirmarse ante su obra acaba siendo derrotado por ella. Por una vez nuestra mirada dominante y culta queda atrapada, vencida y aquellas estrategias  aproximativas que utilizamos para acercarnos a lo que no conocemos quedan desbaratadas. Nuestra identidad queda cuestionada porque es el propio autor quien  pone en crisis la suya en un desprendimiento de la voluntad que lo acerca al místico o al caminante y porque es él mismo quien aniquila , quien arremete contra cualquier "a priori" conceptual en un radical anihilamiento.  

Fotos Kokon

  

  

 

 

He retirado de este Blog los pocos artículos que tenían un ligero tinte político. Lo he hecho por urbanidad, por decoro, por cortesía hacía los que no compartan mis impresiones sobre la situación política actual. Desde luego creo que es muy difícil sustraerse cuando se vive en sociedad a la influencia política, a la presión ambiental en materia  de opinión, de juicios y es cierto que todo se puede interpretar en esa clave: la elección de un tema, la lengua vehicular para desarrollarlo, si te gusta más lo solar o lo lunar, la ciudad en la que vives, todo es interpretable políticamente cuando vives en la polis. La red es la nueva plaza pública, es el lugar de las discusiones y los encuentros y por eso existen tantos Blogs políticos, por eso se vierten tantas opiniones sobre lo que preocupa, los periódicos han incorporado secciones en línea para comentar noticias  en el momento de ser publicadas. Los lideres políticos municipales o estatales inauguran blogs de opinión constantemente. La opinión pública se ha convertido en un vocerío poderoso y los teóricos de la Red proclaman que existe un poder real capaz de cambiar las cosas con el poder de  tanta masa opinante. En Radios y Televisiones las mesas de los expertos en materias sociales complejas, tienen que aguantar, como si representaran, algo, los cuatro o cinco SMS escogidos por el presentador, como si esa muestra significara algo. A veces se argumenta con autoridad  y  como algo relevante un rumor o algo que ha sido publicado en Internet.

 Una vieja norma de urbanidad  sostenía que en la mesa no convenía hablar ni de religión, ni de política. Es cierto que el placer de compartir las sutilezas gastronómicas, pensamientos poéticos, frases filosóficas, recuerdos de amistad o familia quedan truncados de inmediato cuando un comensal hace aparecer un tema religioso o político. Parece como si fuera el terreno de lo serio, de lo de verdad y todo lo demás queda empequeñecido. En un Blog, como en una conversación, como en una buena novela, el autor busca palabras, redacta matices que le ayudan a clarificar los propios pensamientos, busca la complicidad lectora del que pasa por la red de modo casual desde cualquier lugar del mundo, intenta dar destellos estéticos y finalmente todo ese esfuerzo mental queda reducido a la nada, cuando un solo  lector pueda pensar que el escribano es de tal o cual partido, que es conservador o progresista, que deriva hacia posiciones más o menos nacionalistas, entonces: todo se arruina. Además lo hacemos a lo bruto, sin matices. Las conversaciones políticas suelen ser aburridas, llenas de tópicos, sin rigor de ningún tipo y sobre todo muy viscerales, los artículos y las frases son casi siempre las mismas  son de índole reduccionista, simple y no se avanza nunca.La capacidad de interpretación crítica es extraordinaria, en todos los casos siempre hay algo que decir, todas la opiniones son ciertas, pero también todas falsas .En materia política, como en cualquier otra cosa de la vida: todos tenemos la  razón, pero todos estamos equivocados. Creo que el ser humano del futuro considerará la política como mera gestión  funcionarial ,administrativa  y  se podrá dedicar a lo que realmente importa: aprender a vivir y  a morir.

       

(veanse los Posts del mes de Julio, sobre Las Meditaciones del Emperador Marco Aurelio, que pasó a la historia como filósofo y no por político)

   

Sabine Finkenauer( Rockenhausen, Alemania, 1961) guiará un taller de creación en Sabadell organizado por l´Escola d´Art Illa y el Museu d´Art de Sabadell en L´Estruch. Esta propuesta consiste en una tutorízación no académica por parte de un artista sobre el trabajo de otros doce candidatos que durante tres meses llevaran acabo  una práctica individual y libre desmarcada de objetivos académicos para conseguir la máxima creatividad en una dinámica de taller colectivo pero individualizado. Han tutorizado anteriormente: J.Hernandez Pijoan, Pep Duran, Yamandú Canosa, Ramiro Fernández e Isidre Manils.  

De Sabine Finkenauer ha escrito un interesante texto el crítico Alex Mitrani que fue publicado en  la revista MATÈRIA, Mirades, Miratges (Miradas, Espejismos), 2003-2004, editada por el Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Barcelona (traducción al castellano. Me ha gustado la referencia de este texto a la Metáfora y especialmente la citación a Gerard de Nerval,  un gran valor de la literatura post-romántica. He aquí dos imágenes y algunos fragmentos de un buen texto crítico QUE LE DAN SOPORTE TEORICO. 

 

       

LA PERSISTENCIA DE LA METÁFORA: UNA NIÑA-FLOR DE SABINE FINKENAUER por Àlex Mitrani 

La historia de las formas poéticas, musicales o plásticas está fundamentada en genealogías como en sistemas de valoración mutantes y persistentes. Nos debería preocupar como podemos subvertir algunas jerarquías para reencontrar la potencia interpretativa de la disciplina histórica, pero sobre todo, como poder liberarnos, comprendiéndolos y asimilándolos, de los prejuicios de la secuencialidad y del evolucionismo. Un buen ejercicio consiste en forzar la historia, construirla a contrapelo. Por otra parte, hoy en día se evidencian algunos problemas justamente en relación con el concepto de la evolución artística: como la obra de arte contemporánea puede ser posible y cuales son las eventuales perspectivas de la práctica pictórica en el contexto cultural contemporáneo. Es por eso que, ante la propuesta de Matèria, hemos querido aprovechar -a pesar de la tentación de hacer elogio de alguna de aquellas obras maestras que forman parte de las referencias personales e íntimas del historiador pero que no corresponden a su especialidad y que no ha tenido excesivas ocasiones de celebrar (o el pudor le ha retenido)- para hacer unas reflexiones a partir de un trabajo más que reciente, todavía fuera de la sanción del tiempo, que es el territorio habitual de los historiadores.-------------------------------------------------------------

----------Las primeras pinturas de Sabine Finkenauer mostraban cierta influencia de Philip Guston, matizando así un posible lastre de la tradición expresionista germánica. La figura humana, sumergida en la pincelada, en la pintura, simplificada y totémica,  era su principal motivo. Buscando esencializar su lenguaje, la artista ha llegado a un estilo muy peculiar, entre la voluntad de definir la figura como representación y como signo, y  el establecimiento de modelos compositivos abstractos que ponen de manifiesto criterios meramente formales. Para alcanzar este primer punto donde se define la pintura como medio plástico autónomo y, a la vez, medio de expresión y representación destinado a hacernos visible el mundo, empezando por nuestro propio imaginario, Finkenauer recurre, sorprendentemente, a una iconografía elemental pero alejada de cualquier severidad o tragedia. Sus arquetipos pertenecen a un ámbito híbrido entre el cuento, la fabula y la cotidianidad mas banal. Igualmente reencuentra los motivos típicos de una pintura de género, casi de domingo: las niñas, los jarros con flores, los jardines. Otros elementos aislados pueden ser más enigmáticos: un trozo de pared, una manopla, una llave& Todos ellos están siempre cercanos al mundo infantil que, por definición, es sentimental, mágico y cerrado en si mismo. En algunas de sus obras, Sabine combina estos elementos iconográficos. Una de las mas significantes y extrañas, entre divertida e inquietante, es su Niña-Flor. La comparación entre una mujer joven y una flor es un auténtico lugar común. En seguida recordamos la frase atribuida a Gérard de Nerval, provocadora e incitante a la reflexión: 99le premier homme qui compara la femme à une rose était un poète, le second ètait un imbécile::. A veces se usa la cita sustituyendo el poeta por el genio, lo cual no cambia esencialmente el sentido de la afirmación. Nerval, representante de un romanticismo epigónico y oscuro, fascinaba a los surrealistas, tanto por el clima de sus obras, donde la mujer se convierte en obsesión al limite de la locura, como por la exigencia de esta desazón que lo llevaría a declaraciones pre-surrealistas como la célebre cita. Si de alguna manera quería distanciarse de los tópicos sentimentales y poéticos del romanticismo, él mismo los representaba y había usado más de una vez la comparación mujer-flor. Sin embargo, la claridad descarada y taxativa de su frase apuntaba a una exigencia moderna a la manera de Rimbaud.  Lo que hace Nerval es situar la metáfora como fundamento de la creación artística. Hay que preguntarse, pues, por el valor y la efectividad de las imágenes metafóricas, y sobre su posible persistencia a la vista de su recurrencia, en contra del precepto nervaliano. Dicha analogía tiene raíces casi ancestrales y muy ramificadas. En la tradición francesa, a la que pertenece Nerval, los versos de Ronsard " Mignone, allons voir si la rose&" son un tópico. Pero incluso en el siglo XX se ha mantenido esta metáfora clásica. Los surrealistas recurrían a ella a menudo. En la obra de Apel"les Fenosa el reino vegetal permitía diversas declinaciones sobre le feminidad. Pablo Picasso convertía obsesivamente a su amante Françoise Gilot en femme-fleur. El gran momento de esta imagen fue, sin embargo, el romanticismo, donde era muy recurrente. Posiblemente el ejemplo mas explícito es el poema 99Du bist wie eine Blume:: (99Tu eres como una flor::) (1840) de Heinrich Heine, llevado a la celebridad por Schumann en un lied incluido en el ciclo Myrthen (Op.25,n.24) 1. 

La metáfora consiste en la aproximación de dos elementos y en atribuir a uno las cualidades del otro. Se produce una fusión -no una simple yuxtaposición ni una sustitución alegórica- del sentido figurado y del objeto que tiene como origen. En la pintura de Finkenauer esta fusión se realiza mas allá del significado: se hace efectiva y el resultado llega a ser monstruoso. La cabeza enorme y simple es desmesurada como la de una niña o una gigante. La pincelada horizontal remite mas al paisaje que a un rostro. Si para Heine la mujer-flor expresaba la admiración por la belleza, la pureza y la fragilidad graciosa, vital, de la mujer joven, para Georgia O´Keeffe, la flor remite de una manera explícita a la sexualidad, y al órgano sexual por anamorfismo. No obstante Heine y O´Keeffe tienen un antecedente virulento y marcadamente sexualizante en La balançoire de Fragonard (1790) donde un juego ingenuo llega a ser motivo de la mirada libidinosa y donde la mujer deviene una floración rosada en un reino de vegetación exuberante. Aunque basándose en recursos formales muy diferentes, la niña-flor de Finkenauer también participa del mismo sentido de exceso. Es monstruosa porque es una metamorfosis no completada y una metáfora completa y al mismo tiempo llevada al extremo. También lo eran los divertimientos de un Arcimboldo. Lo era sobre todo Dafne perseguida por Apolo, tal como la pintó Pollaiuolo con  sus rígidos bracitos arborescentes. Entre la pureza y el sexo, Finkenauer corrobora la no virginidad de la metáfora y propone como alternativa a los placeres del descubrimiento los más inquietantes y refinados de la escenificación ritual del tópico. La obra de Finkenauer tiene unos fundamentos abstractos que son, por definición, de difícil verbalización. No obstante, de manera simple y eficaz, se producen alusiones figurativas que remiten a una larga tradición simbólica. Lleva una metáfora al extremo, a la confusión o a una cierta literalidad. Juan Bufill, señala que en Niña con flor, 99el dibujo está en los márgenes del cuadro y el rostro de la niña es un espacio luminoso::2. Así, podríamos concluir que si la metáfora se hace en positivo, de manera explícita, la figuración se construye en negativo. Finkenauer consigue reactualizar una vieja imagen lírica y establece, con un disfraz de falsa ingenuidad, el fundamento para un ejercicio pictórico de carácter abstracto. Nos muestra una de las vías posibles para la práctica pictórica de hoy:  iconografía y técnica de apariencia elemental como punto de partida para asimilar las tradiciones poéticas y estéticas existentes y jugar con ellas, no a la manera espectacular del postmodernismo de los ochenta, sino de una manera discreta y púdica. La apropiación inteligente de una metáfora tan tópica demuestra que la frágil separación entre el kitsch y la obra de arte no depende solamente del distanciamiento irónico, sino del partido que se le sepa sacar para el desarrollo simbólico y formal de una obra. Y las posibilidades de reciclaje son ilimitadas. 

 1  Du bist wie eine Blume,/ So hold und schön und rein;/ Ich schau´ dich an, und Wehmut/ Schleicht mir ins Herz hinein/Mir ist, als ob ich die Hände/ Aufs Haupt dir legen sollt´/ Betend, dass Gott dich erhalte/ So schön und rein und hold.

Dejado atrás el breve y provisional pronto de inquietud política, vuelve al Blog.el dominio del arte. Lo retomo con una exposición de jóvenes artistas en quienes la tensión del aprendizaje aun  perdura en sus obras. Con el título de Pulsiones el departamento de Artes Visuales de la Escuela Massana organiza esta exposición -una selección de Proyectos Finales de alumnos de arte de esa Escuela- en la Capilla del antiguo Hospital de la Santa Cruz. Un espacio magnifico en la calle Hospital,56 de Barcelona.

      

Pulsión es una palabra de poco pasado, es nueva y apareció en nuestro uso como consecuencia de encontrar una palabra latína que definiese adecuadamente el "Trieb" freudiano, ya que él no quería decir instinto sino más bien empujón. Sea como sea, es indudablemente una palabra que está marcada por el signo de una fuerza manifestada, espontánea y arrebatada. He querido ponerme ante estas obras con la voluntad de escribir, aunque brevemente, sobre cada una de ellas. He querido dejarme llevar por la pulsión interpretativa y así digo: que he visto en la obra de Ariadna Trias unos ensamblajes de imágenes que si bien son reales no comparten ni tiempo, ni realidad, sus asociaciones de imágenes generan, como dice el título de su propuesta, una nueva mirada: "Re-Miradas".

   

He visto tres obras, una de Britta Eppinger "Heimat",  otra de Víctor Masferrer y la tercera de David Gutiérrez que nos proponen adentrarnos en la noción de transporte y viaje. Britta Eppinger alude a la melancolía nostálgica del refugio perdido con un contenedor cálido y cerrado, un lugar del que hemos partido sin garantía de retorno,

        

un viaje que como indica el objeto -canoa- de Víctor Masferrer puede adentrarnos hacia la boscosidad frondosa y húmeda de la naturaleza o, da lo mismo,  comenzar a caminar y hacer un recorrido urbano de carácter iniciático,  arrastrando una vieja maleta llena de indicios y memorias,

       

 tal y como ha hecho David Gutiérrez en el suyo "Viaje a Rius y Taulet". El reposo y la suspensión corporal ayudan al reencuentro de los recuerdos,

      

el viaje necesita una nueva calma favorecida como la que nos propone Mariana Zamarbide,las medidas de su propio cuerpo, los moldes suspendidos llevan inscripciones y palabras. Es la advertencia al equilibrio necesario y equidistante.

       

La belleza enigmática de las Formas  está presente con las obras de Marlon Mas, Miquel Samitier y Carlos Gavilán, a mi parecer, los tres han hecho de la forma una forja, no en el sentido técnico de la palabra, sino en una forja mítica aquélla que alude a ellos mismos. Marlon Mas explorando "de su peso a su altura" ha vinculado la forja a la vida,

       

Miquel Samitier con "Aequalitas Numerosa" luchando contra el iroco que es una madera dura  y que le ha permitido torsiones diagono-espirales inverosímiles. como si se tratase de un músculo humano,

      

 Carlos Gavilán con un virtuosismo obsesivo y una compleja trama ha conseguido "1000 nudos", con la magia de convertir la linealidad de las cuerdas en un sólido paralelepípedo de nudos que indican vínculo, compromiso y obediencia personal.

      

Jordi Requena nos abre la puerta, "ostium" y nos ofrece la mirada interior hacia un paisaje nunca imaginado en los que los filamentos sanguíneos y los pliegos de los intestinos se muestran con la belleza de un paisaje orgánico. Esta disección visiva me lleva directamente

        

al mundo micro-macroscòpic de Jon Elortza que con una habilidad gráfica ofrece a sus formas circulares la fuerza del color, una dinámica aerocòsmica y la vitalidad de no saber si estamos cerca o lejos del Sol.

    

Eriko Fukuda ha dispuesto sobre la tela indicios ligeros y evanescentes de la Naturaleza, la exigencia atenta hacia el detalle son parte de su trabajo.

    

Los pequeños formatos de Vanessa Prieto son soportes para la memoria en los que los personajes, ficticios o reales crean una atmósfera de recogimiento, una calma tensa tratada con los colores del sueño y el recuerdo.

 

Alejandro Martín es la imagen de la totalidad, en su obra se quieren reunir tanto el mito como el progreso, la figuración y la abstracción, la hondura y la superficie, oriente y occidente, la pincelada narrativa y la precisión tecnológica de la escuadra y el compás.

    

Acabamos nuestro recorrido con la obra de Marc Ligos, sus objetos son una especie de metáfora por nuestra pulsión final, pues implican la imprescindible colaboración del espectador, es el tercer elemento, al sentarse el espectador enciende la luz,es el elemento que falta  para que unidos a la obra y al autor cerremos el círculo del sentido necesario,¿necesario?.

 

Hoy estaba en mi  restaurante favorito comiendo con un amigo , cerca de una sede de edicions 62, en una mesa ,algo más allá, estaba comiendo la misma sopa de pescado que yo Josep Mª Castellet, cuando ha marchado, he visto, que entraba  Marina Espasa con un grupo de amigas, supongo que hablando de literatura. Entonces me ha venido a la memoria, como en un viaje en el tiempo, otro grupo de amigos, algo diferentes, he recordado  la época en la que Javier Pérez Andujar, Victor M. Amela, Andrés Ehrenhaus y Emilio Manzano que  eran unos amigos ,igual que ellas, y que se entusiasmaban hablando de libros, decidieron ,un día del ya lejano año  2001  poner una cámara delante de sus apasionadas conversaciones haciendo de moderador y presentador  Emilio Manzano, que era ,entre ellos, el de mejor presencia , buen carácter  y don de gentes y el que mejor podía controlar la situación con su traje oscuro de rayas.  Así, de un modo simple, respondiendo a necesidades reales y no estratégico-políticas nació : Saló de Lectura en BTV. De cinco años de libertad, buen rollo, entrevistas magistrales de Emilio Manzano, de polilingüismo constante, sin temor a hacer el ridículo, con pocos medios y mucha voluntad ,  espontáneamente se fue consolidando un prestigio literario en el que no faltaban magos o adivinos. Era una televisión precaria, en la que el lujo máximo consistía en una pecera redonda con un pez de color rojo, sin embargo la calidad era muy alta. La libertad era absoluta y todos se expresaban como querían, como siempre había sido en la televisión de vanguardia que proponía BTV desde sus inicios, reflejando la realidad intelectual de Barcelona. El éxito, la fama, que como el colesterol hay de buena y de mala, llegó al equipo, las instituciones empezaron a fijarse en el presentador y lo sedujeron con cantos de sirena para que liderara un nuevo proyecto institucional destinado a la difusión y consolidación de la cultura catalana. El programa se desmembró y el equipo indómito de colaboradores cómplices y amigos libertarios quedó en manos de Marina Espasa. Los criterios de calidad e independencia  fueron cambiando, todo se hizo más sensato, mas convencional  más de aquí y al poco tiempo la dirección decidió, con sus razones, cerrar el programa. El programa era diferente sin Emilio Manzano. Esa ruptura fue traumática, movió a todo tipo de comentarios, se argumento falta de transparencia  e incluso se invocó a la libertad de expresión en un video que  hoy día todavía está colgado en la red, un  video que recoge la lamentación denunciadora de Marina Espasa en el momento del cierre. Todo fue tan raro  que hasta el mismísimo grupo municipal de Convergencia i Unió(CIU) en el  Ayuntamiento de Barcelona, que nunca se había distinguido por apostar en Literatura nada que no fuera poner a  un fiel Vicenç Villatoro en un tímido programa de libros en TV3, pidió explicaciones airadas a los responsables políticos de Barcelona TV (BTV) por la decisión de no reemitir el último programa del espacio Saló de lectura, sumándose así a la reivindicación con extrema indignación cultural de la nueva y breve directora del programa . Todo eso  quedó atrás , Emilio Manzano retomo las riendas del programa, tras su corta carrera política, ahora, en la CASA GRAN , en TV3 y con otro nombre: L´Hora del Lector. Más medios, más plató, más publicidad , más cortinas , todos más guapos, mejor maquillados , de "lletra ferits" a estrellas luminosas pero menos de algo: alguna ausencia por causa indeterminada, índice de audiencia, cambio de días, cambio de horarios, supeditación a otras prioridades, vigilancia cultural, en definitiva, como sentenció preclaramente el arquitecto Mies Van der Rohe en acertada frase: menos es más.     

 

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