TODO ES MUY RARO

Barcelona tiene varios millones de habitantes, y tres  de ellos estábamos en la sala del cine Casablanca, tres solitarios colocados en butacas diferentes y dispuestos a  ver  una de las  secuencias de Histoire (s) du Cinema de Jean Luc Godard. Mientras esperaba el inicio de la proyección, yo, pensaba tonterías, una de ellas era:¿ con el importe de nuestras tres entradas no le pueden pagar ni un bocadillo de bacon con queso a la taquillera?, ¿Cómo lo harán? Y también pensaba que antes, en la época de Franco todos debíamos ser más listos porque nos quedábamos con la boca abierta viendo películas de "Arte y Ensayo", el cine de vanguardia y el experimental. Entonces nada era explicito, todo era discreción  y las chicas eran más finas con  las palabrotas y  pudendas con su cuerpo, las mujeres nos parecían misteriosas y  diferentes. En ese clima de represión de los instintos básicos solo nos quedaba el cine y cuando más intelectual era la película, mayor era la sublimación del deseo. Godard que es prolífico en frases, sentencias y definiciones que ha ido pronunciando a lo largo de sus setenta y siete años de vida, dice: "El cine es para pensar".

 Y allí estaba yo, en pleno 2007 , ahora que las chicas dicen palabrotas, lo enseñan todo, se han vuelto impúdicas como los hombres ,ya son como nosotros y por lo tanto, no hay que sublimar instintos, viendo otra vez a Godard. En mi estar en el cine había algo que no me encajaba. Empezó la película y confirmé mis sensaciones :veo  a un anciano inmerso en una nube tóxica de humo, sostiene un apestoso puro entre sus dientes, la boca entreabierta parece indicar dificultades respiratorias, un flexo da una luz de esas que se usaban para estudiar los libros sobre el materialismo histórico  de Marta Harnecker  y una obsoleta máquina de escribir eléctrica produce un ruidoso repiqueteo  que Godard aprovecha como banda sonora. En ese clima tan insano para el cuerpo, la mente trabaja a tope, las frases brillantes se suceden una tras otra, las reflexiones sobre la vida, la historia y el cine. Pienso en la campaña contra el tabaquismo, en el culto al cuerpo y en los atrevidos tangas de las jovencitas y por un momento me siento fuera de época y  estoy a punto de levantarme y marchar, dejar la sala con dos espectadores, pero me contengo y continuo la experiencia limite.

Al poco rato, después de haber gastado una buena dosis de fósforo mental y con la mirada confundida con tanto rótulo superpuesto y tanta experimentación, empiezo a ver la película como una experiencia estética, dejo de leer, dejo de entender, veo imágenes ,oigo palabras, escucho música y vuelvo a tener una sensación placentera y en ese clima de sensualidad instintiva, surge otra frase de Godard , esta es más concordante con mi  emoción en ese momento, una frase que me gusta más y enmienda parcialmente a la primera:" El Cine no es un arte, ni una industria, el cine es un misterio".

El trabajo que he visto de Angélica Quintana, me dice que la construcción de un bastidor de madera para colocar en él la tela es algo importante para ella, no es solo el soporte para la pintura, lo construye diestramente, no tienen un gran formato y eso le permite manejarlos como si fueran pequeños volúmenes de madera, por eso, sus bastidores   no sólo tienen dos magnitudes, sino tres, pues el grosor de la madera hace que el relieve sobresaliente genere incluso sombra, también me dice que agrupa los cuadros creando  parejas, tríos, individualmente o en series que crean ritmos y alternancias, y me dice que si no tuviéramos ninguna referencia junto a sus obras no sabríamos dimensionar su tamaño. La obra de Angélica me dice que tiende a la sutileza más exquisita y a la transparencia y la veladura, me dice que el perfil de una pintura crea continuidad y reverberación en la siguiente y me dice que el espacio, que ocupan sus pequeñas piezas abstractas, queda magnificado de inmediato y todo se ve cómo si fuera la primera vez: las ventanas se ven más, las paredes se ven más, el suelo parece ilimitado, los ángulos y las esquinas tienen aris­tas, todo eso me dice la obra de A.Q., pero nada de todo eso que. me dice es comparable con la presencia del RAYO AMARILLO.

                                                           

 Este color se ha convertido en un auténtico emblema de su trabajo. El rayo amarillo no habla, no dice nada, calla y transforma, y si te toca te da algo, lo notas. En esta ocasión el rayo viene de Nápoles, es luz dorada, es difícil hablar de él , pues se esconde y produce efectos mentales. El rayo de color amarillo nápoles es tan efectivo como la poesía de Keats, Byron o Rossetti: "blased the momentous memorable fire". La presencia de ese color  en el mundo, la notamos por un cos­quilleo meníngeo que ahora sí que habla, y dice: estoy aquí, en tu cabeza. Ese amarillo tiene en la actividad mental su mejor arma, una actividad incesan­te y física que a través del efecto alcalino nos for­talece los nervios, nos produce templanza y fuerza para seguir buscando el oro que es el cenit de los metales transubstanciados , mientras un fulgor en nuestras cabezas, tocadas por el rayo amarillo, han quedado transformadas por una benéfica y angélica influencia. Hasta siempre.

  Persona de Nepal

No puedo dejar de pensar en la extraña película que ví ayer de Takeshi Kitano. Son tantas imágenes las que aparecen en la película que he optado por quedarme con tres de ellas.

La primera es una del principio, en la que se ve a unos soldados americanos avanzando lentamente entre cadáveres de soldados japoneses, caminan con temor,  después del ataque, comprobando que solo quedan muertos. Uno de ellos se da cuenta de que un enemigo todavía está vivo, la cámara se sitúa en contrapicado y el espectador ve lo que ve el soldado con el rostro en el suelo y mirando hacia arriba y lo que ve es el cuerpo de un americano enorme que dirige su mirada al japonés moribundo, no sabemos si lo va a rematar.

La segunda imagen es la misma que acabo de describir al final del film. Empieza y acaba del mismo modo con lo que deduzco que es una situación importante para el guionista, actor y director .Quiza Kitano nos este diciendo que todo lo que hemos visto no haya sido otra cosa que esa película veloz de nuestra vida que pasa, según dicen, momentos antes de morir.

La tercera imagen es la de una pequeña figurita que va apareciendo a lo largo de la película y  que representa al propio Takeshi en cuclillas, una figura a la que le va cambiando la cara. Me parece haber visto que la figura está con una posición del cuerpo llamada "Shagamu" y que ha sido ampliamente estudiada por Michitaro Tada en su libro: "Gestualidad Japonesa". De hecho Tada empieza su análisis sobre "Shagamu", mencionando un episodio humillante , recién acabada la guerra,  que describe  así: "yo estaba muy borracho en cuclillas en un callejón, cuando de repente, un soldado estadounidense enorme , apareció y me gritó  ¡Tate! (Parese)en ese momento pensé que debía ser insoportable para un norteamericano ver a una persona en cuclillas en público".

Hay que decir que en Japón existen muchas maneras de utilizar el suelo como lugar de reposo, desde el conocido "seiza", "sei" quietud,"za" sentarse, o el "Sonkyo" de los luchadores de Sumo que es la posición de sentarse en cuclillas y que adoptan los luchadores para saludar al contrincante en señal de respeto, la meditación sentada o "za" "zen" también supone un modo especial de tomar asiento, y otras variantes. Sentarse en cuclillas era algo habitual en hombres y en mujeres, tal como vemos en las películas de Yasujiro Ozu, hoy en día los propios japoneses empiezan a considerar esta manera de sentarse poco adecuada a los ojos de los nuevos tiempos. Sería pues una de las diferencias civilizatorias más importantes  entre las dos culturas. Desde el análisis de Michitaro Tada, estar en cuclillas no es estar acostado, ni de pie, sino algo intermedio. Es  una irónica resistencia de una persona que mira desde abajo hacia arriba, como mira el soldado japonés hacia el americano en la película de Takeshi. Estar en cuclillas protege el"hara" ,el  bajo vientre de donde procede la energía primordial, por lo tanto es una posición de protección ante algo que nos abruma o nos sobrepasa, pero es también la postura que permite pasar del pensamiento recogido a la acción felina.Otro japonés, Kazuo Kasahara, define la postura de "Shagamu",como la postura de la no-violencia en la que las personas que así están sentadas, con la cadera cerca del suelo, como la postura adecuada para mirar a los que pasan y al mismo tiempo con los ojos mirando hacia la eternidad .

Pingüenstein del Gusano Impasible.

Ayer fui a ver la película "Takeshis´" de Takeshi Kitano y como suele pasar el azar ha vuelto a dictar una sentencia propicia. Iba solo pero, al entrar en la sala una voz cordial me llamó, era Ramón Colomina, sentado en el centro del cine, en medio de la fila, flanqueado  por dos risueñas amigas. La película  Takeshis´ que ahora se estrena en España, fue presentada en el Festival Internacional de cine de Venecia en el año 2005, el mismo año que Ramón Colomina acabó su espectáculo :Pingüenstein en el Espai Brossa con Paloma Unzueta y Silvia Genovés. Ramón con su compañía:"El Gusano Impasible" hace un teatro fragmentario, de trozos cosidos por la sensibillidad, la ironía y situaciones grotescas y absurdas. A medida que iba viendo la película y salvando grandes distancias culturales entre Tokio y Barcelona, me parecía estar viendo "squetches" gusaniles encadenados, uno tras otro. En la obra de Ramón los pingüinos , tres perros, una vaca con un coche en la espalda, etc  son comparables a los personajes que la crítica ha calificado de "fellinianos" en la película de Takeshi. La gran diferencia, entre ambos, la pone la violencia, una infinita sarta de disparos que por excesivos se vuelven también grotescos, pero con un sutil detalle "gusanesco" ,Kitano convierte  el destello de las pistolas en la tierra , en las luces de las constelaciones en el cielo. El humor existe pero es  dramático e impasible en ambos casos, la crítica habla de pasión, desesperación  y grito por la libertad, por soportar la propia existencia, en definitiva de un viaje al inconsciente que pone el mundo al revés y por coincidir, incluso hay en la película una escena de claqué que baila un gusano surrealista y como se sabe, ese es un tipo de baile en el que es un experto Ramón Colomina.                         

Actuación de Ramón Colomina 'Queso Mos' EN  l'Heliogàbal el 4 de novIembre del 2006

Un amigo me ha enviado este artículo, que guardaba celosamente, porque cree que es una buena descripción del desconcierto que atenaza al hombre y  a la mujer modernos. Como este mediodía he estado hablando con él de asuntos personales, cercanos al tema,  he decidido  "Postearlo", con permiso de su autor el  escritor todo terreno Arturo Pérez-Reverte que lo publicó El Semanal, 12 del 12 del 2204.

Como no sé si se refiere a erizas de mar o de tierra he puesto una imagen de cada.Las dos tiene púas.

Me quedé dándole vueltas a la cosa el otro día, después de que aquella individua me pasara a ciento ochenta en la carretera de La Coruña. Yo acababa de cambiar de carril para adelantar a otro automóvil, cuando en el retrovisor advertí furiosos destellos. Un coche venía de lejos, a toda leche, exigiendo que le dejara paso libre. Así que hice lo que suelo en tales lances: seguir imperturbable con la maniobra y ejecutarla con más parsimonia de la que tenía prevista, sin prisas, vista al frente, intermitente a la izquierda y luego a la derecha, con el de atrás que frena y se cabrea, un Ibiza pegado al parachoques y dándome pantallazos con los faros, su conductor al borde de la apoplejía. Al fin, cuando ya me apartaba, eché un vistazo por el retrovisor y vi a una torda cuarentona, cigarrillo en la mano del volante y móvil pegado a una oreja, descompuesta de gesto y maneras, que debía de estar ciscándose en mis muertos con tal desafuero que echaba espumarajos por la boca. Y pensé: hay que ver cómo vienen esta temporada, oyes, desquiciadas que se van de vareta, con una agresividad y una mala leche de concurso. Hace cinco años esto no pasaba; iban por la carretera acojonadas y casi pidiendo perdón, mujer tenías que ser y toda esa murga. Y ahora, fíjate. Que no te atreves a parar en las gasolineras por si la tía a la que le has hecho una pirula coincide allí contigo, se baja del coche y te sacude un par de hostias. 

 Luego uno hojea los periódicos y lee que las pavas fuman más que los hombres, y le pegan al trinque más que los hombres, y andan por ahí más agresivas y descompuestas que los hombres. Y ata cabos y piensa: es verdad, colega. En los últimos tiempos, las erizas se han puesto de punta que da miedo verlas. Pero claro. Hasta hace muy poco, una generación tan sólo, una hembra se resignaba fácil, por educación y por otras cosas, y asumía con pía mansedumbre el papel impuesto por el macho durante siglos de biología, historia y vida social. En lo de pía, dicho sea de paso, cooperaban mucho esos confesores que durante varios siglos guiaron las conciencias femeninas católicas, en plan aguanta, procrea y reza, hija, y cumple con tu deber de madre y esposa, etcétera.  Lo que pasa es que las cosas caen por su peso, el tiempo no pasa en vano, hasta las más tontas ven la tele, y la milonga, poquito a poco, empezó a irse a tomar por saco. Y ahí están ellas, en tierra de nadie, conscientes, las más despiertas, de que su cambio social ha ido más rápido que su cambio biológico y su propia mentalidad.

Y así, esa generación de mujeres que aún fueron educadas para ser santas madres y ejemplares amas de casa se ve forzada a pelear ahora en un mundo de hombres, a hacer vida laboral de tú a tú, pero sin poder renunciar todavía, porque no las dejan o porque no quieren, al tradicional rol -o maldición, según se mire- de mujeres responsables de que el nido esté reluciente y los polluelos limpios, sanos y cebaditos. La vieja y eterna trampa. A ver por qué, si no, las únicas mujeres trabajadoras que no están desquiciadas, o no van por la vida con un cuchillo entre los dientes buscando a quién capar, son las que no tienen hijos, las que se libraron al fin de ellos, o las que cuentan con una madre o una suegra que se haga cargo.

Es imposible estar en misa y repicando; y mucho menos con maridos que creen compartir tareas domésticas porque quitan la mesa, lavan los platos por la noche y compran el pan sábados y domingos, o sea, modernos y enrollados que te rilas.

 A eso hay que añadir, también, impulsos más físicos y atávicos, resignaciones y gustos que aún colean del tiempo de la cueva, la caza y la guerra. Como el hecho, probado estadísticamente, de que Hugh Grant, Johnny Depp, los niños monos de tú a tú, el buen rollito socialmente correcto y el tanto monta, están bien para salir en la foto; pero, a la hora de la verdad, quien sigue humedeciéndole las reconditeces a buena parte del mujerío cuajado -no todas analfabetas, por cierto- es Rusell Crowe cuando les pone la zarpa encima. O tíos de ese perfil. Esto explica también algunas cosas. A veces, de ahí al moro Muza hay poco trecho. Y ciertos verdugos son imposibles sin la complicidad de las víctimas. Así que no me extraña que las erizas anden erizadas. En el mundo actual sólo hay algo peor que la cabronada de ser mujer: ser mujer lúcida, consciente de la cabronada que supone ser mujer.         

La verbena de San Juan es una buena ocasión para celebrar cultos paganos al sol. La luz en la noche, los fuegos en las calles, las explosiones de los petardos parecen convocar a la adoración solar. No había prosperado ningún plan para esta noche mágica y me quedé en casa. En Veo TV hacían la primera versión de el "Hombre que sabía demasiado"  (1934) de  Alfred Hitchcock con  Leslie Banks, Edna Best, Peter Lorre&una película que Hitchcock volvió a repetir  veintidos años más tarde, en 1956 con James Stewart, Doris Day, Brenda De Banzie, Bernard Miles. No es muy habitual que un director haga dos versiones de la misma película.  Y eso me pareció raro. En ambas versiones aparecen misteriosas organizaciones maléficas, en la primera versión un grupo dedicado a la adoración del sol en un templo en medio de la neblina londinense , circunstancia que hizo pertinente su visionado en tan especial noche,pero, ¿qué es lo que sabía Hitchcock?

 La mejor  letra del Rock and Roll

Oh, Susie Q
Oh, Susie Q
Oh, Susie Q
I love you
My Susie Q

I love the way you walk
I love the way you talk
Love the way you walk
I love the way you talk
My Susie Q

Say that you'll be true
Say that you'll be true
Say that you'll be true
And never leave me blue
My Susie Q

Oh, Susie Q
Oh, Susie Q
Oh, Susie Q
Honey I love you
My Susie Q

 Para Javier P. y María L.

AREA RESERVADA .ASESINATO EN RADIO TRES

Area reservada, uno de los mejores programas de Radio Tres ha sido asesinado tras casi treinta años de emisión en las ondas. El programa de Antonio Fernández era una puerta abierta a las nuevas tendencias musicales del Jazz Contemporáneo y uno de los programas más exquisitos de la cadena. La calidad musical junto a interesantes entrevistas y el conocimiento profundo de su presentador conseguía entrevistas en directo con Nueva York o cualquier otro lugar del mundo. La edición de discos con música escogida y la constancia del programa han sido eliminados, depurados en base a criterios no explicados a los contribuyentes que somos los paganos de los actúales directores de la cadena. Director  Javier Díez Ballesteros, Coordinador de Radio 3 Jesús Santalla ,Producción, Secretaría de Programas, Juan Carlos Prieto, Coordinación Web  Mª Juan Rios Jose Miguel M. Millán, todos ellos deben dar razones públicas de sus decisiones.  Los presentadores afectados  se están enterando de un modo poco claro, sin ninguna información sobre su fututo. La política de eliminación de programas y personal en Radio Tres es enigmática, no es transparente y nos están dejando sin los emblemas de toda una generación , se están anunciando bajas como las de Ramón Trecet, Carlos Faraco, Jesús Ordovas, Iñaki Peña &y tantos otros&. , debe ser un criterio político, porque cada vez que algunos "listillos" cogen las riendas de R3, aumenta la dialéctica del bla,bla,bla.., ahora se están promocionando programas de hablar y más hablar y  la música está en retroceso, frente a : El séptimo vicio de Cine, Trestizaje programa de solidaridad, La Ciudad Invisible de una literatura insopoprtable, RadioTeatropiezas,La estación azul y a la que puedan nos pondrán la Universidad a distancia otra vez. Me parece que la actual dirección no tiene mucha sensibilidad musical ,para ellos : la música no tiene ideología y por eso no es útil.

 En homenaje a Antonio Fernández que ha hecho la última entrevista , en el último día de su programa a Michael Franks quiero colocar aquí el último tema que ha sonado en el programa de hoy día 22 de Junio de 2007."Antonio´s Song". Hasta que el tiempo haga justicia, muchos estaremos siempre con tu programa.

A los amigos  J.P.  A  JCP. A D R. A ML

Michel Foucault ya nos advirtió de la eficacia destructiva que tiene utilizar el argumento de la alucinación mental como la manera más util de excluir los discursos que consideramos peligrosos o incómodos. A un nivel menor se ha utilizado para disimular infidelidades en el cine y en la vida real. Y cuando las evidencias aumentan y se dirigen hacia la verdad, se impone un:¡Querida! ¡Son imaginaciones tuyas!,  ahora, le toca el turno a la Red.Hay un video colgado por Delacrew con el título de Remove , un corto en el que se aborda el tema del peligro que tienen las tecnologías avanzadas como amenaza a la privacidad, tema en el que según los expertos: "conviene insistir porque mucha gente no es consciente" ( http://dandan.balearweb.net) este temor puede generar una nueva patología: la paranoia cibernética.He de decir que  tengo la experiencia de haber recurrido a la asistencia técnica telemática y la verdad es que impresiona comprobar que con una sola indicación del usuario, alguien desconocido mueva el cursor a su antojo, te vaya diciendo lo que ve desde un lugar remoto. Te dice el nombre de los archivos, los programas que utilizas, los textos y las páginas visitadas, vamos hasta los más ocultos pensamientos. Los programas anti espias, los antivirus, las protecciones ante los "hackers" van en aumento y todo apunta hacia miedos que pueden favorecer la nueva patología.

El remedio, es fácil, lo da el sentido común y la indiferencia ante el hecho de que alguien, aunque sea el vecino, un amigo, nuestro jefe o un americano, lo sepa todo de nosotros, que hacemos, que compramos, como vivimos, bien mirado, hasta tiene gracia y como sucede con la película "la vida de los otros igual hasta los conseguimos cambiar y que se vuelvan mejores. Estos días se está promocionando una bebida refrescante llamada "Aquarius" que va en la misma dirección, control, seguimiento, conocimiento, pero ante esa vigilancia exhaustiva, el joven argumenta que sigue existiendo un territorio inexpugnable a cualquier fisgón. El condenado a tomar la cicuta del espionaje cibernético, debe decir, como el nuevo filósofo:"Podréis espiarme, pero no podréis perjudicarme".

FERRAN ADRIA ES casi UN ARTISTA:                                               (última consideración)

Porque:

Su obra como la de un artista :es fenomenológica ,una obra  total porque va dirigida a la Percepción y a los cinco sentidos: Gusto, Visión, Tacto, Sonido, Olfato.

Su actitud  como la de un artista está  en su personalidad, su Creación su Experimentación. su  Pasión, su voluntad adivinatoria y su dedicación absoluta

Su obra como la de  los grandes artistas ha sido definida como de gran Inteligencia Formal y produce efectos transformativos como demuestra la polémica.

Su obra es fundamental y se basa en un instinto básico que es la nutrición. Si

no hay alimento no hay vida ni pensamiento, ni concepto.

Su obra como la de lo artistas  nos demuestra que todo puede ser arte si hay la actitud y el método adecuado.

Su obra  como la de los artistas es instintiva e intuitiva pero sometida aun método riguroso.

Su obra como la de algunos artistas esta hecha de formas efímeras, como los dibujos en la arena de los monjes tibetano.

Su obra tiene forma y texturas como la de los artistas: Esferificación Gelificación  Emulsificación. Espesantes y Crepitación.

Su obra como la de muchos artistas es muy formalista sin caer en un esteticismo decadentista

Su obra como la de los artistas tiene  formas básicas en las  que se encuentran conceptos fundamentales, por ejemplo las esferas.

Su obra como la de los artistas  es formalista como otras muchas obras del arte contemporáneo.

Su obra como la de los artistas exige el rito de la contemplación y degustación de las grandes obras. Sacraliza lo cotidiano.

Su obra como la de los artistas exige un lugar determinado y específico para ser vista.

Su obra como la de los artistas exige un momento especial para ser vista y degustada.

Su obra como la de los artistas se manifiesta cuando se va creando en la cocina, mientras se ejecuta va apareciendo el arte.

Su obra como la de los grandes  artistas ha reivindicado el valor artístico de la vida cotidiana.

 El dj japonés Kazumasa Hashimoto Vanguardia Digital 

 El decimocuarto Festival Internacional de Música Avanzada y Arte Contemporáneo se ha consolidado como uno de los acontecimientos más interesantes en el arte contemporáneo y ha superado la expectativa de algunas bienales artísticas. En estos días que estamos metidos de lleno en la controversia sobre lo que es el arte o no, a propósito de la obra de Ferran Adriá,  nadie ha cuestionado que la búsqueda del silencio absoluto sea música. Una de las proposiciones más provocativas que han surgido  este año en el Sonar  ha sido la búsqueda imperiosa del silencio.

En el Sonar se pueden ver y escuchar numerosos  ejemplos del  sonido más estruendoso que hoy en día sea alguien capaz de hacer y el público capaz de soportar, por ejemplo  los americanos Wolf Eyes  que son un buen ejemplo del mejor (rock ruidoso) 'noise-rock'  salido de la factoria de l Ann Arbor  en Michigan  y que han hecho retumbar los oídos, la cabeza, el corazón y  el cielo de Barcelona, pero eso ya lo sabíamos.
La novedad este año ha sido la presencia de la actuación- performance de un personaje llamado "Tres"  que exige una nueva actitud hacia la música y quiere que apreciemos la virtud del silencio. Su actuación consiste en reclamar la atención  y  la complicidad del público que asiste a su concierto para conseguir el máximo silencio posible. Para  este fin se escuchan atentamente los más mínimos sonidos del lugar que se van desconectando durante treinta minutos, son conciertos para apagar, para desconectar gradualmente el máximo posible de sonidos perceptibles  durante la realización del no-concierto . Para ello se van apagando todo los elementos susceptibles: móviles, los ruidos imperceptibles de las torres de los ordenadores, el tic tac de los relojes, la respiración bajo mínimos, la inmovilidad del cuerpo ,incluso los filamentos de las bombillas de luz para conseguir un silencio sin residuos sonoros. La búsqueda de ese silencio primordial anterior a la creación del mundo es impresionante como lo es un minuto de silencio en el campo de fútbol o frente a un parlamento.

Desde su  página www.elsilencio.com , el músico señor Tres, propone y crea antimúsica y nadie se extraña, ningún músico protesta, se acepta bien, con una celebración que para si mismo hubiera querido Robert Buergell al escoger a Ferrán Adriá como artista para la Documenta. Para los que creemos en Adríá como artista nos alegra constatar que cuando el silencio absoluto se había conseguido, había dos que perseveraban en su voluntad de no callar nunca, el ruido del corazón y el sonido de las tripas cuando están hambrientas.                           

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No era suficiente el escándalo, cuando Ferran Adriá ha puesto una nueva piedra en el zapato del arte. El nomadismo ha sido elogiado, el transterritorialismo, la desacralización de los lugares míticos, el artista moderno cambia de lugar, nunca está quieto, no puede parar y de repente nos sale Adriá y nos marca en la piel la señal, la marca, un círculo perfecto con la plancha de tostar la crema catalana y convierte el Bulli en una catedral a la que hay que ir en peregrinación .La nueva ruta de Santiago pasa por la Costa Brava, por Cala Montjoi, por el monte de la joia, allí donde se encuentra nuestra nueva nutrición espiritual.

La noticia del día es esta en La Vanguardia Digital:

La historia nos ha gastado una buena broma  y ha hecho que  una de la polémicas más viejas del arte contemporáneo se haya subido nuevamente a la palestra cuando ABALLI  en Venecia se ha colocado frente a  ADRIA en la Documenta..Durante años los partidarios de la pomada y la crema pictórica se han enfrentado a los manguitos blancos e impolutos del arte conceptualista, o lo que es lo mismo,  la  INTELIGENCIA CONCEPTUAL ha pugnado siempre contra la INTELIGENCIA FORMAL ,y en este año del 2007 hemos vivido el apogeo de esta paradoja.

Las  paradojas son fascinantes y  en ocasiones son útiles para examinar una situación. Se me han ocurrido ocho pero, si el lector se anima a postear, podrían hacerse infinitas y sorprendentes combinaciones.

La primera es que  Ferran Adriá  con su exuberante investigación plástica meridional, ha conseguido el triunfo de su Inteligencia Formal  en  las racionales tierras germánicas, siendo el único español seleccionado para la  Documenta de Kassel.

La segunda paradoja es que  Ignasi Aballí ,otro artista catalán, y el más berlinés entre nosotros y que representa el triunfo de la Inteligencia Conceptual pura y dura sea el único artista seleccionado para la meridional y caliente Bienal de Venecia..

 La  tercera paradoja es que mientras se cuestiona que un cocinero de vanguardia sea la mejor imagen de un artista , Adriá es capaz de asegurar algo tan importante y brutal para la definición del arte, como que:¨Todo lo que hago en  el Bulli es sagrado, sagrado, muy puro". 

La cuarta paradoja es que a nadie se le ocurre cuestionar la cualidad de artista de Ignasi Aballi que recorta periódicos pacientemente y luego los encola en series infinitas.

La quinta paradoja es que mientras Ferran Adria prepara su "souflé desinflado " para Kassel,en Venecia Aballí se suma a la conceptualización del dolor y comparte cartel conEmily Prince (1981)" que ha puesto :miles de pequeñas cartulinas (3.556 en concreto) con el retrato dibujado de los soldados muertos en Afganistán e Irak y pegadas en la pared con alfileres, creando un continente conquistado pero ficticio o con el colombiano Oscar Muñoz (1951) que propone un proyecto para un memorial de las víctimas de la violencia, el israelí Pavel Wolberg (1966) da cuenta de un viejo conflicto en su país y en los territorios ocupados, el norteamericano Charles Gaines  que sigue la estela del 11-S con un avión que amenaza lanzarse sobre unos edificios y el italiano Gabriele Basilico presenta sus silenciosas imágenes del Beirut de 1991 como ruinas arqueológicas.

La sexta es que mientras la inteligencia barcelonesa nunca reconocerá que la apuesta por Aballi sea el éxito o la consecuencia lógica de la aplicación de los principios de gestión o "marketing" aprendidos y propuestos por ellos en sus seminarios, Ferrán Adriá dice, sin disimulo ni recato, que los de la Documenta  le han dicho que están inquietos por su nombramiento, pero que el hecho de convidarlo es la operación de la Documenta que más ha hecho por la muestra en relación al  márketing.y que esto es muy positivo para ellos porque a pesar de tener un enorme prestigio la Documenta no es muy conocida.

La séptima paradoja es que la Inteligencia conceptual de Aballí no se mueve en el territorio de las ideas exclusivamente ,lo que le daría un estatuto platónico y metafísico, sino que es más bien fenomenológica esta hecha de datos concretos, emociones, de realidades sensibles, mientras que el trabajo matérico propio de la ingesta de la comida  y tarea principal de la cocina de Adriá  se vuelve eidético casi tan conceptual que desaparece del plato: se idealiza.

La octava paradoja es que en la República de Platón el artista y el cocinero comparten injustamente el mismo lugar discreto en la jerarquía

I 

Si quieres hacer algo, hazlo.

Si tienes algo que decir, dilo.

Y si no, ¡calla

Este era el lema pragmático de la propuesta  de "Salir a la calle y disparar al azar" Premi LAUS DE PLATA 2006 celebrado en un sótano de la calle Calábria de Barcelona y que podría ser el lema de la  acción decidida y directa que domina a la Inteligencia artística Barcelonesa. Un grupo de artistas y críticos, digamos jóvenes: como Regina Giménez , Martí Ansón ,Maribel López, Joan Morey, David G. Torres, Antonio Ortega, IGNASI ABALLI, Andrés Hispano, Rafel G. Bianchi , Eduardo Perez-Soler David Armengol, Montse Badia, David G. Torres Martí Manen , Frederic Montornes, Jacob Frabicius y  Ferran Barenblit  que es  el actual director del CASM(Centro de arte de Sta. Mónica)  y con el que muchos de  ellos colaboran, les  apasiona plantearse todas aquellas cuestiones que tienen que ver con la profesionalidad del artista y su "modus vivendi".Un grupo que reivindica la utilización de todo tipo de estrategias para legitimar su misión. Un grupo que  se propone, con todo el derecho del mundo, que la tarea del artista no sea diferente de la del Ingeniero o el Notario. Para conseguir este objetivo  elaboran permanentes foros y discusiones sobre los modelos de presentación y de distribución del arte, el público, la recepción, las estrategias de promoción, la colaboración con instituciones y en definitiva exploran todo tipo de posibilidades de incidencia del arte en la sociedad y naturalmente de los artistas. Estos deben hacer cursos de gestión de sus intereses, formación laboral, defensa de derechos de autor y sobre todo hacer cursos especializados de inglés. Todos estos son los temas que suelen aparecer  en sus discusiones en las que participan, también  les gusta jugar con las palabras como "Sinónimo de lucro" o Past & Glory, un título de Antonio Ortega, compañero de algunas exposiciones  de Ignasi Aballi. A todo ellos, hay que darles la enhorabuena pues la historia vuelve a su cauce, se ha hecho justicia,  la elección de Ignasi Aballi, es un triunfo de la inteligencia  y un gran alivio balsámico para los moratones  o patadas en las ingles que les produjo el golpe bajo que  les asestó Robert Buergel al elegir un cocinero para la Documenta de Kassel.

EL ELEGIDO.-

Ignasí Aballí ha expuesto  de forma individual en el Museo de Bellas Artes de Santander Nada-para-ver (2004),  en la Galería Estrany de la Mota Desapariciones (2003) y en el Espacio Uno del MNCARS Desapariciones (2002). En 2004 ha participado en diversas exposiciones colectivas: Looking further, Thinking Through, Reykjavik Art Museum-Kjarvalsstadir, en El Laocoonte devorado. Arte. Política. Violencia. ARTIUM, Vitoria-Gasteiz, Espaces Fragiles Dijonval. Sedan y en la Bienal de Pontevedra. Entre sus sus exposiciones individuales  destacan las de el MACBA de Barcelona (2006), Museo Serralves Oporto (2006) y Ikon Gallery, Birmingham (2006)

Si quieres hacer algo, hazlo. Si tienes algo que decir, dilo. Y si no, ¡calla  

 Este era el lema pragmático de la propuesta  de "Salir a la calle y disparar al azar" Premi LAUS DE PLATA 2006 celebrado en un sótano de la calle Calábria de Barcelona y que podría ser el lema de la  acción decidida y directa que domina a la Inteligencia artística Barcelonesa.

 Un grupo de artistas y críticos, digamos jóvenes: como Regina Giménez , Martí Ansón ,Maribel López, Joan Morey, David G. Torres, Antonio Ortega, IGNASI ABALLI, Andrés Hispano, Rafel G. Bianchi , Eduardo Perez-Soler David Armengol, Montse Badia, David G. Torres Martí Manen , Frederic Montornes, Jacob Frabicius y  Ferran Barenblit  que es  el actual director del CASM(Centro de arte de Sta. Mónica)  y con el que muchos de  ellos colaboran, les  apasiona plantearse todas aquellas cuestiones que tienen que ver con la profesionalidad del artista y su "modus vivendi".Un grupo que reivindica la utilización de todo tipo de estrategias para legitimar su misión. Un grupo que  se propone, con todo el derecho del mundo, que la tarea del artista no sea diferente de la del Ingeniero o el Notario. Para conseguir este objetivo  elaboran permanentes foros y discusiones sobre los modelos de presentación y de distribución del arte, el público, la recepción, las estrategias de promoción, la colaboración con instituciones y en definitiva exploran todo tipo de posibilidades de incidencia del arte en la sociedad y naturalmente de los artistas. Estos deben hacer cursos de gestión de sus intereses, formación laboral, defensa de derechos de autor y sobre todo hacer cursos especializados de inglés. Todos estos son los temas que suelen aparecer  en sus discusiones en las que participan, también  les gusta jugar con las palabras como "Sinónimo de lucro" o Past & Glory, un título de Antonio Ortega, compañero de algunas exposiciones  de Ignasi Aballi. A todo ellos, hay que darles la enhorabuena pues la historia vuelve a su cauce, se ha hecho justicia,  la elección de Ignasi Aballi, es un triunfo de la inteligencia  y un gran alivio balsámico para los moratones  o patadas en las ingles que les produjo el golpe bajo que  les asestó Robert Buergel al elegir un cocinero para la Documenta de Kassel.

   La historia nos ha gastado una buena broma  y ha hecho que  una de la polémicas más viejas del arte contemporáneo se haya subido nuevamente a la palestra cuando ABALLI  en Venecia se ha colocado frente a  ADRIA en la Documenta..Durante años los partidarios de la pomada y la crema pictórica se han enfrentado a los manguitos blancos e impolutos del arte conceptualista, o lo que es lo mismo,  la  INTELIGENCIA CONCEPTUAL ha pugnado siempre contra la INTELIGENCIA FORMAL ,y en este año del 2007 hemos vivido el apogeo de esta paradoja.   Las  paradojas son fascinantes y  en ocasiones son útiles para examinar una situación. Se me han ocurrido ocho pero, si el lector se anima a postear, podrían hacerse infinitas y sorprendentes combinaciones. 

  La primera es que  Ferran Adriá  con su exuberante investigación plástica meridional, ha conseguido el triunfo de su Inteligencia Formal  en  las racionales tierras germánicas, siendo el único español seleccionado para la  Documenta de Kassel. 

  La segunda paradoja es que  Ignasi Aballí ,otro artista catalán, y el más berlinés entre nosotros y que representa el triunfo de la Inteligencia Conceptual pura y dura sea el único artista seleccionado para la meridional y caliente Bienal de Venecia.

.  La  tercera paradoja es que mientras se cuestiona que un cocinero de vanguardia sea la mejor imagen de un artista , Adriá es capaz de asegurar algo tan importante y brutal para la definición del arte, como que:¨Todo lo que hago en  el Bulli es sagrado, sagrado, muy puro". 

La cuarta paradoja es que a nadie se le ocurre cuestionar la cualidad de artista de Ignasi Aballi que recorta periódicos pacientemente y luego los encola en series infinitas.

   La quinta paradoja es que mientras Ferran Adria prepara su "souflé desinflado " para Kassel,en Venecia Aballí se suma a la conceptualización del dolor y comparte cartel con Emily Prince (1981)" que ha puesto :miles de pequeñas cartulinas (3.556 en concreto) con el retrato dibujado de los soldados muertos en Afganistán e Irak y pegadas en la pared con alfileres, creando un continente conquistado pero ficticio o con el colombiano Oscar Muñoz (1951) que propone un proyecto para un memorial de las víctimas de la violencia, el israelí Pavel Wolberg (1966) da cuenta de un viejo conflicto en su país y en los territorios ocupados, el norteamericano Charles Gaines  que sigue la estela del 11-S con un avión que amenaza lanzarse sobre unos edificios y el italiano Gabriele Basilico presenta sus silenciosas imágenes del Beirut de 1991 como ruinas arqueológicas.

    La sexta paradoja es que mientras la inteligencia barcelonesa nunca reconocerá que la apuesta por Aballi sea el éxito o la consecuencia lógica de la aplicación de los principios de gestión o "marketing" aprendidos y propuestos por ellos en sus seminarios, Ferrán Adriá dice, sin disimulo ni recato, que los de la Documenta  le han dicho que están inquietos por su nombramiento, pero que el hecho de convidarlo es la operación de la Documenta que más ha hecho por la muestra en relación al  márketing.y que esto es muy positivo para ellos porque a pesar de tener un enorme prestigio la Documenta no es muy conocida.

 La séptima paradoja es que la Inteligencia conceptual de Aballí no se mueve en el territorio de las ideas exclusivamente ,lo que le daría un estatuto platónico y metafísico, sino que es más bien fenomenológica esta hecha de datos concretos, emociones, de realidades sensibles, mientras que el trabajo matérico propio de la ingesta de la comida  y tarea principal de la cocina de Adriá  se vuelve eidético casi tan conceptual que desaparece del plato: se idealiza.

   La octava paradoja es que en la República de Platón el artista y el cocinero comparten injustamente el mismo lugar discreto en la jerarquíaI  

WOMAN IN ART.

Mirando como funcionaban mis caras raras sobre papel en YouTube, encontré este vídeo de caras preciosas que son un delicioso paseo por la historia. Si las clases de historia del arte se hicieran así se ganarían vocaciones y no desprecio.

Se lo dedicó a Joan Sabater

 EL HANG.-

 Si hay alguien que siga este BloG, se habrá percatado de dos cosas que son de gran interés para quien lo hace. Uno es la propia definición de la palabra que esconde al escribano y que es de origen japonés: Kokon. Esta palabra reúne  la esencia de lo antiguo y lo de ahora mismo, lo que acaba de suceder. Es una palabra de unión entre el pasado y el presente. La otra cosa es el elogio de la música como algo primordial, una fuerza que sale de las entrañas de la tierra y que se manifiesta de cualquier modo posible. Ambas proposiciones se reunieron ayer en un concierto de música "ambient" y experimental que ofrecían en el Convent de San .Agustí dos jóvenes interpretes, Sasha Agranov y Pablo Wayne que mezclaban el sonido dulce del violoncello con la música de sierra, tubos, cuencos, copas con agua y sintetizadores, pero sobre todo con  EL HANG.

El Hang es un instrumento musical de percusión creado por Felix Rohner y Sabina Schärer en el año 2000, hace solo siete años , en un cantón de  Suiza. Es un instrumento muy portátil a pesar de su aparente volumen. Hang significa mano en dialecto de Berna y esta compuesto de dos partes de metal en forma lenticular que le da una apariencia de OVNI musical.. Se toca usando las manos directamente, golpeándolas suavemente sobre los huecos del instrumento. Cada uno de estos huecos equivale a una nota musical, llegando a cubrir una escala entera. Su sonido tiene la sugerencia de los instrumentos exóticos como la marimba pero metálico y armonioso que crea un ambiente sonoro como de  campana oriental. Su aspecto lo aproxima a las formas más atrevidas de la escultura contemporánea y  con ciertos parentescos con alguna de las obras del  gran escultor Gabriel a quien bien seguro no le importaría que sus obras produjeran sonidos escondidos y primordiales. El Hang crea el sonido idóneo para un encuentro en la tercera fase.

Performance en el templo de la pintura.

La  galería Miguel Marcos de Barcelona se encuentra en un remanso de paz, en el número diez de la calle más rápida de la ciudad. La calle Jonqueras es estrecha y  un paso obligado para ir desde el casco antiguo hacía el norte de la ciudad.  Allí también se encuentra la "Casa de las Mantas" y un restaurante con decoración de época en donde, hace algunos años, me tome una tortilla de patatas con el lider de la "Transvanguardia Italiana" , el crítico Achille Bonito Oliva.

    La galería esta en el piso principal y se accede fácilmente desde la calle, solo unos peldaños, las paredes parecen estucadas  y conducen a un espacio al aire libre, un lugar reposado, florentino, fresco. Tiene la sombra remansada de algunos portalones y entradas principales de las casas importantes de  Mallorca en las que habita la calma.

Mi amigo Gonzalo Tena me había recomendado la visita a la exposición de Xavier Grau, ambos pertenecientes al grupo Trama, un grupo que revolucionó el panorama artístico barcelonés en los años setenta. Hacía cinco años que Xavier Grau no exponía en Barcelona y tenía ganas de ver el momento de su pintura. Xavier Grau es sobre todo pintor y no lo escribo con mayúsculas para no parecer exagerado. Pero si quiero poner énfasis en este aspecto, dado que la galería Miguel Marcos se ha especializado en Pintura, sea de la generación de los años ochenta, noventa o hasta la actualidad, su apuesta ha sido claramente por LA PINTURA, nacional e internacional: Alfonso Albacete,  Stephan Balkenhol. Alan Charlton, Chema Cobo, Carlos Franco, Ferran García Sevilla, Xavier Grau,  Antón Patiño, Manolo Quejido,  Julian Schnabel, Santiago Serrano, José María Sicilia, Carlos Alcolea , Menchu Lamas,  Juan Mira, Juan Navarro-Baldeweg, Antón Patiño,  Joana Pimentel,  Bernardí Roig, Glen  Rubsamen, Carlos Savater,  José María Iturralde. Es decir, casi nada. Una lista vaporizada con el aroma de la trementina y los "mediums". La pintura y el color concentrados en unos cuantos nombres. Y por supuesto Xavier Grau que con su exposición Imago ocupa toda las sala hasta el 16 de Junio.

El día de mi visita tenía una fuerte cojera producida por un dolor intensísimo en las articulaciones del pie derecho, que, como se suele decir: "no me dejaba ni caminar"; con dificultad subí los peldaños y empecé mi visita buscando fuerzas en mi capidad de sacrificio, tras una primera ojeada sin importancia, una amable " public relations", con magnífica profesionalidad ,se interesó por mí y me saco en treinta segundos hasta la talla de la camisa. Tras ese eficaz sondeo,  continuaba mi visita con mi pierna adolorida cuando me encontré protagonizando una "Performance" en el templo de la Pintura. Ni el  más riguroso de los artistas conceptuales podía haber imaginado una situación similar. Parecía una proposición de algún artista numinoso de la antipintura, de los artistas de la acción y el happening: una persona, dando vueltas incesantemente por la galería, iba repasando unos papeles que traía entre las manos y no paraba de caminar, mientras yo arrastraba mi pierna como podía, e intentando ver la exposición de pintura, él, no paraba de caminar, de aquí, para  allá, parecía que a veces lo hacía en círculo. Coincidíamos, nos alejábamos. Lo hacía de un modo rápido. En ocasiones, él, estaba en un extremo de la sala, luego coincidíamos. En esto, pasó junto a mi la joven y elogie su habilidad encuestadora y me dijo, pues: ¡coméntelo en voz alta!, y entonces yo dije, mirando al inquieto paseante: ¡ Ah ¡ el jefe. Tras la confirmación, supe que era el mismísimo Miguel Marcos quien no dejaba de pasear por su propia galería. En medio de la "Performance", la conversación surgió fácil, fue sobre piernas. A él le acababan de hacer una intervención en la suya y por consejo médico no podía estar sentado, y tenía que caminar y caminar, no estar quieto y aprovechaba su incesaste paseo para repasar papeles y facturas. Yo le comentaba mis vicisitudes con las articulaciones en la pierna y él, las de su operación en la suya y así  fuimos a parar a las causas: que si el marisco, que si el alcohol, que el poco ejercicio físico y yo mientras pensaba en la situación, en lo que él, recién operado de la pierna, habría pensado al verme entrar renqueando, pero también pensaba en la vieja querella entre pintores y conceptuales, en la tinta que hizo correr en su día, en las batallas cruentas de unos contra los otros, que si la Victoria Combalía, que si  Antoni Tápies, que si Trama o que si había que dejar de pintar. Que si una palabra o una acción bastan. Los cuadros de Xavier Grau, antes que cualquier cosa: PINTOR,  estaban observando serenamente nuestra PERFORMANCE. Quizás las distinciones entre manifestaciones artísticas sean vacuas porque la vida las une.  

En este video se puede ver el método argentino de sacar de uno mismo lo mejor que llevamos dentro, el talento por convertirse en paloma, niño , nube o en persona con pierna adolorida Una parodia que Bigas Luna saca también en su película "Yo soy la Juani" ,2006y que aquí se presenta como una "Performance".

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Cada dos meses la Escola de diseño Eina de Barcelona me envía un "panfleto" que se llama el "Plec d´Eina".Ya van por el 57, que no son pocos. Lo considero   un panfleto porque  es una especie de breve alegato ideológico en el que de un modo muy resumido se dan a conocer las ideas actuales de la escuela, la tendencia, la deriva creativa, no es un  libelo difamatorio  o un opúsculo de carácter agresivo como define la Real Academia esta palabra. Desde el ocaso de la vanguardia  el "panfleto" ha caído en desuso y por eso  tiene  mérito que una escuela que quiere marcar el rumbo del diseño en nuestro país aun lo utilice. En este llamado "panfleto" suele haber una editorial que  firma una parte del "Consell", algunas muestras de trabajos escogidos o laureados y unas conversaciones en un restaurant de Sarría llamado Vivanda. Al principio el nombre me resultaba exótico, lo asociaba a la India, a algún lugar lejano,  me sonaba a "ananga ranga" a "nalanda"  y tantos otros "andas" que me pueda imaginar, pero hoy me he enterado que no ,que la etimología correcta  hay que buscarla en la lengua italiana y que tiene que ver con vianda, con  nutrimento, con alimento cocido, condimentado y preparado para ser comido. Uno, que es de naturaleza hedonista, se imagina una buena conversación en medio de los deliciosos platos, los colores, los aromas, las salsas  frías o calientes, algunas conversaciones cercanas, el rumor de los platos,"il pomodoro", nada de todo esto  ha aparecido nunca en esas conversaciones en Vivanda. Y aquí se encuentra mi reproche. En este "plec", la"vidilla" de lo cotidiano no es lo que domina, domina una austeridad franciscana, una racionalidad extrema, colores apagados y mucha ideología transportada a través de abundante texto que me remite a la Alemania del este de los años sesenta.

 Iba pensando en todo esto, en América Sánchez y en que lo vivido, la emoción y la pasión no deben estar reñidas con el diseño, cuando ha caído en mis manos una revista gratuita, de esas que las paga la publicidad que contiene, es el nº 35 de "lamono" de junio 07.Por contraste, el sobresalto ha sido mayúsculo. Aquí, la vidilla coge tintes excesivos, casi pornográficos. En este número, el lema es "SexoSentido" y como el título indica podemos imaginar por donde va la cosa. Lo más sorprendente es que en sus páginas, se anuncian y por lo tanto la pagan, cuatro, si cuatro escuelas de diseño de Barcelona en época de captación de clientes, quiero decir alumnos, son "BAU Escola Superior de Disseny. La ex - casta Elisava: Escola Superior de Disseny, el Instituto Europeo de Diseño, más el Idep, Escuela Superior de Diseño e Imagen. Las cuatro escuelas se anuncian en medio de un maremagnum de  polaroids íntimas, posiciones de Kamasutra, consoladores de diseño y pedrería fina, un tio, "boylife" en pelotas enseñando un buen Mitoraj, que si no, no lo enseñaría. Un artículo sobre post-porno feminista hecho en BCN, unas mozas gozando, y otras delicadezas entre mórbidas y sexuales. Ambas publicaciones demuestran que el diseño debe encontrarse en alguna encrucijada rara, por no decir callejón sin salida, dos modelos, dos opciones, dos miradas .Ni tanto ni tan calvo.Ven a Ashana.